Cuando un festival de gran magnitud como Maquinaria 2011 realiza un openingshow es casi como un regalo para los fans.  Bajo esta modalidad se presento el dúo Ingles Goldfrapp. Formados por Alisson Goldfrapp y Will Gregory en 1995, este dúo de larga carrera no es un desconocido ya que en su historia hay desde colaboraciones con Marilyn Manson hasta las loas de la mismísima Madonna, a la que se refieren como una de sus mayores influencias para sus álbumes más bailables. El éxito de esta banda acá en Chile  no es menor ya que a pesar de ser un show sin tanta promoción como el evento principal de Maquinaria, si pudo albergar un Teatro La Cúpula a ¾ de capacidad, eso se debe en cierta parte a que hay lugares establecidos para este tipo de musica siendo el mas destacado Blondie.

La sincronía de la Instrumentación del Electroclash hasta los hits mas bailables se hicieron sentir en cada instante, un show cargado a la luminosidad, glamour y estética, no hacían sentir algo casi fixiante de tantos cambios de vestuarios y escenografías algo muy típico en este tipo de bandas, a pesar de todo lo anterior nombrado fue muy show austero y un publico entregado desde el primer acorde.

• Voicething
• Crystalline Green
• You Never Know
• Dreaming
• Number 1
• Rocket
• Satin Chic
• Believer
• Shiny and Warm
• Train
• Ride A White Horse
• Ooh La La
• Encore:
• Black Cherry
• Little Bird
• Happiness
• Lovely Head
• Strict Machine

Como ya es sabido por todos. Nos hemos convertido en una parada oficial para todo tipo de bandas y esto se siente hasta en estilos mas Under como el electroclash/electro pop , ya que hay en la agenda fechas de Ladytron y Miss Kittin otros iconos del estilo.

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Lo que se vivió el sábado 27 fue algo así como una deuda tal como ya la había pagado Limp Bizkit, guardando las proporciones. Ya que es sabido que la mayoría de las bandas del viejo numetal  vienen más bien en retroceso. Pero todo ese publico parece que se niegan a dejarlo partir.  El espíritu de ese teatro fue estar en los finales de los 90 (como dijo @equistene : ‘me siento en casa’ ),  queda como una anécdota, pero la gente estaba con tanto entusiasmo que en el audio previo a la banda, sonó el clásico ‘Bodies’ de de los Drowning pool y casi se vinieron abajo cantando el coro “let the body Hit floor”.

Los oriundos de Chicago no escatimaron en fuerza y energía  ya que de verdad para los que vivimos esta presentación  nos fuimos con la sensación de que fuimos golpeados por Disturbed,  pero claramente que si no fuera  por el  registro vocal de David Draiman esta sería una banda más del montón, para mí,  la magia  pasa por David. Un manejo (casi discotequero)  y un desplante único en el escenario con la facilidad y poder de manejar a voluntad al público cualidad de solo los grandes frontman desde hacer mover las manos de un lado a otro hasta mostrar con furia el puño.

Cabe destacar para los que no conocen mucho esta banda, las infinitas participaciones de Disturbed en  películas, Juegos , Lucha libre, NFL.  Por eso quedo demostrado el sábado el nivel de banda a la que presenciábamos.

Un paso completo por toda su carrera que  dejo contento a los mas fanáticos ya que todos los Hits fueron ejecutados por  la banda incluso con el cover a Tears For Fears que a varios sorprendió y un entretenido solo de batería,  según publicaciones de la banda este seria uno de sus últimos shows antes de un Hiato Programado. A mi parecer una de las mejores formas de despedirse.  De hecho, para quienes se lo perdieron, les dejamos un par de registros del show.

El set list fue el siguiente:

Prayer
Liberate
The Animal
The Game
The Infection
Land of Confusion (Genesis cover)
Droppin’ Plates
Rise
Inside the Fire
Warrior
Never Again
Stricken
Crucified
Fear / Meaning of Life / Numb / Voices
The Night
Shout 2000(Tears for Fears cover)
Haunted
Another Way to Die
Remember
Stupify
Ten Thousand Fists

Encore:
Indestructible
Drum Solo
Down with the Sickness

Foto : Ignacio Galvez

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Mejor vamos a lo importante, a lo que vivimos, a aquello por lo que tanto esperamos los fans : ver por fin a Limp Bizkit y cantar a todo pulmón las canciones de la banda que nos hizo a muchos usar ropa ancha, jockeys cerrados, desear tener los ojos negros completos de Wes Borland y en definitiva, vivir en esa dualidad entre el rock y el rap.

Este show no podía llegar y partir así no más, muchos de los presentes necesitábamos entrar un poco en calor (más que mal ya no eramos puros quinceañeros) y es ahí donde los nacionales de 2X hicieron más que bien la pega, pues con un arrollador set de alrededor de media hora, dejaron más que listos para la acción venidera al publico y es que la banda, a pesar de no gozar con mucha difusión en los medios tradicionales, dejó claro que siguen vivos y rockeandola fuerte.

Luego de eso y mientras ya todos esperaban el esperado show, se alza con el arte de la portada del ultimo disco de Limp Bizkit, titulado ‘Gold Cobra’ y la que nos daba indicios de lo que se venía era un show cargado a la promoción de dicha placa.

Pero a las 21hrs y con una puntualidad muy pocas veces vista, se apagan las luces y empieza a saldarse una deuda de muchos años : Sam Rivers, John Otto, DJ Lethal, Wes Borland y Fred Durst salen al escenario mientras suena ‘Introbra’, el track que abre su más reciente trabajo y listo, la temperatura del Movistar Arena sube hasta reventar.

La acción empieza cuando, con muchos problemas en el sonido, la banda dispara ‘Why Try’, uno de los primeros cortes que conocimos de Gold Cobra, la banda se muestra solida y la gente lo retribuye saltando a todo dar, aunque no se entienda casi nada con los rebotes del sonido. Luego de eso se vino ‘Hot Dog’ y ‘Pollution’, esta ultima de su primer album y que desató locura instantanea, más que mal, no había quien no gustase del primer trabajo de la banda.

Buen comienzo, pero el sonido aun no mejoraba cuando Borland partía con una de esas que uno cree que son para cerrar un setlist, pero no, se trataba de ‘Break Stuff’, pues si nos vamos a hacer mierda saltando, que sea desde el comienzo, cuando estamos con la pila llena y eso pasó, pues el publico se desató, aunque fue una lastima que para estas alturas el sonido aun no acompañara, ya que Durst no aguantó más los desperfectos técnicos y manifestó su malestar lanzando el microfono al suelo y pateando uno de los retornos.

Muy conscientes de ello, los encargados se ponen las pilas y ya para el siguiente tema la situación empieza a mejorar y no se pudo agradecer más, pues fue ahí cuando la banda interpretó ‘My Generation’, a estas alturas uno de los grandes hits de la banda. Hasta ahí  yo pensaba que había sido solo un muy buen bloque del recuerdo y que era hora de volver a los tracks de su ultima placa, pero no, la banda sigue con su demoledor setlist y la siguiente es ‘Livin’ it up’, perteneciente a su tercer trabajo, la encargada de mostrarme lo contrario.

Ya han pasado seis demoledoras canciones y ‘Re-arranged’ sirve como buen recreo, pero sería breve, pues le seguiría la poderosa ‘Eat You Alive’, perteneciente al disco “Results May Vary”, placa salida durante la epoca en que Wes Borland se desvinculó de la banda. A continuación vendría ‘My Way’ y luego la culpable de la explosión de Limp Bizkit en el mundo : ‘Nookie’, la canción con la que todos caímos rendidos, esa que tenía un videoclip que fue todo un manual de estilo para una generación, en la que me incluyo. No es necesario explicar como explotó en energía el Movistar Arena para este momento.

Hasta ese momento y con un setlist demoledor, era necesaria una nueva pausa para recuperar algo de fuerzas y es ahí donde la banda se despacha ‘Behind Blue Eyes’, el cover de The Who y que solo contaba con la presencia en escenario de DJ Lethal y Durst. Luego vendría ‘Boiler’, la que a gusto personal es una de las mejores canciones de la banda. Le seguiría ’Take a Look Around’, canción que pertenecía a la tercera placa de la banda y también a la banda sonora de la película ’Misión Imposible : 2′.

Acá yo ya sabía que estábamos jugando los descuentos y si bien hits quedaban, lo importante era saber con que se acabaría todo y mientras pensaba en ello, Wes Borland empieza a tocar ‘Faith’, así que no quedaría otra que volver a respirar profundo y volver a la carga. Luego de esto, Fred invita a subir a alguien del publico, al que se le pasó un microfono, sirvió de interlocutor entre la Durst y el publico y luego fue invitado a cantar, de manera improvisada, ‘Full Nelson’. Vaya experiencia la de este cabro (y cuanta envidia de mi parte por lo demás).

Pasado esto, Durst quien ya había dicho que no iban a tocarla, decide a ultima hora ir con la canción más pedida por el publico, se trataba de ‘Rollin’, esa canción con el grandilocuente videoclip que fue pasado hasta el cansancio en MTV. ¿El resultado? una fiesta total, coreada en su totalidad y que incluso le llevo la coreografía correspondiente. Perfecto cierre para un show que dejó claro que si bien han pasado años desde que la banda tocó el cielo, no se trata para nada de un conjunto fuera de forma.

Era cosa de ver a Fred Durst quien hay que decir está mucho más en forma que similes como Chino Moreno o Jonathan Davis, ver a Wes Borland quien siempre  ha sido un show aparte, con su maquillaje y locuras (esta vez se presento pintado de negro hasta la altura de los ojos), destrozando el Movistar con su guitarra, el mismo que encuentra en John Otto y Sam Rivers unos pilares poderosos.

Por otro lado está DJ Lethal que no se queda solo con hacer ruiditos, scratches en las canciones, si no que también es el encargado de hacer una fiesta entre canciones del show, siendo este también el más carismatico de la banda, después de Durst.

He esperado (y no soy el unico) este show por, literalmente, la mitad de mi vida y creanme, no fue en vano, Limp Bizkit demostró porque es una de mis bandas favoritas de la vida y es que, durante una hora y cuarenta minutos, volví a tener 14 años y pesar la mitad de lo que peso ahora, si no, no me explicó como salté tanto. Sin duda una deuda saldada con creces y que sé, será recordado como uno de los mejores shows en la vida de muchos, dentro de los que me incluyo.

Foto : Ignacio Galvez 

SETLIST

· Why Try
· Pollution
· Hot Dog
· Break Stuff
· My Generation
· Livin’ It Up
· Re-Arranged
· Eat You Alive
· My Way
· Nookie
· Behind Blue Eyes
· Boiler
· Take a Look Around
· Faith
· Full Nelson
· Rollin’

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Tras un largo día inaugural, en que la evaluación a todas luces es pulgares arriba, quedaba confirmar qué tan apto y preparado estaba Chile ya no para recibir, sino que para sustentar en el tiempo más versiones de un festival de la envergadura que ostenta Lollapalooza. El domingo entonces era el verdadero día, el de la prueba de fuego, el que se encargaría de dilucidar todas estas interrogantes.

Quique Neira saludó al sol que, otra vez, amenazaba con oficiarlas del villano de turno,con un set cargado a las buenas vibras, denunciando las persecuciones políticas de todo tipo y llamando a la paz y al entendimiento. La receta del nacional es conocida, pero eso no resta la efectividad sobre el escenario, con una sólida banda y canciones fáciles de recordar.

El gran garrón de Lollapalooza en los escenarios principales fue el engorroso atraso del que fue víctima Mala Rodríguez, que salió a escena media hora después de lo presupuestado. Cuando todos pensábamos que el tiempo sobre el escenario se recuperaría (la sevillana tenía 60 minutos en un principio), vimos que la artista (que lucía una tenida simplemente infartante) tocó el remanente de su timing, algo que claramente la molestó, pero en vez de quedarse berreando por ello (la culpa no es endosable a ella), aprovechó con bombardear sin parar canción tras canción, transfiriendo sensualidad que Rodríguez sabe ocupar como nadie y que cae como un ineludible aroma sobre el gentío. De lo poco, bueno.

El día anterior algo había augurado, pero lo del domingo en el Tech Stage fue de locos. La presentación de The Ganjas tenía un contingente considerable de asistentes, y no fue algo casual. El cuarteto debe ser de lo mejor que hay en Chile en materia de rock hoy en día. Con un directo impecable, la semi penumbra de La Cúpula otorgó un ambiente más que propicio para que Sam Maquieira y los suyos destilaran riffs asesinos, incrustados en unos jams infernales que demolieron oídos y que sin duda habrán sorprendido a los que nunca los habían visto en vivo. The Ganjas están ad portas de lanzar su nuevo elepé, y se nota todo el vigor y entusiasmo que despierta una nueva obra, a tal nivel que no hubiera extrañado que les hubieran concedido un lugar en alguna de las tarimas principales (cosa que no ocurrió en esta ocasión).

En el Claro Stage la historia se hacía presente con Todos Tus Muertos, banda insigne en la escena sudamericana, ponía todas sus credenciales sobre la mesa en un show refrescante que cumplió su labor a carta cabal (olvidarse por algunos instantes del sol que ya asaba). Y la energía no se detuvo ahí, pues al rato después fuimos testigos privilegiados del debut en Chile de 311.

Por supuesto, los detractores echaban mano de que los de Nebraska desde mediados de los noventas que no son gravitantes en el dial nacional (como si tal cosa fuera un privilegio), pero esgrimir eso es de una flojera obvia que no le hace justicia al quinteto, una de las bandas más grandes de Norteamericana y cuya actividad discográfica no ha sufrido mayores modificaciones ni interrupciones en dos décadas. Y para barrer con todo prejuicio, empezaron con ‘Down’, lo que desencadenó una seguidilla de clásicos que el respetable vitoreó, saltó y gritó a rabiar, en lo que fue uno de los puntos más altos de todo el Festival. La adhesión mostrada por la gente fue agradecida por la banda, cuyo vocalista Nick Hexum lució la camiseta de fútbol del combinado nacional cuyo número era, obvio, el 311. Fue un concierto redondo, pues la entrega desde la cancha fue retribuida desde el proscenio con una magistral ejecución musical, en la que cada integrante se lucía. Echando por tierra cualquier hálito de nostalgia, lo de los norteamericanos bien pudo ser el inicio de un lindo idilio con nuestro país.

El Teatro La Cúpula ya había dado muestras de problemas en la asistencia, y el domingo simplemente el asunto no hizo más que estallar. Y era todo previsible, pues Devendra Banhart era un número esperado desde hace un par de temporadas y eso provocó que el recinto se rebalsara y que la policía tuviera que intervenir y que la continuación del Tech Stage se transformara en una completa incertidumbre, que pudo superarse al rato y la actividad pudo seguir, aunque ya con un tiempo totalmente fuera de lo programado. Se puede hacer hincapié en este episodio pues era algo qu se veía venir, y haber instalado una carpa en las áreas verdes cercanas a Av. Rondizzoni, que tendría eventualmente mayor capacidad que la Cúpula, habría sido una decisión más que atinada.

El gran zarpazo nacional lo protagonizó Chico Trujillo. La verdad es que hace rato que la banda de El Macha ha demostrado tener la talla de pararse en cualquier parte del mundo y dejar la grande. Sus constantes periplos por el viejo mundo los han curtido una enormidad y han enriquecido de manera considerable su paleta de influencias. Todo eso se vió en la elipse, una banda que sería capaz de arrancar pogos hasta en Dinamarca y que a nadie dejó indiferente. Prueba fehaciente de ello es que fueron invitados a hacer de las suyas al Grant Park de Chicago, el próximo mes de agosto, a la versión gringa de Lollapalooza.

Era sabido por algunos el nivel de fanfarria y jolgorio que encierran las presentaciones de The Flaming Lips. Empero, una cosa es ver los videos de you tube y otra muy distinta es estar ahí, donde las papas queman, y el público tuvo absolutamente claro cuál de las dos situaciones prefería. La banda de Wayne Coyne desplegó sólo ocho canciones, pero bastó que empezaran con ‘The Fear’ para tener al público en el bolsillo. Si pudiéramos graficarlo de una manera, el show es como el cumpleaños soñado de cualquier niño, salvo que acá los festejados éramos nosotros, que recibíamos los globos y confeti como si fuera la primera vez que viéramos algo así, con un asombro total y sincero. Eso lo vieron los norteamericanos, que se veían radiantes por estar por primera vez en nuestro país y en Lollapalooza (a pesar de haber estado en otras dos ocasiones). De las presentaciones que más alto impacto causaron en los asistentes.

Extenderse en la decepción que fue lo de 30 Seconds To Mars está de más, porque tal estado sólo fue visto por unos pocos, ya que el grueso del público que estaba frente al Coca Cola Zero Stage eran abiertamente fanáticos de la banda y que perdonaron todos los yerros de su vocalista Jared Letto, que disfrazaba sus evidentes escuálidas dotes vocales incitando a la participación del público, que obedecía de buena gana y que en algo salvó la presentación de un seguro fracaso.

Para que esto fuera un Lollapalooza en toda regla, no debía estar ausente del cartel Jane’s Addiction. Perry Farrel, como buen anfitrión, se deshizo en loas para Chile en todo momento. Y si bien es cierto que su voz ya no es la de antaño, ocupa su enorme carisma y magnetismo, apeándose en el enorme talento de los tres mosqueteros que lo resguardan: tremendo Dave Navarro en la guitarra y Stephen Perkins dando clases de percusión. A pesar de que el setlist se antojó algo desordenado, el sonido fue aplastante, existió una muy jugada puesta en escena lo que fue sin duda una deuda que se pagó al fin.

El cierre de la primera versión del Lollapalooza en nuestro país estuvo a cargo de Kanye West, que no vino con toda la espectacularidad escénica, pero se pegó un concierto que nos dió a entender que su sola presencia bastaba. No escatimó hits, una personalidad que barre con todo. West arma un mundo sobre el escenario donde lo único importante es él. Y los asistentes lo afirman siguiendo sin chistar cada movimiento, cada sílaba, cada nota de música. El rapero puede no ser del gusto de todo el mundo, e incluso puede que su actitud provoque resquemores, pero su calidad está fuera de discusión. Un headliner de verdad se encargó de cerrar el boliche este fin de semana. Sólo queda esperar lo que diga el 2012, aunque todo apunta a que la respuesta será afirmativa

Fotografía de Javier Valenzuela para Rocknvivo

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Hasta que llegó la hora. Después de días y meses interminables en que parecía que la fecha nunca se acercaba, de golpe y porrazo nos vimos envueltos en lo que fue el primer Lollapalooza fuera de las tierras del Tío Sam, un fin de semana que había que vivir y disfrutar y así se hizo sentir en las dos jornadas que adornaron el Parque O’Higgins de Santiago, con varios escenarios, innumerables artistas y un cuanto hay.

Sábado 2 de abril.

La jornada inaugural tenía como arranque sólo números nacionales, y en el Tech Stage los encargados de abrir los fuegos, algo pasado del mediodía, fueron Devil Presley. Recordemos que su inclusión en el line up oficial fue gracias a que ganaron un concurso propiciado por el sitio Rockaxis, y verlos el sábado, en una Cúpula casi en familia al principio, pero que al transcurrir el set se fue llenando, sólo refrenda que se ganaron a pulso la presencia. Guitarras sin sutilezas, lo de Rod Presley y los suyos es directo al grano, crudo y ruidoso. Como para sacurdir la modorra de los que aún no estaban tan despiertos a esa hora.

Los Bunkers originaron la tanda en el Claro Stage, uno de los dos escenarios principales. No los vamos a descubrir ahora, sus credenciales hablan por si solos, y el público lo entiende de esa forma con una adhesión que los encumbra un peldaño más allá de sus similares en Chile. No por nada, fueron invitados a Coachella, en un par de semanas más. Y además invitaron a Manuel García a interpretar ‘Llueve sobre la ciudad’ y ‘La era está pariendo un corazón’; esta última extraída de su placa “Música Libre”.

Rafael Pérez, nombre civil de Dj Raff, no tocaba en su tierra desde hace más de un año, de modo que el reencuentro adquirió una mayor connotación, y la evolución del nacional se notó en sus más de cuarenta minutos sobre el escenario. De reconocido prontuario hiphopero, Raff ha sabido abrazar otras corrientes e inquitudes que plasma en sus discos, si hasta presentó canciones nuevas que estarán dentro de su nueva obra, próxima a estrenarse.

El hombre de las perillas fue el tercer número que se apropió del Movistar Arena, el llamado LG Stage que, a pesar de no llenar su aforo total, despertaba el entusiasmo total de los pocos valientes que bajaban a la cancha, ignorando que afuera, en la elipse estaba desplegando sus encantos un nombre que sólo huele a leyenda: Steel Pulse, reconocida como la banda pionera del movimiento reggae en las islas británicas. Y echando mano a ese cartel fue que se dieron maña de arrancar aplausos, baile y buena onda a raudales.

La temperatura golpeaba sin clemencia, en todos los lugares, aunque el sol no entrara en ellos, bien lo pueden decir lo que se asaban en la Cúpula que, tras la actuación de Dënver, fue una verdadera suerte encontrar alguna chance de ingresar, algo que lamentablemente se repetiría el domingo. Materia logística a considerar en una próxima edición.

El calor se convertía en el invitado de piedra, pero eso no amainó el entusiasmo, todo lo contrario; por eso se explica el numeroso contingente que se agrupó para ser partícipes del show de Cypress Hill. Si, ya no acaparan el protagonismo de antaño. Si, hace bastante que no sacaban un disco nuevo de estudio (“Rise Up”, del 2010, llegó luego de seis años). Pero encuentren a quien haga lo que B-Real y Sen Dog realizaron sobre el escenario. Himnos incombustibles como ‘Dr. Greenthumb’, ‘Tequila Sunrise’ o ‘Insane In The Brain’, fueron instantáneas bombas que encontraron terreno fértil en la gente que se agolpaba en el escenario. Además, con un percusionista como Eric Bobo, el saldo sólo puede ser positivo.

Joachim Garraud adelantó su horario de salida en el LG Stage, según expresa petición de Perry Farrel, organizador y dueño de la fiesta. Un cambio del que pocos acusaron recibo, pues James se subían al Claro Stage. Fue una actuación cargada de opiniones divididas, pues los mancunianos están bastante remotos de los índices de resonancia masiva que gozaban en la década de los ’90, y que su única participación en un Lollapalooza (en 1997), los había sumergido en la indecisión de venir a sudamérica o no. Por supuesto, la perspectiva de visitar sudamérica eso fue el aliciente para que la banda comandada por Tim Booth hiciera su primer concierto en nuestro país. No escatimaron ninguna canción que les dió reconocimiento, y desfilaron ‘Say something’, ‘Sometimes’ y ‘Laid’, esta última con una invasión de público que tradujo la sorpresa y la alegría de los británicos por estar en el sur del mundo. A tal punto, que prometieron volver.

Ben Harper podía ser una incógnita para el grueso del público, pero a golpe de un talento innegable acalló todo atisbo de incertidumbre. El oriundo de California es todo blues y soul, un genio tocando guitarra y una banda soporte que lo permite hacer todos esos viajes por las seis cuerdas. Un soundtrack más que apropiado para el atardecer que, aún caluroso, ya se colaba por el recinto santiaguino. Un punto sorprendente y que dejó un buen sabor de boca. Conmovedor y enorme.

Uno de los nombres que mayor curiosidad y atención suscitaban en el line up del evento eran The National. Premunido de un arsenal de excelentes críticas que medios especializados han brindado a “High Violet” (4AD, 2010), y una incipiente corte de seguidores que acarrean desde “Boxer” (Beggars Banquet Records, 2010), los de Cincinatti no defraudaron ni un ápice. Un sonido más que sólido, un set list administrado con sapiencia y un vocalista (Matt Berninger) que no hace mucho sobre el escenario, pero ostenta un magnetismo que lo hace de igual forma el centro de atención.

Uno de las principales atracciones del Festival Lollapalooza apareció puntualmente a las 19:30 horas. Deftones no venía a saldar ninguan deuda, no era su debut en nuestro país, pero fue posiblemente el concierto que llevó más público en la jornada inaugural. Venían con un nuevo disco bajo el brazo, un nuevo integrante, ingredientes necesarios para arrancar enormes vítores desde el público, que no sintió en ningún momento la ausencia completa de canciones de “Saturday Night Wrist” (Maverick, 2006). Un Chino Moreno radiante, con una voz a punto (increíble la interpretación de ‘Passenger’) y visiblemente emocionado al frente de una banda que hace rato tiene cartel de clásico y que se despachó una presentación que estuvo de todas maneras a la altura de lo que se esperaba.

El nombre propietario del título de “headliner” del primer día en Lollapalooza eran The Killers, cuyo “concierto ensayo” del día jueves en el Teatro La Cúpula fue un tanto floja, y se esperaba que la noche del sábado salieran a arrasar. Sin embargo, a pesar de contar con un setlist altamente efectivo y ganador, fue nuevamente en lo concerniente al sonido donde el cuarteto de Las Vegas volvió a ofrecer las mismas fallas. Nadie niega el carisma de Brandon Flowers (que cubre de sobremanera sus falencias vocales), pero lo de la banda lindó con lo vergonzoso, aunque aún pueden subsanarlo con su batería de canciones que hicieron ignorar a la mayoría de los presentes esos desperfectos. Una verdadera lástima. A la misma hora, pero en el LG Stage, Fatboy Slim dejaba la grande con una fiesta contundente y demoledora a decir basta, acto que congregó a cerca de diez mil personas, lo que llega a conjeturar que de haber estado el británico en la elipse, el cierre habría tenido otro cariz.

La primera jornada del Festival Lollapalooza fue altamente auspiciosa, dejando la cortina abierta para que el siguiente día fuera aún más increíble.

Fotografía por Camila Donoso.

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Si. El concierto acaecido a fines de octubre de 2005 es el primero que realizó Morcheeba en nuestro país. Por supuesto, lo que se vió esa noche en el Estadio Víctor Jara fue una agrupación coja que no contaba entre sus filas a su vértice más gravitante, la que otorgaba a la agrupación de una identidad definitiva.

Tuvieron que pasar cerca de seis años y dos discos para que el reencuentro se produjera. La cantante Skye Edwards volvió al redil, grabaron un elepé (“Blood Like Lemonade”, 2010) y se lanzaron a esa agradable costumbre de salir de gira, lo que en su recalada en nuestro país tuvo dosis especiales, porque por fin se podía decir que Morcheeba, con su formación completa, estaba en Chile.

Un Teatro La Cúpula lleno hasta las banderas fue el escenario para que los británicos presentaran su última cría, mezclados con canciones de sus anteriores placas, condimentando sabiamente la ansiedad del público, que gritaba constantemente y aplaudía cada movimiento de Edwards, cada sílaba que su dotadísima voz emitía para llenar el recinto santiaguino.

Hubo momentos que exhaltaron la comunión entre el respetable y la banda. Cuando, por ejemplo, saltó un cañito desde el público a las manos de Edwards, que lo fumó tranquilamente y de ahí pasó de mano en mano por los músicos, lo que provocó la ovación de la gente. Otro gran highlight fue la interpretación de ‘Beat of the drum’, que fue coreado de principio a fin por todos los asistentes, azuzados por la propia vocalista, que agradecía constantemente.

El lugar fue preciso para que se desplegaran los recursos musicales de Morcheeba, que poblaron cada revoceco, cortesía del atinado y hermoso uso que Ross Godfrey le daba a su guitarra, que podía navegar desde la sutileza total a un tempo iracundo en cosa de instantes.

Lo del jueves fue una noche redonda. Una banda que venía al fin como todos esperaban, una vocalista feliz de estar de vuelta en su grupo y de estar en este país, cantar con esa candenciosa y poderosa voz lo que exactamente se deseaba escuchar. El público salió feliz. Y con justa razón.

01- The sea.
02- Friction.
03- Otherwise.
04- Never an easy way.
05- Even though.
06- Part of the process.
07- Sao Paulo.
08- Blood like lemonade.
09. Slow down.
10- Crimson.
11- Trigger hippie.
12- Beat of the drum.
13- Blindfold.
14- Over & over.
15- Be yourself.
16- I can see clearly now + rome wasn’t built in a day.

Fotografía sacada de este link. Agradecimientos.

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fotos por saucef

Las buenas cosas no siempre obtienen su merecida cuota de masividad. Quizás de esa manera sería prudente sintetizar lo que fue la presentación de Kashmir en Chile. El cuarteto danés ha tenido una carrera más bien subrepticia a los ojos de los medios, ahí explicamos las cerca de quinientas personas que derrocharon entusiasmo en el Centro Cultural Amanda.

Sólo dieciseis canciones bastaron para dar inicio a un idilio que sólo podrá traer buenos frutos. Eso lo podemos constatar en las últimas palabras de su vocalista, Kasper Eistrup, quien prometió volver. Claro, es una frase que no es primera vez que oímos, pero cómo no creer en esa radiante sonrisa que la banda brindó al público en todo momento.

A esperar que se cumpla. Acá hay algunos videos con momentos que engalanaron la velada.

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La efervescencia que Jorge González provocó en el Festival Binacional “El abrazo” daba paso para que el Sanmiguelino diera un show donde pudiera presentar de manera más completa la que por muchos es su obra maestra (puristas divididos: “Jorge Gonzalez La mente maestra” v/s “Sin Tapia ni Narea no hubiesen sido Los Prisioneros”, pero para qué entrar en dilemas), “La Voz de los 80″, y además revivir otros hitazos, y asi ocurrió, el artista nacional confirmó conciertos por algunas ciudades del sur, y una fecha en Santiago.

A mucha gente le pareció un poco excesivo el precio de las entradas, por lo cual decidió no ir, lo cual me hizo pensar que el Caupolicán no iba a estar repleto. Cierto, no se llenó, pero sí estaba la cantidad de gente necesaria para un concierto que ofrecía más que música, si no también un discurso y mucha actitud, donde además se presentaria la banda en auge de la escena local actual, Fother Muckers, vayamos al grano.

Con un Show que empezo a eso de las 20:00 hrs, Fother Muckers dejaron en claro porque son una de las agrupaciones del momento, donde están todos complementados, todos trabajan unidos por un mismo fin, y la cara más visible es Cristóbal Briceño, haciendo reír a gran parte del público y obviamente mostrando su gran voz. Su intervención fue corta pero precisa, dando una repasada a sus 3 últimos discos e incluso a un hit de los años 90’, invitando a Javiera Mena a interpretar juntos “Electricidad” de Lucero. Aunque experimentaron problemas de sonido, aún asi lograron encender a la gente.

Salen los Fother Muckers del escenario, y entran los roadies a arreglar el escenario para recibir a Jorge González, quien aparece acompañado por Pedropiedra en Bateria, Jorge Del Campo en el Bajo, y a quien trato incluso como un hermano, Gonzalo Yañez en Guitarra y en un dos por tres todos se vuelven locos.

Siguiendo el orden del disco, Jorge Gonzalez abre con “La voz de los 80”. Luego, sigue la que podria ser el himno de la bohemia ochentera, “Brigada de Negro”. En “Latinoamerica es un pueblo al sur de E.E.U.U”, Gonzalez aseveró que  Chile aún sigue dependiendo de las faldas gringas. Después, fue el turno de una canción que estuvo ausente para el Festival “El Abrazo”, “Eve – Evelyn”. Después vino la canción más exitosa de ese disco, “Sexo”, con un Teatro Caupolicán coreando de principio a fin, de la mano de una de las mejores subidas de tono de este país, literalmente.

Todos estaban expectantes de saber si Jorge Gonzalez interpretaría “Quién Mato a Marilyn?”, y sin hacer grandes especulaciones, da la presentación a la canción que pertenece a Miguel Tapia, después vino el turno de la honesta “Paramar” seguida de una de las más polemicas dentro del concierto, me refiero a “No necesitamos banderas”, pues muchos recordaran lo que el vocalista dijo en la parte entremedio de la canción para el “Festival El Abrazo”, esta vez lo repitió, pero incluyendo antes que podría recibir amenazas de alguna fuerza oscura por sus dichos, siendo –Según el- incluso aconsejado por su circulo más cercano a no repetir aquel estribillo.

Arribó el turno de “Mentalidad Televisiva”, otra canción ausente para “El Abrazo”, y que personalmente deseaba escuchar. Y para finalizar esa primera parte, la que cierra el disco, “Nunca quedas mal con nadie”.

Después de una breve pausa, el sanmiguelino regresa al escenario, esta vez solamente acompañado de una guitarra eléctrica, con la que interpreta “Tren al sur”, el cover de Albert Hammond “Necesito poder respirar”, “El baile de los que sobran” y “Corazones Rojos”. Todas estas abarcadas de manera muy sentida. Luego regresa la banda para interpretar “We are sudamerican rockers” y “Porque no se van?”, canciones con la cual finaliza el show.

En definitiva Jorge González tenia para hacer un show más extenso, pero eso no quiere decir que haya sido un concierto poco consistente. Lo más bonito del publico fue la brecha generacional. Se podían notar a los ex-compañeros de curso saltando y coreando las canciones, a los adolescentes que crecieron escuchando esa música gracias a sus padres, y así… pero eso es lo bonito de la música, o no?

Por Matías López.

Foto, cortesía de Rocknvivo.

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Hawthorne, en compañía de la banda The County, logra crear un show donde deja en claro que sabe utilizar muy bien todas las influencias que la prensa le adjudica, dando vida a una presentación donde además de interpretar sus temas, pasa por tributos a grandes como J Dilla (con ‘Fall in Love’ de SlumVillage), Dobbie Brothers, Snoop Dogg y ELO, además de presentar algo del nuevo material que prepara para lanzar este año.

Si bien fue un show breve, los que estuvimos en el lugar, presenciamos el show de un artista que va a seguir dando que hablar y que ya podremos decir que tuvimos la suerte de ver y compartir, ya que Mayer estuvo post show firmando discos y sacandose fotos, de manera muy gentil y con mucha disposición.

Luego a eso de las 2am, mientras dentro del teatro tocaba The Twelves, Mayer oficiaba de DJ en la terraza del Teatro bajo el seudónimo de DJ Haircut, donde pasando por variados estilos hizo bailar (nuevamente) a los asistentes.

En resumen, un muy buen show de un artista al que esperamos volver a ver con nuevos trabajos por estos lados. Agradecimientos a Club Fauna por jugarsela con el show.

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Los hechos apuntaban a que nunca iba a ocurrir. El año 2002 finalizó la primera época de Stone Temple Pilots entremedio de enfrentamientos, adicciones y rehabilitaciones infructuosas. El 2007, Scott Weiland visitó nuestro país con su banda de entonces, Velvet Revolver, y las dos canciones del recuerdo que ofreció tuvo un efecto contrario: en vez de aquietar la ansiedad, esta se vió acrecentada por los fans.

Finalmente, para el 2008 se anunció el regreso de los cuatro integrantes en pleno de STP, y las esperanzas se fortalecieron enormemente cuando nos enteramos de que la respectiva gira contemplaría el cono sur. Sin embargo, Argentina fue el único lugar que supo de ellos. Con las ganas aún latentes, el conjunto anuncia nuevo disco (tras casi una década), con su respectivo tour que, ahora si, incluyó a Santiago de Chile como una de las paradas en sudamérica.

Un Movistar Arena cuyo aforo estaba atestado hasta las banderas fue testigo de parte de una de las páginas más destacadas que nos brindó el rock en la década de los ’90. Previo a ello, vimos el desempeño en vivo de The Suicide Bitches. El quinteto comandado por Felipe Arriagada destiló rock garage por cada vértice, una característica que podría haber sido mejor apreciada de haber mediado la suficiente asistencia desde la consola. Cosa común en los teloneros nacionales, estos son usados como carne de cañón en lo que a materia de sonido se trata. Una verdadera lástima.

Por mucho que uno pueda esbozar críticas a la manera en que se trata en ocasiones a las bandas de apertura, lo que de veras importó era cómo sonaban los reformados muchachos de San Diego. Y vale decir que el trío de canciones que sirivió para romper el hielo con el respetable fue, hay que decirlo, un golpe a la quijada que pudo haber noqueado a todo el mundo: ‘Carackerman’, ‘Wicked Garden’ y ‘Vasoline’, que se sucedieron sin pausas y que dejaron totalmente boquiabiertos al público, que cayó fulminado al instante. De su última placa homónima, sólo mostraron cuatro canciones, que se distinguieron mucho más poderosas que en su registro en estudio. Del sonido no hay mucho que detallar, salvo algunas dificultades para escuchar el bajo de Robert De Leo al principio del concierto.

Scott Weiland se ve mucho más repuesto, con un registro vocal que puede distar de lo que conocíamos de él (‘Still Remains’), pero que está en mucho mejor forma que en la gira del 2008, lo que nos da a entender que su calidad va en aumento. Escueto en sus declaraciones, el vocalista parece montar un show aparte con sus movimientos en las canciones, lo que claramente es seguido por todo el mundo.

Aunque es obvio que el centro de atención se lo lleve Weiland, hay que reconocer que el motor de este engranaje llamado Stone Temple Pilots se encuentra, diciéndolo de cierta forma, en el arco: Eric Kretz maneja y lleva los tiempos en cada tema, deteniéndose o apurando el tranco según las necesidades que delate su frontman. Y quienes lo flanquean en esas labores -lo hermanos Dean y Robert De Leo- han mostrado ser adherentes de una confiada base en la que Weiland se mueve como pez en el agua y se siente protegido; quizás esa sea la explicación de su reencuentro.

Con una lista de canciones que se hizo en pos de dejar a todo el mundo contento, tuvo claramente dos damnificados: los discos “Tiny Music…Songs From The Vatican Gift Shop” (que aportó con una canción), y “Shangri-La Dee Da”, que fue ignorado completamente del set, y que es calcado al que vienen mostrando en su gira. Obviamente, adentrarse en esa discusión da para largo, pero no sacará ninguna conclusión limpia. Lo que si es una certeza es el bonito show que nos dió la banda, una visita esperada por mucho tiempo, que tuvo la sapiencia de mostrarnos todas sus facetas, y que aún les queda aliento para brindarnos más música.

Foto por Javier Valenzuela para Rocknvivo.

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Una larga espera. Que quizás nunca hubiera terminado. En 1998, los Smashing Pumpkins llegaron a Chile promocionando “Adore” (Virgin, 1998), ante una Estación Mapocho atestada de seguidores. Un par de años más tarde, la primera época de la banda llegaba a su fin tras la publicación de “Machina, The Machines Of God” (Virgin, 2000). Tras eso, llegó Zwan, un proyecto muy interesante que lamentablemente no prosperó tras su primer disco, y el intento solista de su lìder Billy Corgan (“TheFutureEmbrace”), que daban a entender que muy posiblemente nunca veríamos nuevamente a la banda que le dió fama.

Sin embargo, el año 2007 sucedió lo increíble. Corgan informaba del regreso de las calabazas, un nuevo disco y gira. Para dotar de mayor credibilidad al asunto, trajo de regreso al baterista Jimmy Chamberlin. Pero, en esa ocasión, el tour no consideró sudamérica. Para darle más condimento, Chamberlin abandonó su puesto el año pasado, lo que dejó al calvo guitarrista como único estandarte del contingente original de los años ’90. Con esos antecedentes, los reformados Smashing Pumpkins interrumpieron doce años de ausencia y se presentaron en el escenario del Movistar Arena ante unos seis mil fieles.

El motivo no era celebrar viejas glorias, sino que nuevos lanzamientos. “Teargarden By Kaleidyscope”, un compendio de 44 canciones gratuitas, fue el leitmotiv de un concierto que tuvo la eficacia necesaria para manejar los tiempos y saber entregas las dosis necesarias en los momentos adecuados. Como viejo zorro, Corgan intercaló canciones nuevas con joyas que el público había ido a escuchar, nutriendo al evento de una heterogenidad que hacía posible que el tedio no poblara y que el interés se mantuviera durante las dos horas que duró el concierto.

‘Cherub Rock’, ‘Today’, ‘Zero’, ‘Tonight, tonight’, ‘Ava Adore’ y ‘Disarm’ fueron, sin duda alguna, de las canciones más coreadas de la noche. Aunque también hubo lugar para odas que no fueron singles pero que el tiempo se ha encargado de poner en su respectivo lugar. Me refiero a ‘Shame’ y a ‘Heavy Metal Machine’, que tuvo el honor de cerrar la velada.

El centro máximo de atención, obviamente, fue William Patrick Corgan. Además de él, el resto de la banda resultó ser un buen soporte. Nicole Fiorentino (Veruca Salt, Spinnerette), Jeff Schroeder y el novel Mike Byrne (que se lució en la batería) llevan más de un año acompañando al calvo por el mundo, lo cual no sería descabellado deducir que esta formación de los Pumpkins que nos visitó se transforme en la definitiva, aunque todo queda a criterio del impredecible vocalista.

A pesar de algunos problemas de sonido (donde ‘Tarantula’ fue la canción más damnificada), y que faltaron canciones (armar un set list para SP debe ser una ardua tarea, con la meta de dejar al mayor número de personas conformes), este nuevo formato de Smashing Pumpkins no defraudó en absoluto.  Premunido de una puesta en escena que deja en evidencia el esmero con que Corgan y los suyos preparan su acto en vivo, el combo norteamericano cimentan sus plenas ganas de seguir entregando música de la forma que sea.

01- My love is winter.
02- Song for a son.
03- Bullet with butterfly wings.
04- Tarantula.
05- Eye.
06- Today.
07. Astral planes.
08- Ava adore.
09- Stand inside your love.
10- United states.
11- Spangled.
12- To sheila.
13- Cherub rock.
14- Zero.
15- Shame.
16- Freak.
17- Tonight, tonight.
18- A stitch in time.
19- Disarm.
20- Heavy metal machine.

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¿Ha escuchado alguna vez ‘de lo bueno, poco’?. Ayer se dió cuenta de la potente conexión que puede tener esa frase con la realidad. Fue vivida en carne propia, y las personas que llegaron al remozado Teatro Nescafé de las Artes para ser testigos de la segunda actuación de Bebel Gilberto en nuestro país, bien están capacitadas para dar cuenta de ello.

Con un pequeño retraso que no produjo mayores inconvenientes, la artista brasileña se adueñó del sobrio escenario, acompañada de cuatro músicos, para ofrecer algo más de una hora de esa mezcla fascinante que se inicia con el bossa nova, pero que ella bien sabe llevar hacia otros planos como el jazz y sutiles toques de electrónica. También se incluyeron los covers ‘Sun is shinning’ (Bob Marley) y ‘Sweet dreams (are made of this)’, original de Eurythmics.

Como si con eso no bastara, Gilberto hizo gala de un humor envidiable. Constantemente buscaba la complicidad del público mediante anécdotas; la más aplaudida, tenía que ver directamente con nuestro país al relatar cómo sus padres (Joao Gilberto y Miúcha Buarque) se conocieron en París gracias a Violeta Parra, quien los presentó. También instaba al respetable a seguir con las palmas cada canción, a cantar. Ella quería gente que participara, y eso se logró en algunos pasajes del conciertos.

Todos estos antecedentes sin duda ayudaron a que la velada fuera bonita, del disfrute de todo el público. A pesar de que el tiempo del concierto no destacó por su duración (tomando en cuenta la carrera de la intérprete brasileña), dejando a todo el mundo prendido al momento de abandonar el escenario, Bebel Gilberto dejó una estela de calidez y felicidad. En dosis pequeñas, claro está, pero esas son las que más se disfrutan.

01. Aganjú
02. All in one
03. Sun is shinning
04. August day song
05. Simplesmente
06. Sem contenção
07. Momento
08. Bananeira
09. Secret
10. So nice
11. Samba da benção
12. Baby
13. Bring back the love
14. Chica chica boom chic
15. Preciso dizer que te amo
16. Sweet dreams

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