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Charly García – Movistar Arena (24.05.2012)

Jean (Perrojo) Parraguez — Fri, 25 May 2012 22:19:26 +0000

Emociones más que encontradas fueron las que arreciaron anoche en el Movistar Arena. El motivo de eso puede encontrarse en las disímiles opiniones que pudo sacar la presentación que el argentino Charly García brindó anoche en nuestro país.

Una de las leyendas incontestables del rock latinoamericano venía a celebrar sus sesenta años de vida, cargados de episodios de toda índole, siempre forzando los límites de la genialidad y de la locura, una premisa que imprimió en todos los ámbitos, incluídos los extra musicales. Todas esas consecuencias afloraron ayer en el recinto santiaguino, para bien o para mal.

Hablando de las canciones, si nos fijamos en los nombres, la lista fue impecable. El trasandino aglutinó una carrera que ha tenido de todo en dos horas de puros éxitos. Desde sus comienzos con Sui Generis –‘Canción Para Mi Muerte’ e ‘Instituciones’- hasta “Kill Gil”, un “disco que se lo comió Internet”, según sus palabras, con ‘No Importa’, García sacó brillo a su abultado y, en la mayoría de los casos, genial palmarés.

La hermosa interpretación de ‘Llorando en el Espejo’ y del clásico ‘Yendo de la Cama al Living’ asoman como puntos altos dentro de un ramillete de hits: ‘Demoliendo Hoteles’, ‘Influencia’, ‘Piano Bar’, ‘Rezo por Voz’ –con una enorme imagen de Luis Alberto Spinetta al fondo del escenario- y ‘No Llores Por Mí, Argentina’, podemos contar como los nombres a destacar.

Sin embargo, a pesar de contar en la mano con un tracklist a prueba de balas, es en la interpretación donde quedamos al debe. No lo vamos a descubrir ahora, García hace muchos años que ya no canta, pero tampoco hace mucho más en el escenario. Como una figura inerte, sus pasos son torpes, y su presencia –fija en el piano- sólo se sostiene por la enorme idolatría que aún despierta, prueba de ello es la asistencia que ya estaba rendida antes de que el argentino tocara cualquier nota de su instrumento. The Prostitution, la banda que lo acompaña, hay que decir que no siempre estuvo a la altura de las circunstancias. La errónea nueva versión de ‘Los Dinosaurios’, y los problemas de sonido que se hicieron evidentes en ‘Demoliendo Hoteles’, le hicieron un flaco favor al argentino.

La pasada de Charly García por Chile lo muestra como un músico que ha dejado atrás toda su época de excesos, y para su salud está bien. Lo otro, lo que nos importa como público, es lo que preocupa. Verlo sobre el escenario no hizo más que reafirmar que las leyendas deben respetarse. Pero hasta los grandes deben saber cuándo decir “hasta aquí no más llegamos”.

Mogwai – Teatro La Cúpula (17.05.2012)

Jean (Perrojo) Parraguez — Fri, 25 May 2012 01:16:36 +0000

Tras ver el lleno total que tenía el Teatro La Cúpula una hora antes que empezara el concierto, cuesta creer que tuvieran que transcurrir cerca de diez años para que Mogwai se dignara a visitar nuevamente nuestro país, en uno de los conciertos más cargados de intensidad que se hayan presenciado en este rincón del mundo.

Lo anterior sirve para dar constancia de lo que despiertan los escoceses cuando tienen que presentarse en vivo, un quinteto que –literalmente- no ocupa las palabras como lenguaje para interactuar –salvo las contadas muestras de agradecimiento de Stuart Braithwaite-, sino que usa los márgenes de los sonidos, las texturas, atmósferas y luces para ensamblar un mensaje que es perturbador, mágico, triste y bello, todo al mismo tiempo.

Desde su arranque, con ‘White Noise’, una de las gemas que tiene su más reciente trabajo, “Hardcore Will Never Die, but You Will”, del año pasado, se percibió una auténtica comunión entre el quinteto de Glasgow y el público, que estaba concentrado en todo momento, siendo prueba de que, esta vez, los asistentes eran consumados fanáticos y que no estaban ahí por figurar. Observadores, rodeaban de silencio el recinto cuando correspondía, para que no se fuera ningún detalle sonoro.

Desde su comienzo, Mogwai ha sido catalogado como banda de “post-rock”, un terreno fértil al engaño, en que han convivido, desde que el término fue acuñado en los años ’90, Radiohead, Sigur Rós, Congelador, Stereolab, Disco Inferno, y un grueso y generoso etcétera. Empero, tratar de agrupar en una parcela tan inclasificable a una banda tan inclasificable es un error en el que muchos se empeñan en tropezar una y otra vez.

Muestras de su debut de 1997, como ‘Mogwai Fear Satan’, pasando por el que es, quizás, su mejor disco a la fecha (“Rock Action”, del 2001) con la impresionante ‘2 Rights Make 1 Wrong’, lo de los europeos puede ser tildado de espacial sin ningún dejo de duda, pero ‘I’m Jim Morrison I’m Dead’ pontifica lo enraizado en la tierra que está gestado, con esas explosiones difíciles de soportar, como toda carga que conlleva la vida moderna.

Lo que hizo Mogwai en su segunda visita a Chile no fue llevarnos al cielo para maravillarnos con aguas cristalinas, sino que fue un remezón sónico para tener presente los hartazgos que compartimos como sociedad, donde las palabras rara vez se usan, y los lazos cada vez son más débiles. Los escoceses nos dieron con su glorioso lamento un pontificado inexpugnable de cómo vamos directo al despeñadero.

Noel Gallagher’s High Flying Birds – Teatro Caupolicán (13.05.2012)

invitad@ — Tue, 15 May 2012 00:42:01 +0000

Foto de Javier Valenzuela para Rocknvivo.

Me gustaría poder escribir que no le creo la parada que tiene de rockstar pero no, a Noel Gallagher le creo. Anoche demostró que da lo mismo ser indiferente o un pedante de mierda, si a la hora de cantar, hacer buenos temas y montar un show con la dosis necesaria de melancolía y rock, superas las inevitables expectativas.

Y obvio que habrían expectativas con la cuarta presentación del inglés en Chile. Todos sabían que esta vez no sería como las anteriores. Ahora, a sus 44 años, venía como solista, con banda y disco nuevo bajo el nombre de Noel Gallagher’s High Flying Birds. Los resultados de este debut tanto en la crítica como en sus fans – segundo lugar en la lista de discos de rock más vendidos en el Reino Unido durante el 2011- probaron que Noel tenía el potencial para sostenerse fuera de su hábitat y del ultra comprobado éxito con Oasis.

Por eso es que Gallagher no venía a convencer a nadie. Las casi 4 mil personas que se reunieron en el recinto capitalino estaban entregadas desde la apertura y lo demostraron coreándolo todo, desde las canciones incluidas en su debut lanzado hace tan sólo siete meses, hasta temas tan lejanos en el tiempo como ‘Talk Tonight’ (1995) y ‘Mucky Fingers’ (2005), ambos de los extintos Oasis.

No es una exageración lo de los coros. El público estuvo presente a lo largo de los 90 minutos de show. El espectáculo trajo las versiones acústicas de ‘Whatever’, ‘Supersonic’ y ‘Don’t Look Back in Anger’ las que debían estar acompañadas por un público de estadio que las cantó de principio a fin y donde apenas se filtró la voz del mancuniano, quien se mostró sonriente y agradeciendo. Tenía motivos de sobra para estarlo ya que horas antes, un sudamericano le había dado el campeonato al equipo de sus amores, el Manchester City, tras más de cuatro décadas sin alcanzar la victoria en la Premier League de Inglaterra y casi desaparecer.

Ver a Noel Gallagher’s High Flying Birds fue comprobar que al ex Oasis le sienta bien la soledad, a pesar de estar acompañado por una banda que respondió con creces durante todo el concierto, compuesta por Tim Smith (guitarra), Russell Pritchard (bajo y coros), Mike Rowe (teclados) y Jeremy Stacey (batería). La comodidad de presentar un material con el cual se siente 100% satisfecho nos hizo respirar tranquilos sabiendo que da lo mismo la trinchera, el ánimo y el fútbol; mientras la conexión con el público exista, da lo mismo ser un rockstar.

Noel Gallagher’s High Flying Birds | Teatro Caupolicán | 13.05.2012
Setlist

1. (It’s Good) To Be Free
2. Mucky Fingers
3. Everybody’s on the Run
4. Dream On
5. If I Had a Gun…
6. The Good Rebel
7. The Death of You and Me
8. Freaky Teeth
9. Supersonic
10. (I Wanna Live in a Dream in My) Record Machine
11. AKA… What a Life!
12. Talk Tonight
13. Soldier Boys and Jesus Freaks
14. AKA… Broken Arrow
15. Half The World Away
16. (Stranded On) The Wrong Beach

Encore:
17. Let the Lord Shine a Light on Me
18. Whatever
19. Little By Little
20. Don’t Look Back In Anger

Por Janine Aravena

Duran Duran – Teatro Caupolicán (08.05.2012)

Jean (Perrojo) Parraguez — Wed, 09 May 2012 19:20:50 +0000

Foto de Héctor Aravena para Emol.

Haciéndole poca justicia a su nacionalidad, Duran Duran hizo esperar a sus fans en su cuarta visita a nuestro país cerca de veinte minutos. Y aunque es cierto que su posición en la industria no es para nada la que ostentaban hace tres décadas, el cuarteto se las ingenió para sacar lustre a la experiencia en un poderoso recital.

La postal desde el principio se avecinaba como un concierto para el recuerdo, donde se haría hincapié en tiempos pretéritos, algo que se hizo patente en la gente que agotó todas las ubicaciones del Teatro Caupolicán –y que claramente se veía que habían crecido con el grupo-, pero que no redujo el entusiasmo y la entrega de ninguna de las partes.

El cuarteto de Brimingham venía precedido de su álbum lanzado el 2010, “All You Need Is Now” –que no ha sido editado en Chile y que se vendía en el recinto-, pero estaban muy conscientes de lo que esperaba el público. Por esa razón, después de abrir con ‘Before the Rain’, se lanzaron en una espiral de clásicos imposible de resistir.

Desde ‘Planet Earth’, de su primer disco, hasta el cover de Grandmaster Flash & Melle Mel ‘White Lines’, Duran Duran apabulló a un público totalmente deslumbrado por el sonido y la fidelidad con que se ceñían a la interpretación de las canciones. A pesar de sus años, Simon Le Bon es el dueño de la fiesta y por momentos puede traspasar el protagonismo, como cuando bajó a la trinchera e invitó a un asistente a hacer el coro para introducir ‘The Reflex’.

Como si eso no bastara, el cantante barrió con cualquier prejuicio que pudo arrancar sus problemas a la laringe el año pasado con un registro irreductible que arrasó en los momentos calmos (‘Come Undone’, ‘Ordinary World’), al igual que cuando las luces indicaban que había que convertir el Caupolicán en una pista de baile (‘A View to a Kill’, ‘Hungry Like a Wolf’, ‘Girls on Film’). Lo mismo para el resto de la banda, que ejercieron la velada sin que hubiera existido el paso del tiempo y nos encontráramos aún en el cénit de su popularidad, cuando en Inglaterra eran bautizados como “los nuevos Beatles”.

Por cerca de dos horas se extendió una nueva presentación de Duran Duran en Chile, y a pesar de que sus mejores tiempos hace rato que pasaron, los ingleses se las arreglaron para armar un show del recuerdo que perfectamente podría estar en el recuento de lo mejor del año.

Steven Wilson – Teatro Caupolicán (18.04.2012)

Jean (Perrojo) Parraguez — Fri, 20 Apr 2012 02:00:31 +0000

Fotografía de Valeska Escanilla para Humo Negro.

Para los que asistieron al concierto de Steven Wilson anoche en el Caupolicán, convertido en un verdadero éxito, estarán de acuerdo cuando se menciona que los buenos augurios no aparecieron con la primera patita a tablero vuelto en el Teatro Oriente, el día anterior. Ni siquiera con el anuncio de su esperado arribo a estas tierras, ni tampoco con el consiguiente agotamiento de las entradas.

La verdad sea dicha, lo ocurrido en este último par de días es una consecuencia lógica de una carrera originada hace casi tres décadas por el artista británico, y que ha surcado las aguas de diversas bandas, cada cual erigida a una cúspide particular, prueba fehaciente de una calidad incuestionable, una inquietud adepta a todos los matices que le ofrezcan y una honestidad libre de cualquier dejo de vanidad. Porque desde el minuto uno, con ‘No Twilight Within the Courts of the Sun’, hasta el bis con dos joyas de Porcupine Tree, Steven Wilson fue un constante clímax visual y musical. Un reto a los sentidos que a nadie dejó indiferente.

Un Teatro Caupolicán con la mayoría de sus butacas ocupadas fue la primera instantánea de que la masividad no es un recurso necesario para trascender. La tela que envolvía el escenario y la lúgubre melodía que la acompañaba fueron los únicos testigos de una ansiedad que crecía por borbotones y que terminó con puntualidad a las 21 horas, cuando cada uno de los músicos que acompañan al inglés hizo arribo a la tarima y desencadenó más de dos horas donde el caos y el orden se enfrentaron una y otra vez, dirigidos por la majestuosa batuta de Wilson.

El músico llegó por primera vez a nuestro país promocionando “Grace for Drowning”, su segunda placa en solitario, editado el 2011, de la que más echó mano. Y las ramificaciones sonoras venían de todos los rincones del recinto –una treta del londinense que pilló desprevenido a buena parte del respetable-, y las atmósferas que eran producidas tanto de los teclados, sintetizadores y guitarras convergían en una concatenación de susurros, gritos, maldiciones y quietud, todo eso elaborado por sólo seis tipos.

Y todo ese torrente, la energía que emanaba devenida en música venía de una banda sin igual. Si bien el foco de toda la atención se lo llevó Wilson, su banda era simplemente deslumbrante e insuperable. Marco Minnemann en batería, el excelente Nick Beggs –de un prontuario impecable que incluye Kajagoogoo y Steve Hackett, entre un generoso etcétera- en bajo y chapman stick, el guitarrista Niko Tsonev, Theo Travis a cargo de los vientos y el tecladista Adam Holzman, fueron el soporte perfecto para un inquieto líder que iba y venía, descalzo, por todo el escenario, quizá pensando que las maravillosas notas no eran suficiente para dejar al público embelesado y rendido.

Con dos muestras acústicas remitentes a Porcupine Tree –las coreadas ‘Lazarus’ y ‘Trains’, finalizó uno de los conciertos más esperados –aunque de manera silenciosa- en nuestro país. Para los que estaban escépticos de la presentación de Steven Wilson en nuestro país sin estar bajo el alero de su proyecto más conocido, fue un tapabocas abrumador. Para los otros, la inmensa mayoría, fue una muestra formidable de arte. En todo el sentido de la palabra.

Mark Lanegan – Centro Cultural Amanda (12.04.2012)

Jean (Perrojo) Parraguez — Sat, 14 Apr 2012 02:00:56 +0000

Fotografía de Praxila Larenas para Humo Negro.

Para muchos, lo de ayer jueves podía ser abordado como un viaje hacia los años ’90, cuando el grunge deslumbraba en buena parte del mundo. Es que Mark Lanegan, al mando de Screaming Trees, marcó pauta con una tanda de excelentes discos, y su presencia en nuestro país serviría para saciar la sed de algunos que todavía ven esos años con un dejo de nostalgia.

Sin embargo, el músico estadounidense no es alguien seducido por los años, y constantemente ha sabido reinventarse. Ahí tienen de ejemplo sus obras con la cantante escocesa Isobel Campbell –“Ballad of the Broken Seas” (2006), “Sunday at Devil Dirt” (2008) y “Hawk” (2010)-, sus colaboraciones con Queens of the Stone Age, Soulsavers, Unkle o The Gutter Twins, que hablan de un tipo inquieto musicalmente hablando y cuya obra más conocida es simplemente un tópico más dentro de su prolífica carrera.

De visita por tercera vez en nuestro país, era la primera en que Lanegan aterrizaba con una banda completa a su disposición. En un abarrotado Centro Cultural Amanda fue la presentación de “Blues Funeral”, disco lanzado en febrero recién pasado. Y la confianza del cantante por su última obra es bastante grande, pues el set de 19 canciones se concentró en su mayoría en ella, con ocho intervenciones, entre las que destacaron el single ‘The Gravedigger’s Song’, ‘Riot In My House’, ‘Quiver Syndrome’ y ‘Tiny Grain of Truth’, con la que se fueron al encore.

Su anterior obra de estudio, “Bubblegum” (2004) dijo presente con ‘Hit the City, ‘Wedding Dress’, ‘One Hundred Days’ y ‘When Your Number Isn’t Up’, que inauguró al concierto. De los entrañables Screaming Trees apareció ‘Crawlspace’, track escindido de “Last Words: The Final Recordings”, largaduración editado este año. De sus primeros pasos como solista estuvo ‘Pendulum’, de “Whiskey for the Holy Ghost” (1994), que arrancó el bis, lo que demuestra los amplios y multifacéticos recursos con lo que Lanegan cuenta para armar su directo.

El lúgubre atuendo de luces que cubrió el escenario durante todo el concierto era un ingrediente más para un ambiente que se vió más contempaltivo que extasiado. Lo que primó fue un público respetuoso, que escuchaba cada nota y cada sílaba de Lanegan que, como es sabido, más allá de un par de agradecimientos y de presentar a su banda, sólo se concentró en cantar. Empero, más allá de su mutismo, el vocalista irradia un potente magnetismo, cimentado en su oscura y misteriosa voz, que mantiene la atención casi hipnótica del público.

Una banda sólida que se acopla perfectamente a los requerimientos del artista en guitarra, bajo, batería y teclados, fue el acompañante perfecto para un concierto que derrochó sobriedad. Mark Lanegan sacó adelante su tarea con lo suyo, sin aspavientos, miradas excesivas al pasado ni excentricidades. Él entiende como pocos que la música es la verdadera protagonista. Y con dicha premisa no eran necesarias otras cosas.

Opeth – Teatro Caupolicán (28.03.2012)

invitad@ — Wed, 04 Apr 2012 23:17:51 +0000

Fotografía de Javier Valenzuela para Rocknvivo.

Bajo la excusa de “Heritage”, su última placa, la banda de Estocolmo vuelve por segunda vez a estas tierras para dar una lección de profesionalismo y ejecución sublime. Pues aunque ha pasado el tiempo y su sonido ha ido evolucionando, dejando atrás las raices del Death Metal, no se puede negar la exquisitez que tiene Opeth en cada canción que ha compuesto a lo largo de sus más de 20 años de carrera.

Eran las 9 en punto y un Caupolicán lleno de chascas y poleras negras con el logo de la banda que estaba por aparecer en el escenario llamaban a coro a Akerfeldt y compañía, y sin un minuto de retraso, hicieron su aparición en el escenario para aclarar que venían a presentar su última placa, abriendo con ‘The Devil’s Orchard’. Los fanáticos no paraban de corear y saltar con este nuevo tema bastante rítmico en su inicio, para luego pasar a ser más progresivo. Luego de esto vino ‘I Feel the Dark’, tercer corte de la placa. Un track algo más tranquilo que el anterior, llevando a un viaje al público a través de los nuevos caminos que está tomando Opeth a través del metal progresivo/melódico.

Luego de interpretar estas dos canciones, Akerfeldt hace sus primeras interacciones con el público. Bastante tranquilo y sereno, agradece el recibimiento y se muestra cómodo, a pesar de ser no ser tan expresivo. Luego, nos invita a evocar más de una década atrás. Empiezan a sonar los acordes de ‘Face of Melinda’ lo cual despierta mucho más a la gente de lo que se podría esperar. Todo el Caupolicán la corea y tararea, bastante nostalgia se siente en el ambiente, especialmente de los más viejos.

Acabado este viaje al pasado, el conjunto empieza su homenaje a Dio. Nos referimos a ‘Slither’, canción de un corte más heavy metal, lo cual es bastante raro de Opeth, pero aún así, logra retener la esencia que tienen los suecos en cada una de sus creaciones, ese sonido oscuro y misterioso.

‘Windowpane’ y ‘To rid the Disease’ dieron unas de las notas altas de la noche. Ambas salidas del primer corte progresivo/acústico “Damnation”, nos llevaba a una especie de introducción al último disco que nos entregan. Perfecta ejecución, un ambiente bastante calido y un público hipnotizado fueron los ingredientes para recordar que Opeth es más que gritos guturales, doble pedales y guitarras distorsionadas.

Seguido de eso, tocan ‘Burden’, escindida de su penúltima placa “Watershed” seguida de una de las mejores de “Heritage”: ‘The Lines In My Hand’, con la introducción de Akerfeldt diciendo “Esta es una de las canciones más complicadas del Heritage, a pesar de que se escuche básica. Nunca le hemos ‘achuntado’ perfectamente a esta, sin embargo esta noche, lo haremos” y así fue, una ejecución perfecta.

Ya para finalizar la presentación de su último largaduración en la noche, tocan ‘Folklore’, en la cual a Akerfeldt se le suelta la correa de su guitarra justo en un corte acústico, lo cual dejó en silencio al Caupolicán, muchos confundiendo el mal pasar con un corte de cuerda o algo por el estilo. El público obviamente apoyó con aplausos y gritos al líder por aquel bochorno, para continuar con el corte acústico sin pena y con mucha gloria.

La noche avanzaba, y si bien, muchos entienden que Opeth ya no es la misma banda, todos esperabamos ansiosos escuchar los gritos guturales de Akerfeldt, algunos para verificar realmente como podía pasar de cantar melodicamente a gritar sin problemas. Y se dio la oportunidad: ‘The Grand Conjuration’ y ‘The Drapery Falls’ cerraron la noche de manera espléndida, una ejecución sublime y un vocalista que superó las expectativas.

Luego de eso, la banda se retiró del escenario, como es habitual, para luego volver a realizar el encore pero sin antes presentar a los miembros de la banda, lo cual incluyó un solo de guitarra de Fredik Akesson, con lo cual no dejó en claro porque Michael lo llamó en sustitución de Peter Lindgren.

Luego del virtuosos solo de guitarra, Michael nos dice como introducción a la última pieza de la noche: “Es una buena canción para que la escuchen sus pequeños hijos antes de dormir”, lo cual hace poner en marcha a una de las canciones íconos de la banda: ‘Deliverance’. Un Caupolicán vuelto loco coreando cada estrofa de esta pieza maestra.

Un balance positivo para el segundo show de Opeth en Chile, sin embargo, debemos comprender que no nos debemos aferrar al pasado, olvidémonos de ‘Black Rose Inmortal’ o ‘In Mist She Was Standing’, y quien sabe, para el próximo show, olvidémonos de las voces guturales, pues como todo debe ser en la vida, Opeth está avanzando a otros niveles musicales, y más que mal, eso es lo que gusta a cada músico de verdad. Ya vimos el ejemplo con “Heritage”, veamos que sorpresa (espero que agradable) nos traiga Opeth a la copia feliz.

Por Nicolás Vergara.

Lollapalooza Chile 2012: Impresiones

unonuevedos — Tue, 03 Apr 2012 23:07:14 +0000

Y así terminó la segunda versión en nuestro país de Lollapalooza. En los dos días que duró el evento se confirmó a Chile como una segura plaza para realizar eventos de esta magnitud. Y las cifras no son antojadizas, ya que hablamos de más de 120 mil personas que llegaron al Parque O’Higgins para asistir a un fin de semana que, en lo musical, tuvo de todo.

Desde el rock de viejo cuño encarnado en Band of Horses y Joan Jett; un escenario Perry’s atestado para ver en acción a Calvin Harris y Skrillex; la decepción que fue lo de MGMT; el desmadre que formó Gogol Bordello y hasta la multitud que movió el coolo y todo lo demás cuando Illya Kuryaki and the Valderramas oficializó su reunión en Chile, son sólo algunas de las postales que nos dejó este enorme evento. Hasta el próximo año.

Armada Chilena, otra vez cumpliendo
Por segundo año consecutivo, la organización se la jugó por un atinado contingente de artistas nacidos en el país. Clásicos incombustibles como Inti Illimani Histórico, Electrodomésticos y Los Jaivas, merecidas ovaciones a los actos de BBS Paranoicos, Camila Moreno, La Mala Senda, Dion, Fernando Milagros y Los Tetas –que debieron, a todas luces, haber tocado en uno de los dos escenarios principales- son sólo algunos ejemplos del buen pie de la actividad en Chile, dejando claro que la inclusión en la nómina no fue un mero saludo a la bandera, sino que una consecuencia lógica y bien recibida.

31 Minutos: la niñez no tiene fecha de vencimiento
Más de alguno pudo elucubrar la posibilidad –ya que estaban programados para los dos días-, pero lo de 31 Minutos en el Kidsapalooza fue un sorprendente exitazo en toda regla. Un espacio reservado sólo para niños se vió abarrotado de personas de todas las edades, ansiosas de ver en acción a Juan Carlos Bodoque, Tulio Triviño, Huachimingo, Patana, entre otros, que disfrutaron de principio a fin la truncada historia para tener a Gorillaz, que resultaron ser gorilas. Una hilarante historia que prueba el fuerte arraigo que el programa creado por Pedro Peirano y Álvaro Díaz creó en la gente.

Björk: la hechicería está intacta
Tercera ocasión en el país y la islandesa sigue concitando un enorme interés. Con “Biophilia” promocionándose, Björk dió una clase de calidad y equilibrio la noche del sábado en el Claro/LG Stage. Combinando sus más recientes muestras como ‘Cosmogony’ y ‘Crystalline’ junto a clásicos de la talla de ‘Jóga’, ‘Hunter’ y el espectacular cierre con ‘Army of Me’, la solista mostró un ejercicio de vigencia que ya se querrían algunos contemporáneos.

Arctic Monkeys: Demasiada sobriedad
Era uno de los números fuertes del cartel, y una banda esperada en Chile casi desde su aparición con su potente debut “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not” (2006). Finalmente Arctic Monkeys pudo decir presente con una correcta performance. Sin embargo, la sólida ejecución de los británicos contrastó con su frialdad en la comunicación con el público, pese a los agradecimientos de Alex Turner. El cuarteto cumplió, por supuesto, aunque algo faltó.

Foo Fighters: De dulce y agraz
Era el show que todos querían ver. Luego de siete discos de estudios y una larga lista de éxitos, Foo Fighters por fin debutaron en Chile. Premunidos del excelente momento que pasan, el combo de Dave Grohl mostró en Chile un set a prueba de balas frente a las más de cincuenta mil personas que llegaron desde temprano el domingo 1 de abril para agarrar un buen lugar. Empero, las enormes expectativas para la banda tuvieron que lidiar con los constantes problemas de sonido y volumen que experimentó la presentación, pero que no menguó en ningún momento el entusiasmo y la entrega tanto del público como de los artistas. Si hay una imagen para enmarcar lo que se vivió en este Lollapalooza 2012, sin duda que acá se encontró.

Foto: Francisco Guerrero
Texto: Jean Parraguez

Junior Boys + Flight Facilities (Espacio Broadway 10.03.2012)

Ignacio Lara — Tue, 20 Mar 2012 18:28:16 +0000

El pasado 10 de marzo agarramos nuestras cosas y nos fuimos hasta el sector de piscinas de Espacio Broadway para irnos de viaje con Flight Facilities y Junior Boys. ¿La idea? Grabar para un nuevo proyecto que pretende mostrarles todo lo que pasa dentro de los eventos, donde tanto nos gusta ir de manera rápida y casi vivencial, mucho mejor que leer un review en texto.

Esta vez estuvimos con Nico Castro, uno de los dj de la fiesta organizada por Club Fauna y locutor del programa El Gran Escape en Radio Horizonte. También compartimos con Flight Facilities en un inglés que ustedes mismos podrán juzgar.

Esto es el primer capítulo de On Stage, un programa que pronto irá creciendo más y que podrán ver por las pantallas de sus computadores cada vez que sintonicen 192. Esperamos sus comentarios al respecto.

John Zorn – Teatro Caupolicán (14.03.2012)

Jean (Perrojo) Parraguez — Sat, 17 Mar 2012 19:45:47 +0000

Video y fotos de Betania Álvarez

De lo bueno, poco. Porque la escasa hora y diez minutos de concierto que desfiló anoche en el Teatro Caupolicán era para quedarse, por lo menos, su buen par de horas más disfrutando la exhuberante y efectiva sesión de John Zorn.

Un hombre conocido en los pasillos de lo que es el avant-gard y el jazz de corte más experimental, el músico estadounidense arribó al escenario premunido de una de sus bandas más renombradas, como lo es Masada. Y sus cerca de cuarenta años de carrera cobran un peso que es muy difícil de soslayar.

Acompañado de sus históricos acompañantes, Zorn ejecutó una clase magistral en que la improvisación e innovación hacían buenas migas con una apabullante calidad. El oriundo de Nueva York comandaba un cuarteto fuera de serie, destacando Dave Douglas en trompeta, con quien Zorn intercambiaba sabrosos e inapelables duelos, como ocurrió en ‘Tharsis’, corte que inauguró la velada.

Además del tándem recién nombrado, Greg Cohen se ocupó del contrabajo y Joey Baron -que ha trabajado con nombres tan disímiles como Michael Jackson, David Bowie, Laurie Anderson y Dizzie Gillespie- en la batería. Con todo, era siempre Zorn el líder natural, que en canciones como ‘Beeroth’, ‘Hath Arob’ y ‘Rathiel’, ordenaba con gestos desatar la tormenta, apaciguarla, o permitir el lucimiento de cada músico.

John Zorn armó su propia celebración, donde lo urgente, lo no preparado y la sorpresa se juntaron para el deleite del público. Un privilegio rotundo.

[Haz click aquí para ver el vídeo directamente en 192]

Festival Neutral – Centro Cultural Gabriela Mistral (10.03.2012)

invitad@ — Tue, 13 Mar 2012 16:53:40 +0000

Foto de Festival Neutral 2012 por siderakis flickr

La imagen de Gepe dejando su puesto en la batería de Caravana para preparar su show puede resumir lo que ocurrió la tarde del sábado 10 en el Centro Gabriela Mistral: un constante ir y venir entre los escenarios dispuestos en el recinto y las colaboraciones de los músicos en sus presentaciones marcaron la edición 2012 del Festival Neutral, organizado por el sello chileno Quemasucabeza.

Una jornada que comenzó cerca de las 16 horas con Mini Neutral, segmento que se llevó a cabo en la tienda Puma Lab y que estuvo dedicada a los niños con las presentaciones del DJ “Panchito Cabrera”, un set acústico de Gepe y la actuación de Los Pulentos.

A medida que avanzó la tarde, el GAM fue sumando público -en total asistieron cerca de mil personas- que rápidamente llenaron los diversos espacios dispuestos por Neutral: la intimidad de la sala A1 se complementó perfectamente con la delicadeza y humanismo de la música del argentino Coiffeur, el invitado internacional que volvió a Chile para presentar su amplia trayectoria con temas como ‘Qué mala suerte’ y ‘Cataratas’, mientras en el Patio el escenario se disponía para Fernando Milagros, quien desplegó un set enfocado en el exitoso “San Sebastián” (2011), además de dedicar el nuevo tema ‘Carretera Austral’ a Aysén y aprovechar de filmar por su cuenta parte del videoclip del single ‘Piedra Angular’.

En Puma Lab el pop fresco de Fakuta hacía vibrar a un centenar de personas, mientras en el Patio el dúo sanfelipeño Dënver presentaba sus credenciales que lo han llevado a convertirse en uno de los referentes nacionales en el extranajero, interpretando ‘Diane Keaton’, ‘Lo que quieras’ y ‘Los adolescentes’, entre otros temas.

En la intimidad de la sala A1, Rodrigo Santis acompañado por Gepe, Pedropiedra, Fernando Milagros y Felicia Morales mostraba su proyecto Caravana, con el cual a mediados de 2011 presentó un nuevo capítulo dentro de su inquieta trayectoria musical, y que gracias al aporte del trabajo de los restantes nombres concretó uno de los álbumes más destacados del año pasado.

Avanzada la tarde, y mientas en Santiago aparecía una inusual lluvia acompañada de una tormenta eléctrica, Gepe subió al escenario del Patio acompañado de Pedropiedra y Felicia Morales para interpretar éxitos como ‘Salón nacional de tecnología’, ‘Alfabeto’ y ‘La ventana’, además de presentar dos temas nuevos, ‘Platina’ y ‘Con un sólo zapato no se puede caminar’, e interpretar el cover ‘Maestro Distorsión’, original de Astro.

Ya finalizando la jornada, Gepe dio paso a Pedropiedra para cerrar el Neutral 2012 con una potente presentación en la que no faltaron canciones como “Las niñas quieren…”, “Inteligencia dormida” y “Vacaciones en el más allá”, además de una particular versión de “Mucha experiencia” de Los Pericos.

Con cerca de seis horas, el Festival Neutral 2012 se convirtió en uno de los eventos más importantes de la música local, reuniendo a destacados exponentes de la escena independiente nacional y que ya pretende sumar nuevas versiones luego de esta exitosa versión.

Por Javier Núñez.

Roger Waters – Estadio Nacional (03.03.2012)

Jean (Perrojo) Parraguez — Tue, 06 Mar 2012 02:50:14 +0000

Foto de Javier Valenzuela para Rocknvivo.

Cuatro ciudades –Los Angeles. New York, Dortmund y Londres- repartidas en dos años de esporádicos conciertos fue el tour promocional de “The Wall”, que a principios de los años ’80 casi lleva a la quiebra a Pink Floyd, dejando a miles de seguidores sin ver a la banda. Y con eso, el mito que se tejió alrededor de dicha obra fue caldo de cultivo para muchos que anhelaban vivir la experiencia.

Y ni siquiera el apoteósico show ofrecido en la Potsdamer Platz de Berlín en 1990, ni el lanzamiento del disco en vivo “Is There Anybody Out There?, The Wall Live 1980-1981” pudieron aplacar la ansiedad para verlo en vivo. Y durante el recién pasado fin de semana, Chile fue testigo de un pedazo de la historia del rock mundial de la mano del cerebro tras el concepto “The Wall”, Roger Waters.

En su tercera incursión en el país y ante un Estadio Nacional repleto, el histórico bajista de Pink Floyd vino premunido de su obra más personal y no defraudó. Fue algo imposible de describir con suficiente elocuencia. Una maravilla, un grito anti bélico –teñido de una encomiable humanidad-, escondido entre las paranoias y dudas de un artista con muchos episodios personales que arrastra desde la niñez.

A las 21:30, las luces se apagaron y los primeros engranajes comienzan a trabajar. Los acordes de ‘In The Flesh?’ suenan y todo lo que antes se conoció como “sentido del espectáculo” se fue al tacho de la basura. Caos sónico, en la que balas, bombas y terror venían desde todas partes del recinto, y la trinchera desde el escenario no invitaba al refugio, sino al pánico, de la mano de fuegos artificiales, consignas y un avión que se estrellaba frente al muro. Nunca hubo un comienzo más espeluznante.

El recuerdo del padre de Roger Waters –al que nunca conoció ya que murió en la Segunda Guerra Mundial- era una referencia que aparecería a lo largo de la obra. ‘The Thin Ice’ da el siguiente paso con su fotografía y el de muchos otros soldados y personas que han perdido la vida en conflictos en que los verdaderos instigadores nunca dan la cara y ven la sangre correr desde sus escritorios.

La tríada a cargo de ‘Another Brick In the Wall, part I’, ‘The Happiest Days of Our Lives’ y ‘Another Brick In the Wall, part II’, fue largamente esperada. Un enorme profesor cuyos ojos miraban amenazantes a la audiencia, pero que fue desafiado por el coro de niños que portaba la decidora leyenda “Fear Builds Walls”, mientras que, en completo silencio, el muro iba armándose ladrillo a ladrillo. Un momento que fue aplaudido a rabiar.

‘Mother’ contó con las primeras palabras de agradecimiento de Waters, al dedicar el show al icónico Víctor Jara y a todos los desaparecidos. Mezclando su voz –que estuvo excelente, pese a la edad- e imagen con la del Waters de 1980, alcanzó enormes cuotas de emotividad al plasmar todas las insegurirdades del mundo en la confianza de la madre –a todas luces, una referencia a lo que son los gobiernos hoy en día-, cuyas preguntas encuentran respuestas.

No todo fue música, y el muro no era un espacio en blanco. A medida que se iba construyendo, sucedían las imágenes -de una calidad y definición aplastante que pulveriza para siempre cualquier pantalla que traiga cualquier artista en el futuro-, a cargo del eterno colaborador de Waters, Gerald Scarfe. Aviones que bombardeaban con símbolos corporativos y económicos a la gente en ‘Goodbye Blue Sky’, las flores haciendo el amor en ‘Empty Spaces’, sirven de puente para enfatizar las palabras que el inglés cantaba.

“The Wall”, además de un potente discurso contra la guerra, es una crítica a la incomunicación entre las personas, síntoma que no ha hecho más que fortalecerse con la innovación tecnológica que nos ha alejado más como seres humanos. ‘One of My Turns’, ‘Don’t Leave Me Now’, ‘Nobody Home’ va por ese lado, en que el éxito no es un domo de placer, sino más bien un semillero de seres androides sin sentimiento alguno, provocando el aislamiento. Cuando termina la primera parte del show con ‘Goodbye Cruel World’, y la pared termina de ser formada, hay también un simbolismo muy marcado y evidente. Roger Waters ya abrazaba esas banderas con lo siguiente:

“El film dice lo malo que es aislarnos de los demás, tener miedo a los demás. Y hay gente que ha criticado tanto la película como el disco diciendo que las cosas no son tan terribles en la realidad. Otros dicen que el problema de la incomunicación es tan obvio que no constituye un buen tema para hacer un disco o una película. Yo pienso que las cosas si están muy mal en ese sentido, y que si vale la pena denunciarlas una y otra vez”.

Fue en 1982, con el estreno del film dirigido por Alan Parker, cuando el bajista dijo aquellas palabras, y lamentablemente no se equivocó y fue una premonición para lo que experimentamos hoy día. La supuesta mejora no ha traído ninguna cuota de fraternidad, y la pregunta por nosotros –‘Is There Anybody Out There?’- queda en el tintero en pos del llamado progreso –‘The Show Must Go On’-.

Roger Waters fue un visionario que atisbó desde lejos esta época. Con pequeñas llamadas de auxilio personificadas en la emotiva hasta las lágrimas interpretación de ‘Comfortably Numb’ y la angustiosa ‘Stop’, graficó la opresión –‘In The Flesh’, ‘Waiting for the Worms’-, y demonizó la guerra con ‘Bring the Boys Back Home’ y ‘Vera’, que fue apoyada por imágenes que retrataban el regreso de los soldados y la consiguiente sorpresa, alegría y emoción de sus hijos pequeños.

El dramático desenlace con ‘The Trial’ y la espectacularidad sónica de ‘Outside the Wall’, en que el muro comienza a derrumbarse fueron las partes finales del show más espectacular visto en Chile. Pero más allá de todo el aparataje tecnológico y la abrumadora perfección de su sonido, el mensaje humano que entrega la obra es más importante que todo lo anterior. “The Wall” no es una llamada de atención, sino que una invitación a la unión –no visto como un panfletario hippie- y a abrir los ojos y que los muros que nos aprisionan puedan caer también.

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