El álbum de 12 canciones abre con Ciervos, canción que la banda ya había regalado para que toda su fanaticada descargara y viera el video cuanta vez quisiera. En ese primer corte ya queda evidenciada la calidad técnica que tiene el disco, tarea que había quedado pendiente en el EP debut. Luego tenemos Coco, que se instala como esta clase de nueva música bailable con destacables teclados y secuencias ochentenas. Es un retrato de lo que muestra Astro en este disco.

En el tercer track ya se tira toda la carne a la parrila. Colombo es el mejor tema tejido de las manos de Andrés, Lego, Octa y Zeta. Un tema con esas letras sicodélicas llenas de animales que solo Astro sabe hacer. Un pequeño interludio baja las revoluciones de la pista de baile como una suerte de pausa en Druida de las Nubes para descansar y después volver con el ataque de los teclados destellantes y unos toques de ukelele en Panda, una de las favoritas del staff de este humilde blog.

Manglares es otra canción que nos recuerdas esos movimientos tiesos de hombres con hombreras de los ochenta con sus jopos y baterías digitales. Mira, Está Nevando en las Pirámides. No, no es para que miren. Es el nombre de una de las canciones. Tal vez la única donde hay un abuso de los teclados y la voz de Nusser se escucha con menos fuerza de la que estamos acostumbrados, porque, todos lo tenemos claro. Esa voz aguda es de las grandes características de Astro.

Es en ese momento donde los puntos altos del disco se terminan. Después sólo nace la pregunta “¡¿qué le hicieron a Pepa?!”. El tema que ya conocíamos en su versión acústica con ukelele y una naturalidad campestre dejó de serlo para volverse una versión digital electro ecléctica. Si me preguntan, ya no me gusta, cosa de gustos.

A pesar de que el disco tiene varios temas a destacar que contienen la esencia de Astro, vemos que mostraron una importante renovación y dedicación del sonido del cuarteto de chilenos, hay otros que sobran. Miu-Miu en sus dos partes se aleja de todos los posibles singles que podría tener el disco y pasan a ser un accesorio poco agradable de la placa. De Nueces de Bangladesh solo puedo decir: too much sonido espacial to be true. Fue el momento en que las extrañas letras dejan de sentirse naturales y se siente que se esforzaron para seguir haciendo locuras líricas.

En general es un buen disco. Con fuerte proyección internacional gracias al trabajo de las presentaciones realizadas durante el 2010 siendo un refresco con muchos hielos distinto y en pro de la innovación sonora. A mi opinión, definitivamente lo tendría en mi iPod. Si les interesa descargarlo, puede pasar por aquí.

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foto de mette lindberg by ectopic flickr

En un Centro Cultural Amanda repleto se realizo la presentación por segunda vez en nuestro país de la banda The Asteroids Galaxy Tour; éstos son los Daneses a cargo de la musicalización de toda la campaña ‘The Entrance’ de una cerveza verde conocida por muchos. Pensando en esto, se me hace súper interesante que una marca escoja una banda de media fama y los tome para tocarlos en cada radio del mundo, dándoles una fama y una asociación ineludible con la marca misma.

Cerca de las 01:00 sale a escenario la banda. Precedidos de 3 bandas teloneras, que a mi parecer no eran los más idóneos para el estilo musical de los daneses. Con gritos de fondo se apersonan en el escenario los músicos, que claramente si cambiaran a todos los músicos excepto a la rubia frontman a todos nos importaría lo mismo, ella es el show, es ella la cara y lo que importaba realmente en la banda Me enamore un poco de su hipnótica forma de moverse, de su tono de voz, igual en algunos momentos desde la mesa de sonido la hacían alcanzar los tonos mas altos como los de sus grabaciones. Pero en el contexto que venían presentándose la verdad daba igual.

Me pregunto si allá también tratan a los más indies de Dinamarca como unos vendidos. A estas alturas da igual. Anteriormente otra de sus canciones había sido utilizada por la marca aspiracional de la manzana mordida, para el lanzamiento de su iPod Touch. (con esto hago el llamado a alguna marca a fijarse en Circa survive o en Mew).

Si comenzáramos a listar todas las apariciones que ha tenido esta banda en distintas serie, promociones, películas, tendríamos una lista interminable, pero cabe resalta que talonearon a Amy Whinehouse luego de que ella escuchara su disco y los exigiera como teloneros para su presentación en Dinamarca. También tocaron antes de la exhuberante Katy Perry por todo su Sold Out Tour por Europa.

Un publico cómplice y entregado a las ordenes de Mette Lindberg, como primera vez en nuestro país presentaron un set de acuerdo a su corta carrera, ya que desde el 2007 están juntos. Algo mas de una hora bastó para que el mejor público del mundo dejara una marca en el corazón de los daneses prometiendo una nueva visita con algún nuevo trabajo o quizás promocionando alguna otra marca.

El set de la presentación fue el siguiente.
1.Hero
2.Push The Envelope
3.The Sun Ain’t Shining No More
4.Zombies
5.Ghost In My Head
6.Satellite
7.Lady Jesus
8.Around The Bend
9.Sunshine Coolin’
10.Bad Fever
11.The Golden Age
12.Safety Dance  (Men Without Hats cover)

Encore:
13.Fantasy Friend Forever

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Para la banda esto es una prueba a si mismos. A mediados del 2009 terminaron de grabar su gran regreso, que un año y medio después, vimos salir al aire en dos etapas con una nueva alineación de viejos músicos conocidos en batería y bajo. Lo que fue Our Color Green EP ayudó a filtrar y llamar la atención de los seguidores del post harcore alternativo de gj. Coloring Book es distinto, otra cosa, otro color. Sugiero que lo tomemos en serio.

En el 2003 me ponía a pensar en el futuro de Glassjaw y en realidad si se parecía un poco a las canciones del Coloring Book. Espasmos similares a Ape Dos Mil y Two Tabs of Mescaline. Es el lado secundario, los bajos y lo crudo del vaivén.

I’m aware, I see, yes I Do, Yet somewhere as you reach down. I’m afraid you’ll want me to go without. Es el coro de Black Nurse que ni se nota cuando se une con Gold. Este tema es uno de los mejores del EP, parece que dos canciones unidas marcan el inicio de lo nuevo de Glassjaw. How long, I have been willing, How long before I breathe you out?. Ahora si te das cuenta que es todo un mismo ritmo y bajos con extremo protagonismo. Todo emerge junto a la garganta de Palumbo que aún mantiene el trono a pesar de los cambios de estilos y enfermedades varias.

Vanilla Poltergeist Snake baja el ritmo de forma necesaria y le agrega más delays al asunto. Poco es lo que podemos escuchar de guitarras y las ausencias de íconos pasadas se hacen claras. De todas formas es otra etapa, otras canciones, un nuevo comienzo.

Miracle In Inches saca chispas. Rabia conjunta y un estilo de dub retomado por el rock alternativo para adornar con voces del altos y bajos melódicos. Los delays siguen permanentes, cercano al estilo Pink Roses. Para cerrar, dos canciones bastante largas y llenas de letargos. El quinto tema es Stations Of The New Cross. “ I believe in, regret for when the morning appears again”. Mi favorita del disco después de Gold. Desde el minuto de canción comienza un coro que te deja frente a la médula del Glassjaw del 2011. Todo el énfasis liderado por Daryl con un backup de músicos sostenidos por el baterista Durijah Lang, viejo leal a la banda.

El Coloring Book fue regalado a todos los asistentes al primer tour del 2011, su primera fecha fue el 13 de Febrero. Canciones de casi siete minutos que repiten constantemente “I can’t breath without you…” te dejan llevar y dejarlo ir con Daytona White. Paso todo y la espera pareció haber sido buena. Mientras tanto me desangro viendo videos de sus presentaciones en vivo. Las comparto.

Black nurse & gold
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Glassjaw – Vanilla Poltergeist Snake
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‪Glassjaw – Miracles In Inches & Stations of the New Cross‬
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Daytona White
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Los hechos apuntaban a que nunca iba a ocurrir. El año 2002 finalizó la primera época de Stone Temple Pilots entremedio de enfrentamientos, adicciones y rehabilitaciones infructuosas. El 2007, Scott Weiland visitó nuestro país con su banda de entonces, Velvet Revolver, y las dos canciones del recuerdo que ofreció tuvo un efecto contrario: en vez de aquietar la ansiedad, esta se vió acrecentada por los fans.

Finalmente, para el 2008 se anunció el regreso de los cuatro integrantes en pleno de STP, y las esperanzas se fortalecieron enormemente cuando nos enteramos de que la respectiva gira contemplaría el cono sur. Sin embargo, Argentina fue el único lugar que supo de ellos. Con las ganas aún latentes, el conjunto anuncia nuevo disco (tras casi una década), con su respectivo tour que, ahora si, incluyó a Santiago de Chile como una de las paradas en sudamérica.

Un Movistar Arena cuyo aforo estaba atestado hasta las banderas fue testigo de parte de una de las páginas más destacadas que nos brindó el rock en la década de los ’90. Previo a ello, vimos el desempeño en vivo de The Suicide Bitches. El quinteto comandado por Felipe Arriagada destiló rock garage por cada vértice, una característica que podría haber sido mejor apreciada de haber mediado la suficiente asistencia desde la consola. Cosa común en los teloneros nacionales, estos son usados como carne de cañón en lo que a materia de sonido se trata. Una verdadera lástima.

Por mucho que uno pueda esbozar críticas a la manera en que se trata en ocasiones a las bandas de apertura, lo que de veras importó era cómo sonaban los reformados muchachos de San Diego. Y vale decir que el trío de canciones que sirivió para romper el hielo con el respetable fue, hay que decirlo, un golpe a la quijada que pudo haber noqueado a todo el mundo: ‘Carackerman’, ‘Wicked Garden’ y ‘Vasoline’, que se sucedieron sin pausas y que dejaron totalmente boquiabiertos al público, que cayó fulminado al instante. De su última placa homónima, sólo mostraron cuatro canciones, que se distinguieron mucho más poderosas que en su registro en estudio. Del sonido no hay mucho que detallar, salvo algunas dificultades para escuchar el bajo de Robert De Leo al principio del concierto.

Scott Weiland se ve mucho más repuesto, con un registro vocal que puede distar de lo que conocíamos de él (‘Still Remains’), pero que está en mucho mejor forma que en la gira del 2008, lo que nos da a entender que su calidad va en aumento. Escueto en sus declaraciones, el vocalista parece montar un show aparte con sus movimientos en las canciones, lo que claramente es seguido por todo el mundo.

Aunque es obvio que el centro de atención se lo lleve Weiland, hay que reconocer que el motor de este engranaje llamado Stone Temple Pilots se encuentra, diciéndolo de cierta forma, en el arco: Eric Kretz maneja y lleva los tiempos en cada tema, deteniéndose o apurando el tranco según las necesidades que delate su frontman. Y quienes lo flanquean en esas labores -lo hermanos Dean y Robert De Leo- han mostrado ser adherentes de una confiada base en la que Weiland se mueve como pez en el agua y se siente protegido; quizás esa sea la explicación de su reencuentro.

Con una lista de canciones que se hizo en pos de dejar a todo el mundo contento, tuvo claramente dos damnificados: los discos “Tiny Music…Songs From The Vatican Gift Shop” (que aportó con una canción), y “Shangri-La Dee Da”, que fue ignorado completamente del set, y que es calcado al que vienen mostrando en su gira. Obviamente, adentrarse en esa discusión da para largo, pero no sacará ninguna conclusión limpia. Lo que si es una certeza es el bonito show que nos dió la banda, una visita esperada por mucho tiempo, que tuvo la sapiencia de mostrarnos todas sus facetas, y que aún les queda aliento para brindarnos más música.

Foto por Javier Valenzuela para Rocknvivo.

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“Lisbon”

The Walkmen lleva diez años de carrera musical, tiempo en el cual, han lanzado discos con un denominador en común: la simpatía por el sonido que dan los instrumentos antiguos a la grabación. Eso sumado al inconfundible sonido de melancolía, decepción, rabia y arrepentimiento que se mezclan con ritmos oscuros, nerviosos y con tintes de punk.

Abre esta placa la colorida “Juveniles” que tiene una vibra a canción de navidad, es alegre y up-tempo, suena como una celebración,  las melodías aquí son luminosas y contrarrestan el timbre característico de Hamilton Leithauser, que nos entrega esa voz raspada y que suena como si estuviera con unas copas de más, mientras nos habla de una relación inmadura de su juventud. Acá podemos empezar a apreciar la diferencia con los discos anteriores, este remozado The Walkmen suena inusualmente feliz y confiado en algunos pasajes, como si hubieran encontrado ese sonido que les agrada, como si por primera vez estuvieran disfrutando lo que hacen. Le sigue “Angela Surf City” uno de los temas más potentes y enganchadores del disco, donde la batería de Matt Barrick se destaca por sí sola, las guitarras acompañan de buena forma a la sección rítmica, que es la verdadera estrella en esta canción, hace tiempo que estos hombres no apretaban tanto el pie en el acelerador y se nota cuándo empieza el coro, el sonido empieza a crecer y crecer, un verdadero golpe en la cara, temazo.

Las revoluciones bajan con “Follow The Leader” un pequeño “intermedio” de dos minutos que da paso a “Blue As Your Blood” una canción que empieza tensa, con unas guitarras punzantes y la batería galopeando de fondo, creando una atmósfera algo lúgubre que se acentúa con la voz de Leithauser;  matizada con violines y órganos, le dan ese aire nostálgico característico de este grupo, muy buen tema por lo demás. Llegamos al primer single, la mexicana y dolorida, “Stranded”; es raro escuchar una canción que tiene un fondo de cláxones de mariachi en un grupo de rock, y es más raro aún, encontrarla buena, pero créanme, lo es. Es un tema melancólico y alcoholizado, dónde el protagonista está ahogado en decepción y auto compasión, ha perdido el rumbo por un amor no correspondido, está varado y no hay melodía más certera que esta, para reflejar un estado de ánimo como ése.

Viene ahora “Victory” que suena como un desahogo del tema anterior, pero tratándose de The Walkmen sabemos que esta “victoria” jamás será lograda, los sonidos vintage de las guitarras se hacen presentes, acompañando lentamente el desarrollo del tema hasta la explosión cuando llega el coro, es una verdadera catarsis para Leithauser que exclama casi con desesperación por una victoria que nunca llega; excelente tema que recuerda al sonido del “Bows And Arrows”. A continuación llega “All My Great Designs” una canción más relajada y casi ambiental, que cuenta de nuevo, con el excelente trabajo de batería de Barrick, porque a pesar de que esta es una canción más pausada, la batería se hace notar con fuerza, cada golpe que cae sobre los tambores y platillos tiene más intensidad que el anterior.

Con “Woe Is Me” viene lo más cercano a una canción alegre que podrían hacer estos músicos, abre el tema las guitarras punzantes de Paul Maroon y la sección rítmica acompañando de gran manera a una de las mejores letras que ha escrito Leithauser en su carrera, que contrarresta esta aparente felicidad con el lamento por una mujer que lo dejó, pero la sensación predominante acá es felicidad, porque es colorida y festiva como una soleada tarde de verano, uno de los mejores temas del disco sin duda.

La balada de fiesta de graduación de los años 50 llamada “Torch Song” nos entrega unas melodías atmosféricas notables, acompañados por un coro con tintes de “góspel” y que a pesar de toda esta belleza, suena aún como una canción para perdedores ebrios, cortesía del timbre de Leithauser. Casi cerrando el álbum aparece la invernal “While I Shovel The Snow”, dónde el amor por los instrumentos antiguos se aprecia enseguida con el piano que da inicio al tema y que complementa el excelente trabajo vocal, cuándo la banda quiere sonar calma y etérea lo hace notablemente, es una canción íntima y cautivante, que me hizo recordar tiempos pasados, dejándote con una sensación de tranquilidad y emoción, notable track.

Para cerrar esta placa llega “Lisbon” con su tiempo pausado, avanza lenta y segura, tiene un aire casi minimalista, porque delicadas percusiones se mezclan con una guitarra que suena frágil, esta parsimonia casi se rompe en la mitad del tema, cuándo llega a un clímax de medio tiempo que está a punto de estallar, pero no lo hace; sino que continúa para luego ir apagándose lentamente, hasta que el sonido se desvanece por completo.

Con este disco encontramos a una banda segura de sí misma, confiados en lo que saben hacer mejor y se nota porque suenan por momentos triunfantes y coloridos, son esos momentos de brillo, los que elevan este álbum. Además lograron algo que siempre habían buscado, finalmente atraparon ese sonido vintage que tanto les gusta y lo hicieron de excelente manera, porque esa nostalgia que te entrega este LP, solo tú podrás saber a qué momentos de tu vida te lleva, ellos ponen la banda sonora…tú pones los recuerdos.

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Es bueno que aclaremos unas cosas antes de empezar. Este es el cuarto disco de la agrupación oriunda de New York, que ya cuenta con una muy buena trilogía de discos: Turn On The Bright Lights (2002), Antics (2004) y Our Love To Admire (2007); Este nuevo disco es el último que cuenta con la participación de Carlos Dengler en el bajo debido a que renunció a la banda una vez completada la grabación del álbum. Podemos comentar también que desde su anterior trabajo algunos integrantes del grupo se embarcaron en proyectos paralelos en busca de nuevos sonidos y para “desmarcarse” un poco de lo que es Interpol.

Lo anterior es para que se hagan un idea de lo que estaba pasando con la banda mientras componían este nuevo álbum, grabado en New York y que fue producido por ellos mismos, bautizándolo homónimamente como “Interpol”. Por lo general, cuándo una banda titula un disco con su propio nombre es o porque están buscando una re-invención o porque están haciendo una declaración de principios, algo así como “esto es Interpol y así es como sonamos nosotros”.

El disco comienza con “Sucess” donde la guitarra de Daniel Kessler es la que lidera en todo el momento el track, acompañado excelentemente por el poderoso bajo del mencionado Dengler, la voz de Paul Banks suena aletargada, casi robótica al principio, para luego casi al final acelerar un poco el ritmo; es un tema que va aumentando en intensidad lentamente y que termina abruptamente en el pick de la canción y te deja como esperando algo más, correcto comienzo de todas formas. La sigue “Memory Serves” que abre con un riff de guitarra bastante tétrico, que se expande y  se repite a lo largo del tema, la sección rítmica acá suena a la perfección sobre todo Sam Fogarino en la batería que se luce en este track, coros potentes adornados desde el fondo con unos  impensados (para Interpol) “ooh-la-la-la” e interpretados por varios Banks a la vez, que se cierra con un frágil piano y la voz del vocalista en tu oído, uno de los puntos altos del disco.

“Summer Well” comienza con los teclados, bajo y una mínima percusión dónde la voz de Banks acompaña suavemente el inicio del tema, pero cambia radicalmente a medida que avanza el track, es una canción bastante melódica y up-tempo haciendo recordar a la época del “Antics”, muy buen tema que se aleja de los clásicos ambientes oscuros de la banda. A continuación viene “Lights” que fue la primera canción que liberó la banda hace unos meses atrás, guitarras reverberantes y coros subliminales, le dan una sensación oscura y claustrofóbica, como la mayoría de los temas de este LP empieza a crecer en sonoridad a medida que se acerca al final..pero nunca explota, promete y promete, pero al final no entrega lo prometido.

Uno de los mejores temas del disco, sino el mejor, es “Barricade” abre con la bien aceitada batería de Fogarino y las líneas del bajo de Dengler a la que se le suman las guitarras de Kessler y Banks, formando una armonía perfecta y punzante, coros certeros y una correcta performance vocal, le dan el toque a este tema que suena como el antiguo Interpol, algo que habían prometido algunos integrantes de la banda al referirse a su nuevo trabajo, excelente elección para el primer single. El siguiente tema vuelve a la oscuridad sonora característica de este disco, lo mejor que tiene “Always Malaise (The Man I Am)” son las letras de Banks que canta “Actuaré de cierta manera, controlaré lo que pueda, ése es el hombre que soy”, teclados y sintetizadores principalmente acompañan el relato, dejando las guitarras un poco de lado esta vez, arriesgada decisión que lamentablemente no da frutos. “Safe Without” nos sigue sumergiendo en una penumbra sonora con la guitarra característica de Kessler y la voz monótona de Banks desparramada por todo el track, el riff de guitarra es lo más llamativo de esta composición porque el resto es bastante plano.

Con “Try It On” remecen un poco el adormecimiento, el tema  comienza con el piano y la batería, fusionados con sintetizadores y la voz de Banks, para luego dar paso a los riffs de guitarra que le dan la forma perfecta a este tema, uno de los destacados del álbum. Lamentablemente en este disco Interpol, combina una de cal con otra de arena, volvemos a la monotonía y a las sombras con “All Of The Ways” que trae un ambiente espeso y desorientado, cargado a los efectos del Pro-Tools y donde la voz compungida de Banks es la que lidera el tema en todo momento, si estás pasando por un momento complicado en tu vida y necesitas la oscuridad, este tema te calzará como anillo al dedo.  Para cerrar este “desorientado” disco llega “The Undoing” un tema que comienza con una guitarra pulcra y punzante, acompañado por sintetizadores y una mínima percusión, hasta ahí todo bien, pero la inclusión de unos versos cantados en español por Banks desvirtúan el tema, está bien la experimentación, pero esto raya en lo absurdo, las frases en español carecen de sentido; el resto de la canción se pierde en ambientes lúgubres dónde la guitarra que suena al fondo es como un rayo de sol que se cuela por una cortina espesa y oscura.

No sabemos exactamente qué es lo que quería lograr Interpol con este disco, trataron de lograr ambientes complejos y oscuros, los que consiguieron claramente, lamentablemente es como un cohete que está listo para partir y que es incapaz de despegar, promete bastante pero no cumple las expectativas. Tal vez ahí está el problema, uno siempre espera más de ellos, porque sabemos lo talentosos que son y lo que pueden lograr musicalmente, por desgracia este disco se desarrolla como una constante batalla interna, donde los integrantes están luchando para recordar quiénes son o tal vez están luchando para saber en quiénes se convertirán…sólo el tiempo lo dirá.

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Una de las incertidumbres para este show era la duración del mismo. Todos firmaban un mínimo de tres horas. Y al parecer eso fue lo que se hizo en términos de duración, porque por calidad, ya con el sólo cartel prometía una velada altamente satisfactoria.

Tres leyendas, así tal cual, tres enormes nombres de la música de este lado del mundo, reunidas en un sólo escenario, comenzando de excelente forma el mes en que todo el mundo toma la bandera y celebra el ser chileno (aunque posiblemente no haya un significado concreto a eso), y también recuerda hechos agrios del pasado que aún penan en gran parte de la gente.

Volviendo al tiempo, estas tres bandas tuvieron que hacer malabares para condensar en tres horas (que, a pesar de todo, fue poco tiempo) muchos años de carrete, música, ajetreo y un cuanto hay; lo que implicó mucha carne a la parrilla, mucha sorpresa y harta colaboración.

Puntos a rescatar: la hermosa interpretación de “Julia”, original de The Beatles, a cargo de Álvaro Henríquez; “Tatati”, primera patita del segmento exclusivo de los Inti Illimani histórico; “Pájaros De Fuego”, interpretado por Quilapayún (y ayudados por Los Tres) y el final lleno de vida y clamor con “El Pueblo Unido”.

El viernes fue un paseo con la historia, un deleite al oído con gente que ha sido protagonista de buena parte de los momentos más luminosos que ha tenido nuestro país en materia musical. Asistir era imperativo. Y nadie salió defraudado.

Los Tres, Inti Illimani Historico & Quilapayún
01. Somos Tontos, No Pesados
02. La Partida (Víctor Jara)
03. Julia (Beatles)
04. Mi Patria

Inti Illimani Historico
01. Tatati, con Quilapayún
02. La Exiliada del Sur (Violeta Parra)
03. Lo Que Más Quiero (Violeta Parra)
04. Danza Mediterránea
05. Quinteto del Tren
06. No Me Cumben, con Elizabeth Morris
07. Danza Negra
08. Me Rompió El Corazón, con Los Tres
09. El Mercado de Testaccio
10. Vuelvo
11. La Esperanza (Violeta Parra), con Quilapayún

Quilapayún
01. Plegaria a un Labrador (Víctor Jara)
02. Miren Como Sonríen (Violeta Parra)
03. Tío Caiman
04. Canción del Minero
05. Te Recuerdo Amanda (Víctor Jara)
06. Baila Como Juana La Cubana
07. Canción II: Vamos Mujer, con Álvaro Henríquez
08. La Batea
09. Pájaros de Fuego, con Los Tres

Los Tres
01. La Torre de Babel
02. Hojas de Te
03. Tírate
04. Amor Violento
06. La Vida Que Yo He Pasao
07. Quién Es La Que Viene Alli
08. He Barrido El Sol
09. Tu Cariño Se Me Va
10. Retrato, con Inti Illimani Historico

Los Tres, Inti Illimani Historico & Quilapayún
01. Ventolera
02. A La Mina No Voy
03. El Aparecido (Víctor Jara)
04. La Muralla
05. Sambalando
06. Canción Final
07. Déjate Caer
08. El Pueblo Unido

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Acusar que los argentinos no son los mismos de años atrás es algo inundado de facilismo, pero no por eso carente de sinceridad. Con un show bastante corto presentaron en nuestro país su última placa de estudio, “Ailobiu EOY”, para el público que, a pesar de que cada vez son menos personas, ofrecen su buena cuota de fidelidad, reforzando el lazo de la agrupación con Chile.

El show puede verse desde dos matices, bien distintos. Por una parte, la banda suena cada vez mejor en vivo, y es valorable el hecho de que no apelen a la nostalgia para encantar al público (repito, el setlist estuvo inundado con canciones de sus dos últimas placas) y que la preponderancia sea lo último que tienen que decir, a diferencia de otras bandas cuyas giras se basan en glorias añejas.

Sin embargo, la contraparte apela a eso mismo. La falta de recuerdos, las canciones que la gente va, a fin de cuentas, a oír. De “Abrecaminos”, sólo pasaron cuatro canciones, y de “Mundo” (que debe ser el favorito de todos) sonó “Alegría”, dejando fuera. También hay que incluír acá la tríada que incluyó “Sexo en el elevador”, “El zumbido” y “Lo de adentro”, lo que se agradece pero no parece ser suficiente.

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El frío no sólo condiciona el ambiente (llámese clima), sino que también otros aspectos. Más aún cuando la noche es el telón de fondo para todos los ojos, la mayoría de ellos cansados de tanto ajetreo. Es lo comprensible, tratándose de un lunes, día que puede agrupar muchos adjetivos pero ninguno de ellos positivos (o la gran mayoría, siendo justos). Sin embargo, todo lo anterior se borra de un plumazo cuando la perspectiva de una celebración se avecina, y con eso acudimos prestos a devolver las respectivas gentilezas. ¿Motivo?, un cumpleaños. ¿Festejado?, la banda Jovenabuelo.

Ya lo había mencionado. La noche era fría, de modo que el caminar era un atrevimiento reservado sólo para unos pocos valientes que llegaron a la Sala Master, refugio acogedor en todo momento. Es que los motivos para asistir no sólo corrían por cuenta de la banda, digamos que la celebración ocurría dentro de otra celebración. Esa “otra celebración” remitía al programa “Perdidos En El Espacio” de la Radio Universidad De Chile, que cumplía quince primaveras al aire. Las razones ya hablaban por si solos, estaban sobre la mesa, y a nosotros sólo nos quedaba disfrutar.

La carrera de los Jovenabuelo no es muy extensa cronológicamente hablando, pero si fecunda. Tres discos en un lustro es algo que no vemos todos los días. Esa es una de las ventajas que ofrece la vereda independiente, y que el cuarteto ha sabido tomar y sacar provecho con armas que van en constante progreso dados los resultados que hemos recibido.

Ya sea cargado a lo emocional, con presencia de familiares, amigos e incluso la participación del ex bajista Sebastián “Lulu” Rivera en un par de canciones; o al tributo, homenajeando a los insignes Congelados con “Núcleo”, Jovenabuelo deja patente que su corta vida ha presentado una evolución que no tiene puerto de llegada, sino que todo un mar a disposición para explorar.

Con ojos cerrados o abiertos, mirando o no, escuchar a Jovenabuelo es una experiencia en que el ser humano consigna parte importante de su sentir. La música de estos cuatro muchachos te hace llorar y reír, te lleva al desamparo total o te ofrece consuelo, llenar la sala de luz o hundirla en las tinieblas, acercarte a la locura o imbuirte de paz. Todo eso comprimido en una canción. Y ellos tocaron varias.

(La foto no pertenece al show de ayer)

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Música contagiosa

Suenan los primeros acordes de “Cigarettes in the Theatre” y mi pie se empieza a mover inconscientemente, movimiento que no para hasta que termina el disco, así de rítmico y frenético es este álbum, un compendio de canciones que duran 3 minutos para un total de media hora del mejor indie-rock del Reino Unido.

Grabado y producido en Londres por Eliot James (Kaiser Chiefs, Bloc Party) quién los guió en esta travesía musical, haciéndolos sonar confiados y enfocados en sus fortalezas musicales, música rápida y a la vena.

El disco abre con la mencionada “Cigarettes in the Theatre” sintetizadores y percusión al principio, para luego soltar toda la sección rítmica, guitarras punzantes y el bajo de Kevin Baird suena como un poderoso aliado durante todo el tema, mientras el falsetto de Alex Trimble da la perfecta compañía a este track que cierra con trompeta incluida, así como para que nos preparemos para lo que viene.  La sigue “Come Back Home” dónde otra vez el bajo de Baird se roba los aplausos, marca la pauta, los sintetizadores y las guitarras trabajan de fondo para darle forma a este excelente tema.  A lo “Bloc Party” antiguo suena el comienzo de “Do You Want It All”, las guitarras son pulcras y los sintetizadores atmosféricos en gran parte del tema, para luego dar rienda suelta a toda esa energía que tiene este grupo, riffs rápidos al igual que la percusión, para uno de los mejores temas del álbum.

Empieza una destacada trilogía de canciones con el primer single del disco “Something Good Can Work” un temazo, rock bailable del mejor para comenzar bien tu día. Guitarras, sintetizadores y percusión le dan el vamos a ésta melodía que funciona como un día soleado, te energiza y todo parece mejor de lo que es, Trimble lo afirma con las letras y nos dice que “algo bueno puede resultar, y puede resultar para tí” y créanme que se siente así. Segundo combo con “I Can Talk” que empieza con un loop robotizado que lo termina abruptamente la guitarra a lo Editors (del primer disco) de Sam Halliday, bajo y batería van a mil por hora mientras la voz de Trimble va calma acompañando ése universo sonoro desenfrenado, excelente elección para segundo single.

Cierra este magnífico trío de canciones “Undercover Martyn” que empieza con todo el frenesí rítmico que tienen estos músicos, guitarras punzantes que suenan de maravillas por sobre la base rítmica y le dan ese toque bailable que ya lo quisiera Franz Ferdinand;  va rápida y se detiene, pero aprietan el acelerador y te golpean de nuevo con ese coro pegajoso y frenético, todo eso en menos de 3 minutos, temazo para el tercer single de este “Tourist History”.  Pero si ustedes creían que ahora el disco iba a decaer “What You Know” se encarga de desmentirlo, tiene un riff de guitarra increíble, las cuerdas del bajo suenan más firmes que nunca y la voz de Trimble acompaña todo esto de manera perfecta, para uno de los momentos culmines de este trabajo, si hubiese sido el segundo single a nadie le hubiese extrañado, acá se percibe lo que es Two Door Cinema Club en su mejor momento.

Con “Eat That up, It’s Good for You” se bajan un poco las R.P.M, solo un poco, porque si hay algo que exudan por los poros musicales estos chicos es la energía que le imprimen a los temas, esta canción se expande al final como un abanico sonoro, sintetizadores, guitarras, bajo y batería se funden con la voz de Trimble para construir el ecléctico final del track, temazo. Para cerrar aparece la contagiosa “You’re Not Stubborn” y los elogios se los lleva la sección rítmica una vez más, porque  las guitarras trabajan de fondo en la mayoría del tema, tomando el protagonismo en el comienzo y en el coro principalmente, excelente cierre para un notable trabajo.

Two Door Cinema Club ha acaparado la atención del mundo musical, que los ha calificado como una de las mejores bandas emergentes del Reino Unido y  uno de los artistas a observar en este 2010 y con justa razón. Hay en este disco momentos musicales grandiosos sin lugar a dudas, riffs memorables, contagiosos y bailables, acá todo huele a espíritu adolescente y en tiempos ácidos como este, se agradece que alguien corra las cortinas y deje entrar el sol. Tal vez se les puede criticar a nivel lírico, pero recordemos que estos muchachos recién están alcanzando la mayoría de edad, ya habrá espacio para letras más reflexivas y profundas…por ahora dejemos que se diviertan y hagan lo que mejor saben hacer, música que hace que tu pie siga moviéndose..

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Es así como el 18 de Mayo del presente el cometa nos volvió a deslumbrar con “At Night We Live”, una publicación esperada por los fans de la banda por más de 12 años. El material se destaca por continuar y depurar el sonido de Far, muy lejos de 1998 nos encontramos con un sonido maduro, composiciones mas complejas y arreglos que nos hacen pensar en que sería el rock actual sin el legado de Far.

Mirando en retrospectiva podemos encontrar varias primas con respecto a su placa anterior, un sonido que es partidario de riffs con overdrive que no se corrompe en su esencia y sigue fiel a los coros melódicos, aveces muy cercano a la última placa de Weezer y muchos otros que se me vienen a la mente, en resumen: una bofetada en la cara mientras te soban la mejilla al mismo tiempo.

At Night We Live no esta exento de joyas como su predecesor. “Burns”, en 2:27 logra subirnos la adrenalina como para correr los últimos metros de una maratón con un final feliz. “Better Surrender” nos transporta a 1998 y podría ser fácil un el tema oculto de Water and Solutions.

El aporte que realizan los samples es notable, le dan una atmósfera única y renovada al sonido, la voz de Jonah Matranga grabada en innumerables ocasiones durante los coros nos obligan a pensar que el sonido en vivo podría llegar a distar mucho de esta anatomía, pero los innumerables videos de la banda en versión 2010 nos dicen lo contrario. El track “At Night We Live” Nos recibe de entrada con unos arreglos de guitarra conmovedores, como saludándonos después de tanto tiempo, una canción para escuchar varias veces y desifrar su contenido, tal vez mirando el arte del album al mismo tiempo. “Deafening” nos enseña que las guitarras afinadas en RE nunca pasaron de moda y que volvieron para quedarse.

“The Ghost That Kept on Haunting” es el resumen de todos estos años que han pasado sin Far, es la mezcla perfecta entre la línea única que ha logrado la banda a través del tiempo, las influencias que ganaron sus integrantes durante el receso y la etapa actual en la que se encuentran.

Si podemos criticar algo es precisamente lo que lo hace ser tan Far, At Night We Live no se despega lo suficiente de lo que ya conocíamos. Si, el sonido ha madurado, pero sigue siendo el mismo, tal vez pueda ser una de las fortalezas más notables de la banda, o la desventaja más feroz, si lo pensamos bien, ¿Qué banda luego de 12 años y sin publicaciones a su haber logra un sonido tan fiel al original?…

At Night We Live podría ubicarse en uno de los sitiales del 2010, no es un disco que pasa desapercibido y que sin duda deja a los fans pensando en que este es solo un renacer, y que se vienen muchas cosas más en el futuro, esperamos esta vez no tan, tan lejos.

Review escrito por Felipe Medina (@_xhinnus)

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Hacía bastante frío la noche del viernes en Santiago, pero eso no amainó los ánimos de las personas que llegaron al Centro Cultural Amanda para presenciar el debut en solitario de Laetitia Sadier, conocida por ser la voz del cosmopolita grupo Stereolab.

Mientras hacían arribo los asistentes, Vaporboat se hicieron dueños del escenario. Menos de media hora les bastó para interpretar una suite que dejó sorprendidos, disgustados y sin saber qué decir a los individuos que se encontraban ahí. Lo de los nacionales es música que parece disonante, cuyos ejecutantes parecen no saber tocar; melodías totalmente atípicas para un proyecto que esconde genialidad de mediar con los elementos para ello. Me explico, con imágenes de acompañamiento, otro gallo hubiera cantado.

En el caso de la artista francesa, sorprendió doblemente de entrada: su alta estatura y lo escueto de su puesta en escena (sólo ella y guitarra). Su listado de canciones fue breve, y se caracterizaron más que nada por su sencillez, su facilidad de tocar y le dulce voz de Sadier (además de la predominancia del idioma inglés). Para los viudos de Stereolab, no se perdieron de nada, ya que del catálogo de la agrupación no se tocó ni un ápice.

La actuación en vivo de Laetitia Sadier sin el soporte musical que significa estar al frente de Stereolab era un desafío tanto para ella como para el público. De parte de ella se ve una mujer cómoda en un ambiente intimista, algo distante de los vívidos colores que emanaba su banda madre, pero que de igual manera supo sortear. El público, algo distante y casi mudo, como esperando un recuerdo que, a la larga, nunca llegó.

Fotografías por Daniela Méndez.

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