Si nos encontramos con cualquier miembro de La Curda en la situación que sea, en un bar, un partido de fútbol o simplemente yéndose de putas con la nada y le preguntamos cuál es el estilo musical de la banda, la respuesta será instantánea, orgullosa y siempre la misma: “Rock”. Y eso es, nada más ni nada menos, rock a la vieja usanza, sin concesiones, duro, simple y directo. Jugar con fuego es la especialidad de Marshall De Suarez, Paul Sayonara y Tony Vendetta, guitarra/voz, bajo y batería respectivamente, que parecen sacados de una historieta rocanrolera de principios de los setentas, en blanco y negro, y rescatada hace poco tiempo del baúl de los recuerdos.

`Toma Uno’ es el reciente registro de La Curda, disco debut editado por Incendiario Discos. Gran parte de este material fue grabado en vivo (a la antigua) en  los estudios Triana, buscando un sonido más fresco y quizás más fiel a lo que es la banda actualmente. Comparado al proceso de grabación que tuvieron el año pasado para su EP homónimo, éste representa un gran paso adelante para el trío. “En verdad no hay comparación entre los dos procesos, uno fue súper casero y el otro obviamente súper pro. El resultado del EP fue mejor de lo que yo me habría imaginado, pero lo que se viene ahora está en otro nivel. Ahora tenemos la potencia del EP (y más), pero sin sacrificar un sonido natural y orgánico” comenta Sayonara, graficando lo importante que es para el sonido del álbum, el haber grabado en un estudio tan importante como Triana.

Los miembros de La Curda llevan tocando juntos y compartiendo su música un poco más de cinco años. Primero bajo el nombre de Roulette y en formato cuarteto, para posteriormente derivar en el power trío que conocemos actualmente. Acerca del proceso de evolución musical que los llevó a convertirse en La Curda. “Los tres expusimos nuestras razones para buscar un cambio, el viraje que buscábamos era tan radical que en definitiva era mejor pegarle el guadañazo rápido y sin dolor a Roulette y armarnos de nuevo. Hoy estamos muy contentos con como van las cosas con La Curda” señala convencido Tony Vendetta, reafirmando que la formación actual es la que siempre quisieron, un trío de rock desde lo más puro del concepto.

Desde hace unos meses que La Curda viene trabajando con Incendiario Discos, nuevo sello independiente que ha dado cabida a bandas como La Mala Senda y Piedra. ‘Toma Uno’ inaugura el portafolio de este sello y los músicos se sienten muy cómodos en él, tanto por el serio trabajo que se está realizando como por la buena relación que tienen con las otras bandas del catálogo. A su vez, la autoproducción fue el camino que consideraron necesario para plasmar de una manera clara y sencilla, la propuesta musical que tenían en mente. “Como experiencia ha sido muy positiva, al menos yo lo paso increíble haciendo estos discos, me deja explorar una faceta de productor y sonidista que me apasiona” explica Sayonara, reparando también que en Chile nadie se interesa por descubrir una banda de barrio, para llevársela a realizar grandes producciones, por lo que las bandas emergentes aprenden desde el nido a autoproducirse y autogestionarse.

Los Curda la tienen clara. Su sonido está definido, su método de trabajo, composición y los roles de cada uno también están muy patentes y no temen señalarlos: “Los roles musicales son muy claros: Vendetta y yo creamos una base apretada para que DeSuarez pueda volar y dar rienda suelta a su talento” exclama Sayonara, mientras Vendetta lo interrumpe explicando que “En La Curda los roles están claritos y se han ido asumiendo de manera muy natural”

Todo este ir y venir de sonoridades, conceptos y reinventos han hecho que el objetivo final de la música de La Curda se cumpla con creces: ofrecer un producto repleto de la razón de vivir de estos tres personajes. Esa tan vilipendiada palabrita, pero que tanto no hace vibrar con sus múltiples, disímiles y casi inverosímiles lecturas: Rock and Roll.

Entrevista realizada por Ramiro Huanipa.

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Ganadores: Fabiola R. y Patricio Sandoval.Serán contactados vía email para acordar donde les entregamos sus entradas dobles, gracias por participar.

La banda del momento en la escena nacional está trabajando a full, lanzaron hace poco su ultimo disco y ya tienen 2 singles sonando en la radio; Hágalo bien y No se en que gastar mi dinero. Tuvimos la oportunidad de conversar con dos de sus integrantes que nos concedieron una entrevista para el disfrute de todos los fanáticos que visitan 192.cl. Nos contaron como se logró crear este disco, su relación con la difusión  a través Internet y algunos detalles sobre el lanzamiento del disco en el Caupolican.

Y apropósito del lanzamiento es el siguiente Concurso!. Gana  una de las entradas dobles para la gran fiesta de lanzamiento en el teatro Caupolican el próximo 27 de septiembre, solo debes dejar un comentario con tu nombre y mail real contando cual es tu canción favorita y porque, así de simple. Los ganadores serán informados en este mismo post el 24 de septiembre además de ser notificados vía mail.

Al escuchar este disco se nota un toque bastante personal en canciones como Superheroes, Mi Bigote o incluso algunos arreglos y sonidos de videojuegos que sabemos son bastante fanáticos de ellos, ¿como logran crearlo y como lo sienten al escucharlo terminado?

Pedrale: Al escucharlo terminado estamos súper contentos con el resultado que se logró. Humitas por ejemplo es bien computín, se dedica a buscar sonidos para incluir, siempre está cachureando con esos temas

Bruno: Nombraste ‘Superhéroes’ que es una canción bastante particular en ese sentido ya que es un himno a nuestros queridos héroes de infancia, Mazinger o incluso Mario BROS, somos todos bastante fanáticos de los videojuegos. Para lograr crear todo esto primero se plantea la canción, el formato musicalmente hablando, luego viene la letra y una vez que tenemos la letra y la canción se trabaja con el concepto desde la letra, por ejemplo en esto fue Mazinger, Ultraman, meteoro, He-man puros monos que nosotros veíamos cuando éramos pendex.

Pedrale: Esa canción particularmente es una mezcla de sonidos bastante diversos, también en cuanto a la canción es finalmente un homenaje a los reales superhéroes que son la gente común las que tienen que lidiar con sus problemas.

Vemos en este disco también a Sinergia en distintos sabores, edición económica, edición de lujo otra versión en Pendrive y también una distribución por Internet en algunas paginas de pago como Portaldisc.com, ¿como ven estas nuevas formas de hacer llegar su música a las masas?

Pedrale: Siempre nos hemos caracterizado por ir con la tecnología y no en contra de ella, nosotros en el 98’ ya teníamos una pagina web, son distintas opciones que tiene la gente para acercarse a un artista a un grupo, en ese sentido claro que apoyamos esas formas de difusión, ofrecer varias alternativas y formatos, por ejemplo para el coleccionista más romántico tenemos el disco con todos los plus que pudimos agregar ; el escenario armable a modo de maqueta, las tapitas intercambiables por cada canción, el documental. En ese sentido siempre va a haber gente que prefiera esa clase de discos de la misma forma, para la gente que tiene pocas lucas les ofrecemos la versión económica.

Bruno: La idea es hacerse amigo de la tecnología, actualizarte con ella en ese sentido. Siento que nosotros somos como bien amigables con lo que son los formatos de distribución y difusión, como dijo Pedrale, el formato de disco físico es más para los melómanos, ahora uno ya no va mucho a comprar las disquerías por eso es bueno incluir este formato de entregar el disco através de Internet ya que ahora todo el mundo tiene ese acceso.

¿Creen que con el paso del tiempo y la ayuda de Internet se dejará de vender discos en formato físico para dar paso a la distribución vía web?

Bruno: No podemos ser una especie de Nostradamus en ese sentido para decirlo, pero no se puede matar un arte tan lindo como lo que se logra con los discos físicos. Creo que la responsabilidad está en el propio artista de sorprender cada vez con el diseño, con lo visual y con lo musical por su puesto

Pedrale: Por ejemplo los discos de vinilo aun están vigentes y eso que pasaron los casets, los cds, llegaron nuevos formatos y el vinilo aun no muere.

Hay algunas bandas como Los Bunkers, De Saloon o Lucybell que han viajado tratando de conquistar el mundo, ¿piensan exportar sus ritmos a otras fronteras?

Pedrale: Sin duda tenemos el ánimo pero para expandirnos en ese sentido lo hacemos através de Internet, promocionarnos gracias a MySpace, Facebook y la propia pagina web, en algún momento nuestra meta será hacer un concierto por ejemplo en Colombia, Perú o Ecuador y llegar a esos fanáticos y que puedan ir a un concierto pero eso no implica que nos vayamos a vivir un tiempo fuera de Chile. Estamos muy atentos a la expedición que tienen están bandas en el extranjero.

Bruno: Claro, solo a tocar no a quedarnos a vivir allá, para que ir a un lugar siendo que Sinergia tiene una realidad, cada uno tiene su vida acá. Ahora, cuando nosotros estuvimos con Los Bunkers ellos nos dijeron ‘Hueón, váyanse para allá, les va a ir la raja’, con Lucybell yo he tenido la oportunidad de hablar solo con Cote y también me decía que nos iría bien afuera, que nuestra música pegaría ene, por eso este ultimo disco tiene una propuesta más internacionalizada, con un español más neutro y más entendible.

Que sienten cuando los fanáticos les piden que toquen temas como Marina, cabeza de abajo, mi auto y todos esos clásicos de los primeros discos.

Pedrale: Es como divertido que hayas echo canciones que sin ser singles hayan calado tan fuerte en algunas personas, igual muchas veces las piden los más fanáticos pero en una audiencia mayor que quizás no conocen todas las canciones hay que tener harto ojo con eso. Es rico que la gente los comparta, son como los temas regalones.

Bruno: Son canciones que han pasado a ser clásicos, la gente ‘pajarona’ las quiere mucho; Marina, Playero, Chacalin o Chupatron que es un tema que se toca siempre y está fijo en el repertorio.

Respecto al lanzamiento del disco en el Caupolican, ¿que promete sinergia para ese gran dia?, que como ya anunciaron será una fiesta familiar.

Bruno; Tenemos preparado un día lleno de Cuecas, Cumbias y Rock and Roll como lo dice el afiche promocional, estaremos junto a Daniel Muñoz y 3×7 Veintiuna y Chico Trujillo lo que se convertirá en una gran fiesta con sonidos y ritmos diversos, por eso mismo la entrada no está cara para que pueda ir la mayor cantidad de gente posible.

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Hablar de un “súper grupo” es jugar con un arma de doble filo. El concepto se nutre de expectativas y miradas recelosas en partes iguales, a veces en forma injusta. Ver cómo cinco miembros, cada uno con sus propias armas y escuelas musicales, se unen en pos de hacer música y pasar un rato agradable, es siempre una experiencia renovadora y que colma de curiosidad a los interesados. Trancemission surgió bajo esa premisa, el de sólo vivir la música y darla a conocer. Conversamos al respecto con Rodrigo Astaburuaga y Pablo Rogers. Porque armar una banda, hacer canciones, grabar un disco debut, concitar el interés melómano y hacer una gira no es cuestión de todos los días.

La partida, y como todo el trayecto hasta aquí, fue bastante inusual. Corría el 2008 cuando Rodrigo pensó en contactar a conocidos a través de Myspace para tocar sus canciones: “Desde antes de irme de Chile que tenía temas que quería interpretar. A través de Myspace conocí a Martín, que estaba formando Watch Out!, y que siempre me invitaba a tocar. Ya cuando volví, nos juntamos, sacamos unos temas y salió al tiro una tocata”. Así de urgente fue el primero paso, lo demás llegó solo. Primero con Aldo Benincasa (The Ganjas, The Versions) como baterista, a la siguiente tocata, ya no podía seguir, pero presentó un reemplazante de lujo: Iván Molina (Emociones Clandestinas, Matorral, Santos Dumont). Tiempo después Martín también desertaba, dando lugar para que ingresara Samuel Maquieira (Yajaira, The Ganjas, The Versions), dando lugar al quinteto que completaba Pablo Giadach (Casino, The Ganjas). Después de un par de intentos fallidos, las ganas de formalizar lo que venían haciendo en algunas tocatas y ensayos, dio con la formación final. 
 
Cuando las cosas se dan como pasó con Trancemission, hay que dejarse llevar. Así fue como cada uno de los cinco músicos fueron haciéndose espacios entre sus proyectos para encubar este crío que tomó vida propia luego de grabar ‘5’. “La gracia de la banda es tocar con este grupo de personas y ver qué pasa” cuenta Astaburuaga. El conocerse previamente entre ellos les dio la pasada para ahorrarse horas de ensayo y cambiar la típica metodología de trabajo por una más hippie de improvisar sobre la marcha. 

 
Pero de hippie su música no tiene nada. Más noise que sicodelia, con tres guitarras es imposible que no suene rockera una canción como ‘The Same’, el single que escogieron como carta de presentación del disco debut grabado en una noche en el Club Mist a puertas cerradas. Al ser cinco componentes de diversas bandas, el producto resultante de esta nueva pócima resulta inquietante, pero al mismo tiempo satisfactoria. Concebido bajo el concepto de “juntémonos y toquemos”, las canciones amenazan con nunca ser las mismas en vivo, lo que obviamente agrega una cuota extra de interés para verlos en concierto.

‘Nos dijimos hay que dejar un registro de esta hueá’, da testimonio de una nueva creación y el deseo vivo de cada uno de los integrantes de no dejar de tocar nunca. Es por eso que se conocieron, la misma razón la que los hizo juntarse, tocar, grabar un disco, lanzarlo y salir de gira. Nada más noble y cargado de conexión que la música.

En colaboración con Janine Aravena.

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Con raíces en la música tradicional de Irlanda, Escocia, Gales e inglesa (Gran Bretaña pa los amigos), el Bluegrass se posicionó en Estados Unidos como una de las vertientes más llamativas de la música country. Con gran influencia del jazz, gospel y blues la música Bluegrass se apoya fuertemente en instrumentos acústicos de cuerda, como la mandolina, guitarra, banjo, violín y contrabajo. De seguro al escucharla las patitas se te empiezan a mover solas, y tal vez hasta un yodeling (estilo Heidi) te sale.

Ralph Stanley, Norman Blake, Jerry Garcia, Nickel Creek y Alison Krauss son algunos de los nombres mas conocidos en el Bluegrass, tanto actual como de hace algunas decadas atrás, y si ninguno de estos te suena, de seguro has escuchado a la prominente Dolly Parton, quien también ha incursionado en el Bluegrass.

Dato para los cinéfilos: pueden recordar el film O Brother, Where Art Thou? de los hermanos Coen con el ondero George Clooney y encontrar en su soundtrack a excelentes exponentes del country/bluegrass como los que mencionamos antes.

Cherryholmes es una de las bandas más conocidas del nuevo bluegrass, con 4 nominaciones a los Grammy (2006, 2008 y 2009) y ganadores de un premio de la IBMA (2005), se han posicionado en la escena country.

Los seis integrantes de la banda Cherryholmes son parte de la misma familia, padres e hijos componen e interpretan sus temas. Molly (violín, cello), Skip (mandolina, violín), B.J. (guitarra), Cia (banjo) son los jóvenes hijos que comenzaron a tocar en esta banda cuando tenían entre 6 y 15 años. Sandy (mandolina, banjo) y Jere (contrabajo) son los padres. Todos los miembros de la banda tienen un estilo particular e incursionan de diversas formas en sus contribuciones a la banda, desde manejar, hasta crear el vestuario o hacer las iluminaciones de escenario.

Sandy fue quien amablemente, en medio de una enorme gira, respondió nuestro cuestionario. Acá va:

¿Qué nos puedes contar acerca de su experiencia en Bonnaroo?

Nuestra experiencia en Bonnaroo fue fantástica, era energizante tocar para una multitud tan excitante, que ama la música y esta ahí para pasarlo bien. Pensamos ademas que es cool tocar en un festival en el que los que la llevan son Bruce Springsteen, Snoop Dog, and Phish, no muchas bandas de bluegrass pueden hacer eso.

¿Su música ha cambiando en algún sentido en especial al estar de gira? (Conociendo gente nueva, bandas y lugares.)

Nuestra música cambia todos los años y con cada proyecto, cada año descubrimos en nosotros nuevas habilidades e ideas. Hemos tocado algunas veces con una orquesta sinfónica, y tenemos programados shows sinfónicos en el futuro. Agregamos un poco de jazz y blues. Cada miembro de la banda canta y disfruta con diferentes estilos de música. Estos elementos continuamente cambian el sabor de nuestra música.

¿Qué piensan de la música sudamericana? ¿Les gustaría ir y tocar ahí?
No sé si a los chilenos les gusta la misma música que en México, pero personalmente me encanta la música latina, cumbias, salsa, incluso los mariachis. Y en cuanto a un viaje a Chile, nos encantaría ir. Nuestro agente ha estado buscando locaciones en Sudamérica, espero ir algún día.

• Festival de música favorito: Bonnaroo
• Ciudad más ruidosa: definitivamente New York City
• Banda recomendada: Marty Stuart and the Superlatives
• Donde tocar: Hollywood Bowl
• Lugar de vacaciones favorito: Caribe
• Expresión artística que te guste (además de la música): Diseñar ropa, Cia diseña vestuario para actuaciones
• Fruta favorita: Manzana
• Tienes una mascota (cuál es su nombre): No, pasamos demasiado tiempo viajando, pero si pudiésemos, todos tendríamos perros (de los grandes)

Myspace: http://www.myspace.com/cherryholmesband
Sitio Oficial: http://cherryholmes.musiccitynetworks.com/
Video XD en Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=RiP7MJMsso0

Por Magdalena Jensen y Jessica Parra.

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La música de Portugal, The Man es difícil de clasificar, creemos que lo que mejor los define es psicodelia, heredada en parte de la música que escuchaban sus padres, hippies que buscaban más libertad en el territorio despoblado de Alaska.

Todos sus anteriores discos fueron producidos con amigos, y la grabación de los mismos era una sesión de improvisación, sin letras ni música preconcebidas. Esta vez la historia fue distinta, al estudio entraron con gente que anteriormente había trabajado con The Pixies, The Dresden Dolls y Radiohead y, a la vez, los chicos de Portugal, The Man también fueron más preparados. Algunas canciones de su nuevo disco, que se viene de verdad bueno, puedes escucharlas en su página.

Acá va la entrevista!

• ¿Qué nos pueden contar acerca de su experiencia en Bonnaroo?
  Bonaroo fue mágico. Fue nuestro primer festival de verdad y tener una tan buena experiencia es especial. Nos sentimos afortunados. La multitud tenía tanta energía que sólo te queda ponerte a su nivel. Hemos realizado más de mil presentaciones, pero todavía da miedo subirse a un escenario como éste. Ahora que ya lo vivimos tenemos mucha más confianza de ir y tocar en más festivales este verano.

• ¿Su música ha cambiando en algún sentido en especial al estar de gira? (Conociendo gente nueva, bandas y lugares.)
  Nuestra música ha cambiado en que realmente podemos tocar nuestros instrumentos y canciones mientras las creamos. Antes armábamos las canciones y luego prácticamente teníamos que aprender cómo tocarlas antes de salir de gira. No importa cuánto tiempo pases ensayando en un estudio, no se compara al tiempo que tocas sobre un escenario. Nuestra música ha cambiado mucho porque en vivo nuestras canciones suenan diferente a las grabaciones, y haremos variaciones sobre una canción que pueda cambiar dramáticamente. Podemos tocar una canción en vivo que puede tener 2 o 3 de nuestras otras canciones en ella, y además tocar partes de Harry Nilsson o Ghostface Killah. Sólo se trata de divertirse.

• ¿Qué piensan de la música sudamericana?¿Les gustaría ir y tocar ahí?
  Honestamente, nada sabemos sobre la música sudamericana. Es el lugar donde queremos ir, más que a ningún otro. Siempre hemos querido visitar “allá abajo”. Así que, si alguien nos lee: llévennos a un show!
  

Por Magdalena Jensen y Jessica Parra

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• ¿Qué nos puedes contar acerca de tu experiencia en Bonnaroo?

Algunos hechos, es el festival de música más grande de Estados Unidos, ubicado sobre 700 acres con 80 mil personas, donde conviven hippies, hipsters, rockers y ravers, siendo todos expuestos a nuevas experiencias y música. Pude ver a Al Green, Beastie Boys, The Boss, Femi Kuti, Public Enemy, Passion Pit en un solo lugar. Cuando llegué a presentar mi set habían alrededor de 200 personas y después de media hora habían unas 4 mil. Toqué 2 horas extra. Demasiado entretenido! Es una jam session en todo sentido.

• Tu música ha cambiando en algún sentido en especial al estar de gira? (conociendo gente nueva, bandas y lugares)

Claro! He sido un DJ desde que tenía 10 años, pero desde que estuve de gira con Lily Allen, y tocando en frente de 3 mil personas de forma regular comencé a experimentar mezclando montones de géneros diferentes. Mi estilo esta siempre expandiéndose.

• ¿Qué piensas de la música sudamericana?¿Te gustaría ir y tocar ahí?

La amo, hay un ritmo específico en la música sudamericana que es pegote y causa que la gente baile. La gente parece amar eso de Sudamérica, donde en otros países bailar parece un concepto extranjero, o cuesta mucho que la gente se mueva. He tocado en ciudad de México unas cuantas veces y siempre es super entretenido!

• Festival de música favorito: Londres

• Ciudad más ruidosa: NYC

• Banda recomendada: Miike Snow

• Lugar de vacaciones favorito: Golden Eye, Jamaica

• Expresión artística que te guste (además de la música): Diseñar ropa

• Fruta favorita: Manzana

• Tienes una mascota (cuál es su nombre): Nope, no tengo!

Aaron ha producido y mezclado a músicos del nivel de Madonna, Souljah Boy, Lily Allen y Cool Kids. Ha estado de gira con Lily Allen, Mark Ronson y más recientemente con Kanye West para el evento SXSW de Perez Hilton. Además ha colaborado con ediciones especiales de moda de Vans, Jay Z y Lucien Pellat-Finet, el rey del cachemir.

Por Magdalena Jensen y Jessica Parra

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Con una batería de canciones que salen solas a pelear a una cancha cada vez más poblada de cantautores de fina estampa, Javier Barría presenta su primera producción grabada fuera de casa y al alero de un sello. Sabe que es el punto de inflexión y que jamás volverá a la modalidad de registro que lo hacía grabar de manera casera sus canciones.

Con un computador de 256 de RAM y haciendo el trayecto incesante entre su cama y el living de su casa, Javier Barría facturó 10 discos autoeditados que colgó generosamente de toda plataforma virtual que se lo permitiese. De la mano de su guitarra y usando primero Podomatic y luego MySpace -Facebook y Twitter son sus últimas adiciones- se hizo de un puñado de temas sentidos, sensibles y bien armados donde él era el único invitado, el músico solo que fabricaba hermosas piezas con letras que hablaban de ausencias, vidas pasadas, Santiago y desgarro.

Pero todo eso ha cambiado. ‘Introducción a la Geometría’ (IALG) es un disco luminoso y dulce que se lanza mañana, sábado 13,  y que marcará el debut de varios hitos en la carrera de este músico chileno de 29 años: por primera vez hará un lanzamiento; por primera vez el disco que presenta ha sido registrado en un estudio y bajo la producción de un sello -Infanta Terrible- y por primera vez tocará en directo el repertorio completo de las 12 canciones incluidas en su décimo primera placa.

Barría esta cansado. Esto de afinar el ritmo de una serie de entrevistas con medios locales coordinadas por Infanta Terrible, lo tienen notoriamente agobiado. Tanto que se niega a hablar del estado emocional que cruza su última placa. “Yo no doy respuestas como para la Caras, porque esto no es la Caras y no voy a hablar de mi vida personal”, responde cuando se trata de indagar las razones que hacen que ‘Introducción…’ sea un disco cruzado por el amor y la historia de una relación de pareja que va desde la conquista hasta la consolidación, pasando por la soledad y la exquisita complicidad que lo lleva a decir en “Cortinas Naranjas” que ojalá el fin de semana no se terminara nunca.

EMPEZANDO CON GEOMETRÍA

El proceso que llevó a IALG a convertirse en disco es largo. Comenzó con ‘Acantilado’ un tema del verano de 2008, al que se le sumó ‘Autopista’, ambas canciones fueron maceradas en público, acaso el mejor barómetro que maneja Barría al momento de entregar su creación. “Hace justo un año grabé los primeros demos de estas canciones más ’2AM’, el primer corte del disco. Hacia diciembre estaban listas, pero en paralelo se estaba gestando el coqueteo con el sello. Surgía el proyecto de editarlo bien, de grabar profesionalmente, de hecho Infanta Terrible confió en mí antes de escuchar cualquier tema. En marzo de este año entré al estudio Santuario Sónico a hacer el registro de las doce composiciones, las mismas que había cantado y tocado muchas veces, lo que facilitó que todo fuera expedito y que pudiéramos cumplir con los plazos. Sé que ya no hay vuelta atrás, que el próximo disco también quiero que sea grabado bajo estos estándares. He traicionado mis principios, pero es que este proceso fue demasiado bueno”, explica el cantautor wi-fi o digital como se autocalificó alguna vez.

En esta producción, Barría continua como el único intrumentista, lo que le permite mantener bajo su dominio la calidad del sonido, así como también garantiza algo que para él es esencial y es que las canciones no pierdan la calidez de aquellas grabadas en su hogar. “Pasa que este disco fue creado tocándolo en vivo, finalmente, creo que el paso de los demos a lo que sucedió en el estudio fue como hacer covers de mis propios temas”

Dando un giro a lo que habían sido sus letras, IALG nos presenta un conjunto de composiciones unidas por un solo cordón umbilical que es el amor y una relación de pareja que, al parecer, consolida su actual momento emocional. Él no quiere hablar del tema y sin embargo explica que hace mucho tiempo que le daba vuelta en la cabeza la idea de que sus conciertos eran tristes, estado de ánimo que quiso desterrar haciendo de esta placa una especialmente alegre.

¿Sientes que te desprendes de tus influencias o siempre están muy presentes en el proceso de composición de un disco?

No, nunca me desperndo totalmente…lo que sí, después de todo el proceso de componer, producir, grabar siento que de algún modo se diluyen  y pasa a ser más fuerte la influencia de uno mismo, es decir, mis últimos trabajos.

Si, eso me lo dijiste

¿Sientes que como artista haz creado una especie de marca registrada con tu música?

Creo que me acerco…pero eso es fruto de muchos años haciendo canciones y tampco me interesa mayormente. El día de mañana voy a rayar con Calle 13 quizás y capaz que en dos años me vaya a puerto rico a a hacer reggaeton.

Uso el término de marca registrada como para ejemplificar un sello, algo que te distinga…

Sé que hay algo que me distingue y sé que este disco no suena como nada que se haya hecho acá o que se esté haciendo.

CANTAUTOR MYSPACE

Si hay algo que caracteriza la historia de Barría es su inclaudicable gusto por la autogestión. El es su mejor promotor y es así que lentamente ha cultivado un público cautivo en Buenos Aires, ciudad que ha visitado dos veces, la primera en 2008 y la segunda hace unas semanas. “Esta vez las cosas fueron un poco distintas porque me contactaron dos productoras, una de Buenos Aires y otra de La Plata así que hice que coincidieran ambas en una semana. En La Plata, incluso, hubo difusión en prensa y mucho más público en el concierto porque eso sí que es notorio: ahora me conoce más gente”.

El músico atribuye este éxito a MySpace, comenta que casi el 40 por ciento de sus contactos se basan en Argentina, pero en realidad esa plataforma lo hace hermanarse con una serie de rockeros repartidos por el mundo. De hecho, cuando se le piden referencias de bandas nacionales que le llamen la atención nombra a una serie de autores que comparten la ventana democrática que les entrega internet: Dafne da Rosa (www.myspace.com/dafnedarosa), Camilo Artigas (www.myspace.com/artigascamilo) y la banda Inverness son tres ejemplos.

Barría se siente tan cómodo en esta comunidad como sobre el escenario, por eso es uno de los músicos que más conciertos hace al mes (al menos 4) y sin embargo, jamás ha tenido la atención de la prensa que sí ostentan otros cantantes con nombre y apellido. “Mi trabajo mediático lo han hecho las canciones, yo las mandé a pelear solitas y estoy orgulloso de eso. Igual que el loco Bielsa, así me siento. No sé, la verdad, no he buscado mucho la cobertura de los medios tradicionales y no he tenido los contactos. Jamás he rogado a nadie por salir acá o allá o porque pasen mis temas en tal o cual parte. Como te digo, las canciones han salido a la pelea solitas y ahora hay un público que las quiere, eso no más”

‘Introducción a la Geometría’ es el producto final de la serie de presentaciones donde Barría renunció a tener una banda de apoyo y decidió lanzarse solo con apoyo de pedaleras que le permiten grabarse y reproducir lo registrado logrando una serie de bases que se ejecutan frente a los ojos del público. Collage sonoro en tiempo real, así le gusta llamarle. Juana Molina, Drexler, Lisandro Arestimuño, KT Tunstall y Andrew Bird hacen lo mismo alrededor del mundo.

‘In Rainbows’, el disco de Radiohead que cambió para siempre la industria discográfica como la conocíamos, fue una de las producciones que mantuvo en la cabeza al momento de darle forma a IALG.

¿Pagaste por ese disco?

Nunca, jamás voy a pagar por un disco. A mi me parece que toda la lucha que están teniendo los músicos por los derechos de autor es de un montón de gente que gana mucho dinero con eso. Yo no gano, así que me importa una raja. Es el turno de que nosotros nos ocupemos de nuestra obra sin intermediarios porque la industria está muy jodida.

Javier Barría lanza ‘Introducción a la Geometría’ mañana sábado 13 de junio a las 21:00 en Sala Master (Miguel Claro 509, Providencia).
192 está regalando entradas, pero si no alcanzas una debes pagar 3 mil pesos sin disco o 5 mil con una copia de IALG.

Javier Barría además está en:
http://www.myspace.com/javierbarria
http://javier-barria.blogspot.com/
http://twitter.com/javierbarria

Fotos : Mila Belén

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La banda, nacida hace casi 8 años, y que en sus inicios realizaba covers de reconocidos grupos ingleses, hoy busca abrirse paso en la escena nacional con temas propios y lograr así la ansiada consolidación. He aquí un poco de su historia.

Por Pilar Mora Palma

Son casi las 15 horas del día sábado y el ensayo de “Plus” está pronto a comenzar; antes de que ello suceda, muevo un par de guitarras, cables y platillos, y tomo ubicación privilegiada, ya que sus integrantes se prestan a contarnos todos los detalles acerca de esta interesante propuesta musical…
- Bueno, para comenzar, ¿quiénes conforman Plus?
F: Plus está conformado por Pablo Beroy en bajo, voz y programaciones; Rodrigo Jorquera en batería y percusiones y yo, Felipe Mora, en guitarra y voz.

-¿Y cómo nació la idea de formar esta banda?
F: La banda se formó en el año 2000, de la amistad y afinidad musical que tuvimos Rodrigo y yo, quienes nos conocimos al entrar a la carrera de Pedagogía en Inglés en el Pedagógico. En ese tiempo Rodrigo sería bajista; pero al buscar baterista finalmente encontramos un bajista, Rodolfo González, y Rodrigo pasó a la batería.

La banda comenzó haciendo covers de distintas bandas inglesas de los 90, Suede, Pulp, Oasis, etc. Pronto comenzamos a componer canciones para lo que sería el primer demo llamado “Virgen”. Este consistía simplemente en 7 canciones originales grabadas en vivo, en una sola toma.

Después de haber presentado el demo en algunos lugares en Santiago, Rodolfo deja la banda por motivos personales. En su reemplazo ingresa Pablo, a quien ya conocíamos y con quien manteníamos contacto. La banda tuvo una presentación más antes del receso. Tras ello, cada uno estuvo en diferentes proyectos propios, y a mediados del 2007 volvimos a reunirnos con la idea de reeditar “Virgen”.

-¿A qué se debe su nombre?
F: Buscábamos el nombre para la banda y un día llegué a mi casa y comiendo con mi familia mi papá me dice: “Y ¿Cómo se llama la banda? ¿Plus?”, yo le dije, no na’ que ver, pero ¿cómo dijiste? “Plus”, me respondió. Al otro ensayo llegué con la novedad, les gustó a los demás por la sensación de que el nombre tenía una llegada “bilingüe” y así quedó.

-¿Con qué corriente musical se identifican?
P: Rock puro y choreza! jajaja
F: Todos compartimos el gusto por las bandas inglesas en general; desde The Beatles hasta Muse. Nos gusta mucha música de allá, creo que tienen una sensibilidad única para la creación musical. Pero de todas maneras es bien amplio el espectro.
R: Siempre he escuchado mucha música, desde chico en mi casa se escuchaba mucha música en vez de ver televisión, por eso en mi cabeza hay orquestas, solistas, trovadores, rockeros, bluseros, etc. Es difícil para mí decir qué corriente nos representa; el eclecticismo creo que podría ser una corriente…

-¿Qué cosas los inspiran para escribir sus letras?
P: El amor, el amor y el desamor… jajaja

R: La vida, el mundo, todo lo que te rodea, hay cosas que te inspiran a escribir más y otras que no te motivan para nada. Por ejemplo, nunca encontrarán un discurso político en lo que mostramos, todo sale de lo  que nos rodea como banda y como personas individuales y ciertamente la política no es uno de esos entornos.

-¿En qué está Plus hoy?
R: Ensayando, ensayando y ensayando…

F: Además, estamos componiendo más canciones, aunque básicamente el primer disco está listo en cuanto a lo que queremos de él.

P: Estamos ensayando mucho cada tema para que haya una unión en cuanto al buen sonido total de lo que hacemos.

-¿Qué planes tienen a futuro con la banda? 
F: Queremos grabar el primer disco dentro de este año, creo que será más bien a finales del presente. Además estamos viendo posibilidades de que nos acoja algún sello discográfico independiente.

R: Luego de eso queremos irnos de gira por Chile y si es posible por algunos países de Latinoamérica con los que ya hemos hecho contacto.

-Finalmente, un mensaje al público.

F: Bueno, una invitación cordial a todos a visitarnos en Myspace y a buscarnos en Facebook. Ahí pueden encontrar fotos, info de las presentaciones, temas, etc.

P: Acérquense a nuestro mundo, no los vamos a defraudar…

R: Gracias a todos por el apoyo de siempre y disfruten de nuestro trabajo que es para ustedes.

Siendo las 15:45, finaliza la conversación, es hora de que empiece el ensayo… suena “Nada que perder”.

Para escuchar a Plus ingresa a:

www.facebook.com/pages/PLUS/15490173358

www.myspace.com/pluschileband

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A tan sólo días de iniciar un extensa gira por Chile (ver fechas aquí), Sapo, bajista y vocalista de la banda uruguaya de punk melódico NadaQueHacer, se dio el tiempo para conversar con 192.cl. Nos contó sobre los actuales desafíos que tiene la agrupación, las expectativas y ganas que tienen de presentarse en nuestro país después de cuatro años y la renovación que han vivido desde el 2005, cuando Nacho, vocalista original, decidió dejar la banda. La entrevista en extenso después del salto

Desde el 2004 que en Chile no tenemos muchas noticias de ustedes, nos pueden contar cómo se encuentra NadaQueHacer actualmente.
NadaQueHacer se encuentra fuerte como siempre, con nueva formación y energías renovadas, encarando esta nueva etapa y esperando la edición de nuestro nuevo disco.

¿Les costó mucho enfrentar el alejamiento de Nacho de la banda?
En un primer momento fue una situación difícil por el alejamiento de un miembro que estuvo 10 años en la banda. En lo musical ese cambio representó un gran desafío para nosotros, ya que había que rearmarse, pero en seguida nos dimos cuenta de que podíamos salir adelante con mucho esfuerzo y con muchas ganas de afrontar lo que se venía. Allí fue cuando entró Julio en la guitarra y yo pasé a cantar.

Recientemente se fue Julio, y llegó Martín, ex For No One. ¿Cómo ha sido este nuevo proceso de cambio que han vivido?
El alejamiento de Julio era algo que lo veníamos hablando desde hacia unos meses, por lo que no nos tomó por sorpresa. Él estuvo en todo el proceso de grabación del nuevo disco y tocó a fines del 2007 en los dos shows de festejo de nuestros 13 años. Al irse Julio surgió Martín como el candidato lógico para ocupar ese puesto ya que lo conocemos desde hace años y tenemos mucho en común con él. Con el poco tiempo que lleva en la banda nos está demostrando que no nos equivocamos. La relación con Julio sigue siendo la mejor, tan es así que nos va a acompañar en la gira por Chile, ya que Héctor no puede viajar por temas de trabajo.

¿Para cuándo estará listo el nuevo disco y qué nos deparará tanto en las letras como en la música?
Nuestro nuevo disco ya está en su fase final, está totalmente grabado y en estos días estamos terminando la mezcla, por lo que solamente faltaría el proceso de masterización y editarlo. Esperamos poder editarlo, además de en nuestro pais, en Argentina y Chile, pero todavía no hay nada definido en ese sentido. Grabamos 15 temas y el nombre que tendría el disco seria “Punto Impropio”. Tanto los títulos como las letras de las canciones de NadaQueHacer siempre han reflejado los momentos y las situaciones por las que ha transitado la banda. En los nuevos temas se ve claramente que estamos pasando por una etapa de cambios, y si bien las letras pueden resultar un poco mas “oscuras” que antes, sigue siempre presente el optimismo y las ganas de seguir.

¿De los tres discos que han sacado hasta ahora, cuál consideran que es el mejor y por qué? ¿Mitomanía, Haciendo Pie, Bunker de Ideas y Frágil?
Mmm… es muy difícil elegir uno. Cada cual tiene lo suyo y representan una etapa de nosotros. Son como una especie de fotografía musical de la banda en ese momento. Son todos diferentes pero mantienen la misma esencia, cosa que creo que pasará con el próximo también. Tratando de no caer en un cliché, creo que para una agupación siempre el mejor disco es el que viene, porque es donde pones todas tus energías y expectativas, y donde proyectas tus ideas y tus sentimientos.

Después de cuatro años volverán a pisar tierra chilena, en un extenso tour. ¿Poseen altas expectativas de lo que será su nuevo periplo por estos lados, más aún considerando que nosotros veremos por primera vez en vivo la nueva alineación de NadaQueHacer?
Siempre que vamos a tocar fuera de nuestro país lo hacemos con buenas expectativas y con mucha responsabilidad, y más aún cuando vamos a Chile, donde siempre nos han recibido de la mejor manera. También somos conscientes de que ha pasado un buen tiempo desde la última vez que fuimos a tocar allí y de que vamos a presentarnos en varias ciudades donde nunca antes tocamos, así que sabemos que nos tenemos que ganar nuestro publico con hechos y no con el nombre de la banda. Gran parte de la gente nos verá por primera vez y también ellos verán un nuevo NadaQueHacer, con una nueva formación, con nuevos temas, con nuevas energías pero con el mismo espíritu.

¿Pueden darnos algunos adelantos de lo que será la tocata en Santiago? Los fanáticos santiaguinos tenemos ganas de escuchar un extenso repertorio, sobre todo, considerando que en los dos show del 2004, por diferentes motivos, tocaron muy poco.
Es verdad que las últimas presentaciones, por problemas de organización, no fueron tan buenas y extensas como hubiéramos querido y esa es una deuda para con nosotros mismos y para con el público. Sabiendo esto es que armamos un show más extenso que los que hemos dado en Chile en veces anteriores, compuesto por temas de todos nuestros discos editados y también por algunos adelantos de lo que será nuestra próximo placa. Nuestra idea es tratar de ofrecer el mismo show en todas las ciudades, con alguna pequeña variación, para que todos tengan la misma oportunidad de ver a NadaQueHacer sin importar si es en una ciudad grande o chica.

También tocarán con Eterna Inocencia en Valparaíso. Será un muy lindo show, como los de antaño. ¿Qué opinión tienen de la banda argentina?
Eterna es una de las bandas de referencia para cualquiera que toque o escuche hardcore/punk en Sudamérica, eso lo sabemos muy bien y en todos estos años hemos tenido la suerte de poder compartir escenario con ellos varias veces. Es más, en el mes de abril estaremos tocando juntos aquí en Uruguay como lo hiciéramos el año pasado.

En el año 2000 tocaron por primera vez aquí en dos show, uno de ellos fue con No Fun At All, ¿Qué recuerdos tienen de ese día?
Los mejores recuerdos… por todo, por tocar por primera vez en Chile, por tocar con una de las bandas que admiramos, y por la grata sorpresa que nos dio la gente coreando nuestras canciones. Tambien el grato recuerdo de los amigos que hicimos alli: BBS Paranoicos, Guaro, Lagarto y muchos mas…

Muchas gracias por el tiempo que han dedicado a responder la entrevista. Finalmente les quieren dedicar algunas palabras a los fanáticos chilenos que desde hace bastante tiempo están esperando tenerlos de vuelta por estas tierras.
Bueno, decirles que este es un regreso que también nosotros esperamos hace tiempo con muchas ganas y que vamos a tratar de dar el mejor show de NadaQueHacer.
También para quienes quieran ir escuhando algo nuevo de la banda pueden entrar a www.myspace.com/nadaquehacer y alli podran escuchar las pre-mezclas de dos temas nuevos “Una Razón” y “En Soledad”.

Muchas gracias y nos estamos viendo dentro de poco.

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