El sonido de “banda” es ahora más presente que nunca, suenan baterías con panderos sobre hi-hat y guitarras que podrán hacer un poco más amena la tarea de escuchar líricas interminables del tono característico de NYC. Ahora cruzan a la vereda de enfrente para dejar atrás el trabajo soul con John Legend (Wake Up! 2010), la dureza del “How I Got Over” (2010) para pasar a un plano más abierto y menos explorado, la contextualización narrativa/musical.

Con dos tracks introductorios se llega al single “Make My” (feat. Big K.R.I.T.). El track es ícono y con él podríamos explicarle a cualquiera que no está familiarizado con Undun, el tono, la calidez de los instrumentos, el uso del MOOG y lo tranquilo del disco que poco a poco está abriéndose. Luego vendrá “One Time” junto a Phonte y Dice Raw, parece que requerían muchas mentes de productores para verse bien horneados, de lo contrario este disco sería un postre ejecutado en licuadora con materias primas básicas ya utilizadas en los trabajos anteriores.

Pobre el personaje de Redfor Stephens, un chico pobre de Philadelphia que pasa a ser víctima del tráfico de drogas, baja sus defensas y se entrega a sus días finales, cada línea de lírica es una pala de tierra sobre su cajón.

“Kool On” (feat. P.O.R.N) es mi segunda favorita después de “Make My”. Es repetitiva, tiene coros de varios cantando, un solo de guitarra persistente y un Tariq Trotter con el flow desbordante. Es un track bueno para andar trayendo en el auto. Aquí el trío de voces que sostienen Undun (Truck North, P.O.R.N., Dice Raw) se ve como patrón exitoso ya utilizado en “Rising Down” y “How I Got Over”.

Casi evangelizadores los track “The Other Side”, con mucha presencia de teclados y un final (spoiler alert) down tempo inesperado. Puede que a esta altura “Stomp” se deje ver como persistente pero el pandero en la batería ya me tiene un poco cansado como recurso. Dos minutos de canción que pudieron haberse ahorrado.

“Lighthouse” me recuerda la vieja escuela, de seguro esa base de batería trabajada para sonar desgastada es lo que me gusta, el bajo apañado y casi todo suprimido para darle lugar a las voces y un coro pintado para single. Luego del viaje al pasado llega “I Remember”, con una producción futurística que incuye voces femeninas y un trabajo de cuerdas en violines de gran impacto para la creación de atmósfera bajo la producción de Khari Mateen.

Luego del décimo track “Tip The Scale” feat. Dice Raw quedaremos a la merced de 4 secciones instrumentales a cargo de Sufjan Steven en las teclas, también inesperadas y que presentarán a The Roots casi como una banda de jazz alternativo con pianos protagonistas de una historia tejida a cuerdas, “Will To Power” casi me hace pensar en TV On The Radio y otros aún más experimentales. Fuera de esto el resumen vendría siendo algo como unas 3 canciones candidatas a singles y dejando el resto ejercicios de experimentación narrativo. La banda parece estar llena de inspiración y que saquen casi dos discos por año será algo que agradeceré sí o sí.

Questlove dice que esto es un reflejo de vida, que casi toda la familia de Tariq ha sido de alguna u otra forma la víctima, como Redfor Stephens, Tariq fue uno de los que pudo afrontar al barrio y conseguir escapar. Sin duda la línea de las letras le llegan duro hasta el corazón, incluso más profundo que a cualquier otro miembro de la banda. Es por eso el ímpetu con que se presenta la voz líder de The Roots en Undun, su décimo tercer disco.

Entre los invitados, podemos señalar a artistas como Aaron Livingston, Big KRIT, Phonce, Dice Raw, PORN, Truck North, Bilal y Sufjan Steven.

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El álbum de 12 canciones abre con Ciervos, canción que la banda ya había regalado para que toda su fanaticada descargara y viera el video cuanta vez quisiera. En ese primer corte ya queda evidenciada la calidad técnica que tiene el disco, tarea que había quedado pendiente en el EP debut. Luego tenemos Coco, que se instala como esta clase de nueva música bailable con destacables teclados y secuencias ochentenas. Es un retrato de lo que muestra Astro en este disco.

En el tercer track ya se tira toda la carne a la parrila. Colombo es el mejor tema tejido de las manos de Andrés, Lego, Octa y Zeta. Un tema con esas letras sicodélicas llenas de animales que solo Astro sabe hacer. Un pequeño interludio baja las revoluciones de la pista de baile como una suerte de pausa en Druida de las Nubes para descansar y después volver con el ataque de los teclados destellantes y unos toques de ukelele en Panda, una de las favoritas del staff de este humilde blog.

Manglares es otra canción que nos recuerdas esos movimientos tiesos de hombres con hombreras de los ochenta con sus jopos y baterías digitales. Mira, Está Nevando en las Pirámides. No, no es para que miren. Es el nombre de una de las canciones. Tal vez la única donde hay un abuso de los teclados y la voz de Nusser se escucha con menos fuerza de la que estamos acostumbrados, porque, todos lo tenemos claro. Esa voz aguda es de las grandes características de Astro.

Es en ese momento donde los puntos altos del disco se terminan. Después sólo nace la pregunta “¡¿qué le hicieron a Pepa?!”. El tema que ya conocíamos en su versión acústica con ukelele y una naturalidad campestre dejó de serlo para volverse una versión digital electro ecléctica. Si me preguntan, ya no me gusta, cosa de gustos.

A pesar de que el disco tiene varios temas a destacar que contienen la esencia de Astro, vemos que mostraron una importante renovación y dedicación del sonido del cuarteto de chilenos, hay otros que sobran. Miu-Miu en sus dos partes se aleja de todos los posibles singles que podría tener el disco y pasan a ser un accesorio poco agradable de la placa. De Nueces de Bangladesh solo puedo decir: too much sonido espacial to be true. Fue el momento en que las extrañas letras dejan de sentirse naturales y se siente que se esforzaron para seguir haciendo locuras líricas.

En general es un buen disco. Con fuerte proyección internacional gracias al trabajo de las presentaciones realizadas durante el 2010 siendo un refresco con muchos hielos distinto y en pro de la innovación sonora. A mi opinión, definitivamente lo tendría en mi iPod. Si les interesa descargarlo, puede pasar por aquí.

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La banda conformada por Felipe Alegría en voz y guitarra, Rodrigo Carvajal en bajo y coros y Sebastián Fuentes en batería, va un paso más allá en sus posibilidades, presentándonos un trabajo bien elaborado, con líricas que funden la crítica social con un aparente estado de desesperanza y un sonido sorprendente y genuino, obra de la dupla Daniel y Ángelo Pieratinni, que estuvieron encargados del registro, mezcla y masterización del elepé.

El álbum arranca con ‘Ciudad’, una canción oreja, bien estructurada y que puede ser un potencial single. Le sigue ‘Revólver’, que con una inquietante letra acerca de lo que parece ser un criminal y un desenlace poderoso, funciona como excelente track, que da paso a ‘Últimas cosas’, canción con tres partes distintas bien hilvanada  y potente. Pocos minutos y llegamos al primer single promocional, que tal como el disco, lleva por título ‘Una piedra resiste en mi lugar’. Una intensa canción, que habla fuerte y claro acerca del histórico conflicto mapuche, con un intermedio que se suma bien a la totalidad sonora de la composición.

El quinto track es de lo más destacado del disco. ‘Caes’ es una lenta canción que con su propuesta sonora nos evoca a lo más etéreo de Pink Floyd, pero con una simpleza que pasa a ser una característica dentro de Piedra. Le sigue ‘Déjame atrás’, que con su riff de estadio se gana su espacio desde un  principio. Mención aparte para el solo final de guitarra, poco ortodoxo pero efectivo y orgánico.

‘Palabras’ es la canción más acelerada del disco, una interesante fusión entre música alegre y letra depresiva. Le sigue ‘Nada que hablar’, track que parece estar grabado en 1967, con una humareda en el estudio. Hard rock con un toque de sicodelia, con un “tufillo” a Hendrix en toda su extensión. Tras ella, ‘Lo peor’ viene a ser de lo más pesado del álbum, con una lírica que a primera vista parece ser sincera y personal.

Y llegando al cierre de este LP, llegamos a ‘Niebla’, una canción atípica, con partes periféricas que parecen corales y un intermedio potente, rockero e intenso. Empieza con el sonido de una tabla india, interpretada de buena manera manera por Sebastián Fuentes, al más puro estilo de ‘Within you, without you’ de The Beatles, con una guitarra sencilla y precisa. Aparecen los versos, cantados por una multitud y la aparente calma se rompe con un intermedio rockero y potente, con un solo de teclado al más puro estilo Jaivas y con unos versos poéticos clamados hacia el final por Rodrigo Carvajal. Hacia el final vuelve la calma, emerge el elemento oriental nuevamente y la canción se aleja paulatinamente, dando por terminado el disco.

“Una piedra resiste en mi lugar” viene a marcar el inicio de una aparente madurez de Piedra, un crecimiento incuestionable en sonido, letras y composiciones, encumbrándose como un interesante lanzamiento dentro de este 2011. Nos obliga a quedar atentos a los pasos que dará la banda para seguir con su alza.

Por Ignacio Rey Keim.

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Bajo el seudónimo de Corderolobo, Vargas nos introduce en un viaje que tiene mucho de la contradicción que almacena su nombre. Ocho son las canciones que surcan la cerca de media hora, y todas cargan una sensación ineluctablemente dolorosa, que adoptan diversas maneras de expresar ese estado.

Desde ‘Lo Que Veían Venir’ hasta el desenlace, con ‘Más’, Corderolobo hace gala de una característica dispersa que muchos envidiarían, ya que logra demostrar dominio de varios instrumentos sin exacerbar su uso, y se desmarca de cualquier prejuicio al querer llevar la música a la dirección que su intuición le dicte. Ahí está el sampleo a Beck –alguien con quien Vargas podría ser comparado sin ningún problema- en la futurista ‘Comino’, pero también llenar el ambiente de sombras en ‘El Ruido’, o usar el aparataje electrónico al servicio de la guitarra acústica parte de ‘Congleados’.

Más allá del hermoso libro que engalana el disco, que le otorga varios puntos en materia de comercialización, y que funciona como un complemento a la imaginería que destila Carlos Vargas en su debut como solista. Un tipo que busca delizadeza por sobre estridencia, que no rellena ni atiborra de sonidos inentendibles su material, sino que encuentra en lo frugal la materia prima de sus creaciones, lo más hermoso es posible encontrarlo en lo menos indicado, en un momento sorpresivo, desprovisto de cualquier adorno, no en lo ostentoso. Corderolobo sintetiza esa sensación en ‘Congelados’, donde sentencia que “La simpleza se hace querer”. Nadie pudo decirlo mejor.

Autoedición.

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La diversidad sonora, a veces marcadamente opuesta entre un track y el siguiente, sobretodo por la inflexión que marcan los interludios , hace que “Entre Ángeles y Demonios” se desarrolle de manera pausada, y quizás esto se debe en gran parte a que el viaje que ha implicado este disco ha sido largo para la dupla creativa que constituye la esencia de esta banda, compuesta por César Ascencio (guitarrista, tecladista) y Jimmy Fernández (voces), acompañados en esta ocasión por uno de los mejores bateristas de Chile, Cristóbal Orozco. En efecto, dos años completos abarcaron la producción de este LP, incluyendo varios cambios en la formación de la banda, y las grabaciones también se desarrollaron en igual período de tiempo, labor facilitada por la circunstancia de que César es propietario de un estudio profesional (Bolchevique Records) que está a su entera disposición. La inexistencia de límites temporales sin duda dio lugar a una dedicación y obsesión por los detalles, que los ha empujado a tomar una decisión audaz: crear una obra que se siente dedicada a ellos mismos y no a un público en particular.

El mayor logro que trasunta este larga duración es la definición de una sonoridad propia, sin importar los recursos técnicos o la clase de instrumentos que se utilicen. Las guitarras, que en el pasado gozaron de un rol principal (y que siempre han sido utilizadas con gran manejo), han mutado hasta convertirse en un elemento más casual, que cobra preponderancia esporádicamente, sobretodo en las canciones más rockeras. Son los instrumentos como el piano, sintetizadores, hammond, cello, contrabajo o violines, los invitados a asumir el protagonismo y aportar variedad y diversificación. Un manejo pulcro de las herramientas técnicas (véanse las amplias experimentaciones que reveló César a través del blog dedicado a la grabación), y una mezcla final que apuesta por un sonido más identificado con las producciones pop, resultan en un larga duración con una impronta propia y auténtica, donde se han dejado la piel para demostrar sus capacidades musicales, pero mucho más importante, que la honestidad y la expresión visceral son motores potentísimos para una banda de rock.

Las más de las veces, un trabajo tan apegado al alma del músico resulta en una experiencia fascinante para el auditor, y “Entre Ángeles y Demonios” no es la excepción.

Recomendadas: la magnífica y energética “El Puñal” (gran arreglo de cuerdas y cambio final); los beats up – tempo de “Bajo Fuego”; y la preciosista pieza pop “Como un Sueño”.

Entrevista

192: ¿Por qué decidieron dividir el disco en una mitad rock y otra “experimental”?
César: Es algo que fue naturalmente haciéndose evidente al momento de ir componiendo. Si la idea principal partía del piano, la canción se quedaba en una canción de piano; si partía de la guitarra, se desarrollaba desde ahí. Siempre partimos la composición de un nuevo disco sabiendo que queremos que sea distinto al anterior, así que optamos por dejar de lado el tipo de canción “híbrido” que habíamos cultivado en los discos anteriores, en pro de hacer canciones directamente de un tipo o de otro. El que volviéramos a trabajar solos en el estudio el Jimmy y yo, también nos dio la libertad de experimentar muchísimo con sonoridades e instrumentos que antes solo considerábamos como adornos. Llegó un momento en que llegamos a tener como 40 canciones, así que tuvimos el material suficiente como para equilibrar bien el disco en general y darle una forma y desarrollo coherente para que fluyera en su totalidad. También hubo mucho de explotar nuestras capacidades al máximo en base a las distintas facetas que disfrutamos de la música. Yo creo que este disco es el que más se conecta a nuestro background musical personal, que no es solamente rock.

192: ¿Cómo afectaron los cambios en la alineación el proceso de composición del disco?
C: Creo que la única forma en que afectó fue en cuestiones de logística al momento de tener que concentrarse en el estudio a trabajar. De cierta forma el proceso compositivo ha sido en esencia el mismo desde los inicios y con el tiempo ha pasado por distintas etapas o estados. El disco pasado fue súper trabajado de ensayos por lo que prácticamente entramos a registrar las canciones, lo que hizo que el proceso fuese bastante rápido. Esta vez el disco fue prácticamente compuesto y registrado simultáneamente, y el hecho de pasar por estos cambios de alineación de cierta forma nos jugó más a favor que en contra. Con el disco pasado tocamos y lo promocionamos bastante, lo que obviamente nos limitó al momento de dedicar el tiempo para componer y terminar las canciones en los ensayos, así que sabíamos que este disco iba a requerir mucho más trabajo y dedicación en el estudio… y con esa presión, no todos los músicos responden de la misma forma. Simultáneamente, Jimmy y yo – que hemos sido siempre los más trabajólicos y nunca paramos crear cosas nuevas – fuimos desarrollando una idea y concepto súper claros en cuanto a lo que queríamos para el nuevo disco, así que encontrarnos en un momento con la batuta prácticamente en un 100% en nuestras manos, fue positivo para lograr exactamente lo que teníamos en mente al crear.

192: ¿Cuáles son sus expectativas concretas con este nuevo disco?
C: Tocar harto, ojalá viajar lo más posible a mostrar el disco en sus distintas facetas en lugares que no hemos ido antes, y estrujarlo lo más posible para que llegue a la mayor cantidad de oídos posible. Tengo una visión súper regional en cuanto al trabajo de las propuestas artísticas y ojalá logremos concretar ediciones del disco en otros países. Ya sabemos que tenemos un buen nicho en Colombia y México… y espero que la próxima vez que viajemos a estos lugares lleguemos con el disco editado en ellos.

192: ¿Qué opinan de la escena musical actual en Chile? ¿Por qué va tan poco público a los conciertos de bandas nacionales independientes?
C: Chucha… (sic) es un tema pelúo (sic) y creo que son tantos los factores involucrados en el estado actual de la escena musical local, que me puedo poner latero a full…. Pero a ver… musicalmente siempre he considerado que estamos en un muy buen nivel y ponerme a reclamar por la falta de espacios de difusión que se le da al rock chileno en las radios o en la prensa en general está demás… Creo que hay una muy prolífica producción discográfica local (salen muchos discos) y hace rato que las bandas entendieron que lo mejor es la autogestión, cosa que es muy buena, pero por otro lado como que grabar un disco se ha convertido en algo tan fácil que te enfrentas a propuestas que en vivo no funcionan ni con los oídos tapados y te das cuenta que sus discos son más falsos que culebra con orejas. Yo soy de los que siguen pensando en que sí importa tocar bien para hacer un disco y veo que eso no siempre se da. Es una visión bien personal, pero me encantaría que las bandas fueran capaces de defender sus discos tal cual arriba del escenario. También considero que la mal llamada “prensa especializada” se ha dedicado a ensalzar propuestas que no son autosustentable y se apoyan en factores extras mas que sostenerse por si mismas.

Sobre la convocatoria a conciertos… mmm… hartas cosas… sobredosis de conciertos extranjeros; se ha mal acostumbrado al público que va a tocatas a meter 10 bandas por concierto lo que ha bajado la calidad de los shows locales. Lo que personalmente me parece una aberración es cómo las bandas tributo han acaparado un espacio que moralmente debería pertenecer a la música original, en esto tienen culpa tanto las bandas como los locales, productores y el mismo público que apoya esta forma fácil y rasca de conseguir éxito en los eventos.

Por último, nos guste o no… el chileno promedio es flojo y frente al mínimo obstáculo al momento de ir a un show, se queda en la casa… “total ya irán a tocar de nuevo…”

En todo caso, yo soy de los porfiados que sigue creyendo en que hay que hacer eventos de calidad y las bandas deben preocuparse de hacer el mejor show que puedan, aunque les toquen a 10 personas y salgan para atrás como maikol (sic).

192: Luego de casi una década de trayectoria, ¿Cuáles son los hitos de la banda y qué objetivos se plantean a futuro?

C: Que gracias a tu música puedas viajar a otros países y encontrarte con gente que no sólo escucha, sino que la siente como nosotros. Yo creo que ha sido algo súper importante e influyente en nuestra carrera. Creo que con el tiempo conseguimos desmarcarnos de un estilo determinado, y hemos logrado mantenernos haciendo lo que queremos y de la forma que queremos. Cada logro, grande o pequeño, ha tenido detrás mucho trabajo y esfuerzo, y creo que nuestro principal motor es mantener la misma pasión por nuestra música que teníamos cuando partimos.

192: Muchas gracias por tomarse el tiempo para atendernos y suerte en todos sus proyectos futuros.

+ info: http://www.librasite.com

Jorge Vega Cancino.

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La decisión por el cambio en una banda a veces es consciente, pero en otras ocasiones es algo que se produce naturalmente. Cuesta decidir cuál de los dos procesos ocurrió en el caso de este sexteto santiaguino, pero hay una tendencia a mutar ropajes, y el principal factor a considerar es el largo tiempo que abarca la composición de esta placa, donde las influencias musicales son múltiples y se distingue más de una mano autora detrás de las canciones. En ese contexto, la unificación del concepto musical es compleja, permitiendo encontrar pinceladas de varios estilos, todos aunados en torno al nü rock (o cualquiera denominación similar que quieran utilizar). Ciertamente se vislumbra una transición y una búsqueda, con momentos muy logrados, pero también hay bastante experimentación, reforzado esto último por las numerosas colaboraciones de músicos invitados.

La base bajo – batería es intensa y de líneas sencillas. La mayor parte del tiempo nos encontramos con patrones simples, directamente conectados con el trabajo de las guitarras, sin salirse de su papel de apoyo, pero cumpliendo con oficio.

Las guitarras son el elemento old school en este disco, compuestas principalmente por gruesos riffs base con afinación en drop. Constituyen el mayor resabio del antiguo N.O.T.C.A.M.P. y un nexo con la historia de la banda. De lo anterior debemos exceptuar “Las Tres Barricadas” y “Gente Ausente”, que presentan arreglos más emparentados con el post hardcore y el rock alternativo, y están entre lo más novedoso que encontramos en el disco, junto con la excelente balada rock “La Llegada de Camilo.”

Los scratches son un elemento que hoy no se escucha con frecuencia en las bandas de rock, y es que muchos reniegan del sonido noventero que se hizo demasiado homogéneo en algún momento. Sin embargo, cuando son utilizados con sapiencia, como en este caso, aportan al groove de ciertos riffs e introducen un componente de variedad. Las secuencias, si bien esporádicas, también aportan frescura y quizás podrían haber sido más numerosas.

Para hablar de las voces deberíamos hacer un análisis por canción (por el número de invitados), pero nos extenderíamos demasiado. Por ello, nos enfocaremos en los integrantes estables: Andrés lo hace bien en la voz melódica, se nota el cuidado en la creación y la prolijidad en la ejecución. Por su parte, y por ser uno de los sellos de la banda, sumado a la actitud y talento que tiene, se extraña la presencia de Juan Luis en las partes rapeadas, que aportan bastante dinámica a las canciones, como en “Ícaro” o “Despierta”, puntos altos destacables.

Las letras obedecen a un concepto unitario esbozado principalmente en el intro y outro que las acompaña (escapar a la rutina, atreverse), pero es cuestionable la idea de “disco conceptual”, ya que esa clase de disco sigue casi siempre una línea argumental más clara, frecuentemente asociada a la creación de personajes o al análisis de un mismo tópico desde diversos puntos de vista. No obstante, hay una buena pluma, con un potencial que aparece sobretodo en versos como los de “Lo que te Mata”, “Ícaro” y “Gente Ausente”.

El formato tarjeta USB del disco supone una novedad en la escena independiente, y es bienvenido sobretodo por los extras (vídeos, letras, fotos, maqueta para imprimir una copia física). Es de esperar que más adelante veamos el disco también en formato físico, para poder disfrutar del cuidado arte del booklet.

“UNO” supone un paso adelante para N.O.T.C.A.M.P., pero también un desafío en pos de definir su marca y los elementos que la componen.

+ info: sitio oficial

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Cuando uno decide juzgar un elemento, lo hace analizando su condición actual. No lo hacemos mirando el retrovisor, ni tampoco acordándonos de lo que solía ser, no nos interesa que había antes, lo que sí nos interesa es su estado actual. Poco importa si la oxidada bicicleta que tenemos ahora, fue la más bonita que salió de la fábrica hace 20 años, porque se juzga el ahora, no el ayer. El ejercicio sirve en especial para comentar un nuevo disco. No interesa el pasado del grupo, ni tampoco lo que será de su futuro, lo que te interesa analizar es el presente, lo que tienes al frente tuyo, en este caso en tus oídos.

Luego de cinco años sin lanzar discos, Incubus nos entrega su sexto álbum de estudio –a pesar de las quejas de los fanáticos más viejos, el grupo siempre ha comenzado a contar sus discos desde el S.C.I.E.N.C.E hacia adelante– titulado “If Not Now, When?” y que es en palabras de su vocalista Brandon Boyd “Es nuestra carta de amor sónica al mundo”. Después de esa declaración de principios acerca de esta placa, el camino que transitamos en este disco confirma las palabras del frontman, este álbum no es remotamente parecido a ninguno que haya hecho la banda antes.

El lento y sinfónico comienzo del track que le da el título al disco, abre los fuegos de este nuevo capítulo. Las líneas del bajo y el constante ritmo en la percusión, construyen la base de esta hermosa melodía que explota en un glorioso technicolor casi al final, mientras Boyd nos invita a una búsqueda de nuestra propia alma con la frase “No escondas tu mirada, es la hora”. Mientras “Promises, Promises” tiene como base el piano de Mike Einziger y el bajo de Ben Kenney, complementados por el excelente registro de Boyd, que cada álbum que pasa parece cantar mejor. Es una canción simple, emotiva y elegante, con excelentes líricas que calzan perfecto con los pasajes sonoros reposados que tiene este track.

En “Friends And Lovers” el trabajo en la percusión de Jose Pasillas nos hace recordar a viejos bateristas vestidos de etiqueta, mientras  la interesante progresión de notas en la guitarra de Einzinger encausan las letras de Boyd, que desafía las concepciones más tradicionales del amor moderno con la frase “Lo que está mal en ti, es bueno para lo que está mal en mi”.

Con “Thieves” el grupo muestra su faceta política y lo hacen de inmediato en el coro: “Nos están vendiendo agua al lado del rio, ellos no hablan en nombre de todos!”. De nuevo es el bajo de Kenney y los punzantes riffs de guitarra de Einziger son los que llevan la batuta en este tema que exuda descontento. Mientras que en “The Original”, el comienzo consta de sintetizadores y una delicada guitarra, que construye con calma el ritmo de la canción prolongándose hasta ese hermoso pináculo en el coro, que parece flotar, liviano y psicodélico, para luego dar paso a un reverberante y contundente final.

En “In The Company Of Wolves” nos encontramos a una banda que busca nuevos horizontes sonoros y que nos desafía a este nuevo viaje sónico con tintes psicodélicos que han emprendido. Teclados y una delicada guitarra abren el pasaje melódico en que se cocina lentamente la primera parte de la canción. Es en la segunda parte de este tema donde a mí me hizo clic este disco: unas misteriosas y oscuras líneas de bajo preceden al manto etéreo que sale de los tornamesas de Chris Kilmore, mientras la lejana y reverberante voz de Boyd nos dice una y otra vez que “Fue la noche más larga de su vida”. Todo se une en el crescendo final, de probablemente, la mejor canción que ha compuesto el grupo en su carrera.

La oveja negra de este disco se llama “Switchblade”, porque parece no pertenecer al contexto sonoro del disco, sin embargo es un tema que coquetea entre el funk de los comienzos del grupo y su sonido más actual, que en ningún momento decepciona. El primer single de esta placa fue “Adolescents” un tema que sirve como puente entre el sonido más característico del grupo y su sonoridad actual, por lo cual, fue una buena jugada por parte de la banda, su elección como primer sencillo. “Tomorrow’s Food” despide este elaborado y hermoso disco, con guitarras y suaves sintetizadores, mientras las letras nos hablan de nuestra pequeña posición en el universo, algo así como que somos sólo tornillos dentro de una gran máquina.

Este nuevo disco de Incubus es de seguro un desafío para sus fanáticos. Tanto para los más antiguos (que seguramente lo odiarán porque ya no suenan como en el Fungus Amongus o en el SCIENCE) como para los más nuevos. Sonoramente este disco es bastante superior al último disco de la banda, “Light Granades” y en ése sentido es claramente una evolución. En este nuevo trabajo el grupo alcanzó altas cotas de experimentación musical, sonando por momentos psicodélicos, eclécticos y elegantes. En un mundo constantemente acechado por los revivals de todo tipo, el grupo entró a una nueva dimensión, un lugar donde habitan aquellos abiertos de mente y que constantemente buscan su lugar en el mundo, un lugar donde no existen los límites musicales.

Bien sabemos que la gente obsesionada con el pasado, es incapaz de ver el presente como corresponde; es por eso que esta evolución o mejor dicho esta revolución interna que nos trae el grupo se siente bien. Si quieren escuchar los primeros discos de la banda, los tienen a la mano, así que sáquense las ganas escuchándolos mil veces.

N. de la R: Me disculpo desde ya por la extensión de la reseña, pero era necesaria para contextualizar de lo que estábamos hablando.

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Titulado “Chile”, el sexteto comandado por Martín Erazo sigue estirando los diversos estilos que logró amasar en sus diez años de itinerario sobre las tablas. Mostrando una envidiable capacidad de insertarse en el inconsciente del ciudadao a pie, que debe lidiar día tras día con la rutina de trabajo y vida de familia, el comienzo es más que decidor. La furia contenida de ‘Remedio’, el diagnóstico decidor en ‘Todo Mal’ y escupiendo verdades al borde de la demencia en ‘Es3’.

Visto desde siempre como una agrupación asociada a instancias donde la palabra fiesta tiene una cabida rotunda, La Patogallina Saunmachín esconde la psiquis inconformista en un disfraz que combina ska (‘Colibrí’), toques funk, algo de punk y otros ritmos. Sin embargo, a no confundirse: la esencia misma de “Chile” está en sus textos.

Así, entre medio de todo el pataleo por la sociedad, nos vemos nosotros mismos en una carrera de escape que nos haga posible enfrentar la vida con algún tipo de caparazón. Ahí está ‘Una Flor’, un inocente reggae que, a vuelo de pájaro, es una apolojía a la cannabis, pero profundizando sólo nos recuerda que estamos metidos en un mundo que amenaza con explotar en cualquier momento, y evadirse de tanto caos siempre es un buen consejo.

No sólo está presente el enfoque en lo contingencial, las llamadas de atención a tópicos como la superficialidad que se nos impone como norma de comportamiento (‘Beatriz Vicencio’) erigen a La Patogallina Sanumachín en un observador agudo. “Chile” no se pierde berreando desde una posición ventajosa (contra la crisis del medioambiente, por ejemplo), el sexteto nacional centra sus palabras numerando las calamidades que nos arrecian en el diario vivir, cosas que pueden verse muy nimias si lo comparamos con otras luchas más “nobles” y convenientes de enbanderar, y que son fuente directa de lo que somos como sociedad. La última frase de la placa lo sintetiza sin reparo alguno: “Chile me pone alcohólico, y tú sólo un poco melancólico”.

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Luego de alejarse del estilo de sus primeros dos discos, Arctic Monkeys regresa con su cuarto disco “Suck It and See” , que prometía un regreso al sonido original de la banda. Sin embargo el nuevo material presenta una mezcla entre la energía de su primer LP y la melancolía de Humbug. Cabe destacar que para este LP volvieron a contar con el productor de los dos primeros discos, James Ford.

El álbum parte lento con el track She´s Thunderstorms, canción centrada en la guitarra de Jaime Cook, para luego seguir con la misma tónica en “Black Treacle”. Luego el disco sigue con la tríada de singles que han salido de este LP, “Brick by Brick” que salió en marzo, “The Hellcat Spangled Shalala” y “Don´t sit down cause i´ve moved your chair”.  Estos tres tracks se caracterizan por el estilo energético similar a los dos primeros discos del grupo, sin embargo carecen de esa estructura pegajosa de canciones anteriores como “Fluorescent Adolescent” y “I Bet You Look Good on The Dancefloor” que llevaron a la banda inglesa al tope de los charts.

Luego viene la que a mi gusto es la canción más potente del album, “Library Pictures”, que se centra en la rápida batería de Matt Helders y en las letras de Alex Turner en lo que marca el fin de la primera mitad del LP.

Después el disco pasa a ser más lento y melancólico pareciéndose más al Humbug, perdiendo energía pero con letras que siguen teniendo esa acidez que caracteriza a la banda de Sheffield. De esta mitad destacan la canción que da nombre al disco (Suck it and See) por su riff de guitarra con un sonido memorable y el track que le da fin “That´s Where You Are Wrong” que captura por momentos la sencillez pegajosa de los primeros hits del grupo.

En resumen, se puede decir que este disco es un retorno a la música más ligera, pegajosa y ácida de los inicios del grupo cuando se encontraban al tope de su popularidad, manteniendo esa madurez que ganaron con el disco Humbug. Sin embargo, el disco no posee hits inmediatos para las radios como “Brianstorm” y “Fluorescent Adolescent”, pero lo compensa con el hecho que el grupo ha encontrado su sonido.

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El resultado ya está a disposición de todo el mundo desde hace un par de semanas. Se llama “Ukulele Songs”, y es un nuevo refugio de Eddie Vedder para apaciguar la atención constante a la que se ve sometido cuando su nombre sale a la palestra, pues la asociación con su banda madre es indisoluble. Y pareciese que el cantante está dispuesto a entablar esa diferenciación, ya que esta placa anida su particularidad en que las canciones son compuestas e interpretadas sólo con ukelele, instrumento cuya familiaridad con Vedder empezó a germinar en ‘Soon Forget’, canción incluída en “Binaural” (Epic, 2000). Y quizás por esa misma razón que la encargada de inaugurar esta saga sea ‘Can’t Keep’, que está en el séptimo opus de Pearl Jam – “Riot Act” (Epic, 2002) -, como rindiendo tributo a sus orígenes.

Para poder entender algo más el tinte de las odas que adornan esta placa –todas de amor, reflejando una satisfacción que sólo los años son capaces de otorgar-, es algo necesario ahondar un poco en la historia de Pearl Jam, de la cual Vedder –huelga decirlo- es su principal compositor. Sabido es la actitud que durante los años 90 adoptó la banda para sacarse de encima toda la atención que suscitaban. Cortando todo atisbo de promoción, de entrevistas, el quinteto sólo se ocupó de crear música, una que era bien oscura, dolorosa y tensa. El tiempo ha dotado al norteamericano –tomado siempre como un neurótico a punto de explotar – de una paz que nunca habría conseguido en esa etapa. Seguir el instinto es una intención premiada con sabiduría. Los dieciséis tracks que surcan este elepé son vivo testigo de ello.

Entendido como una larga carta de agradecimiento, “Ukulele Songs” es justamente eso. Una especie de ajuste de cuentas de un tipo que ahora le otorga el peso que merece a las cosas que lo alegran. Así como en la cálida ‘Sleeping By Myself’ o el dulce blues ‘More Than You Know’, nos enteramos de que el mismo hombre al borde de la paranoia que berreaba contra el mundo en los tempranos ’90 con ‘Animal’, ‘Glorified G’, ‘Lukin’ o ‘Blood’, tiene la misma prestancia de dar cuenta de las cosas hermosas que le ocurren (‘Satellite’ o el conmovedor dueto con Cat Power en ‘Tonight You Belong To Me’).

“Ukulele Songs” es redención, un arribo de paz, que Eddie Vedder lo transforma en pura valentía, pues se ofrece al oyente tan abierto y pleno que sorprende. Es cierto, la limitancia de hacer todo con un sólo instrumento es un riesgo, sobre todo cuando da la sensación de que todos los tracks están enlazados en un sólo gran testimonio. Empero, Vedder compensa todo el recelo que pueda asomar entregándonos la epístola más hermosa que una persona enamorada pueda componer.

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Este álbum es la mixtura perfecta entre lo social y lo emocional, algo característico en Entrefuego.  Queda claro que decir y mostrar el descontento social nos crea una sensación de pena, de agobio y de de ahogo.  Todas esas sensaciones que nos hacen sentir que no somos inmutables por un lado.  Por otra parte, un sonido cargado a la esperanza lleno de convicción, suma de lucha social y los gritos canalizando la pasión que viene de lo mas profundo de las vísceras, transformando prácticamente en himnos en cada uno de los coros, donde las baterías galopan junto con los tiempos avasallantes en los que estamos viviendo.

“Caminaré” es para mí el track más fuerte del álbum. Me crea una ilusión, una perfecta acumulación de años, experiencias, gritos callados, el paso del tiempo, junto a las vicisitudes de la vida de una cantidad de influencias musicales y emocionales que de verdad  la canción nos demuestra. Se nota que no componían en un largo tiempo, todo lo que tenían que decir, lo importante, lo que ahogaba y no los dejaba vivir Lo mostraron acá, en definitiva es:

““Avanzando para mejor, enfrentando lo peor.  Inconquistable, irrompible, renaciendo, Caminaré.”

“Heridas” es la nueva versión de una canción grabada ahora de manera nítida y de alto nivel. Esta canción aparecía en los demos de la primera mitad de los años 2000, la pieza es principalmente un cumulo de rabia de descontento, de venganza, de necesidad de justicia. Una buena  canción altamente melancólica.

“Verdades Negociables” marca como critica a la forma de que los medios desarrollan la noticia y como quieren que las veamos, es como en verdad vemos a los medios tradicionales de prensa. Donde ahora la noticia es donde comprar. Una oda a lo que no queremos en los medios de comunicación de acceso publico. La influencia de los 90’s  es algo que se debe mencionar  aunque en toda su historia siempre ah estado presente, pero no se quedan  con ese sonido característico de esa época. Sino que tal como es la tónica de este álbum es una mezcla de los 90’s con sonidos mas modernos.

Este es un disco podríamos tomarlo como un adelanto de un trabajo mas grande y  desarrollado completamente, ya que  de verdad uno queda con un gusto a poco, es de esperar un trabajo mas largo puedes escuchar y comprar en formato digital este disco este disco desde el Bandcamp de la Banda, Tambien puedes comprar la edicion de lujo 7″ desde la pagina del sello amendment-records

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Este “Codes And Keys” toma un camino totalmente diferente a la última producción de la banda (Narrow Stairs), el núcleo del sonido ya no son las guitarras tan características de cada disco de DCFC, sino que la posta la tomó el piano, los teclados, los violines y diversos elementos electrónicos, que le dan a los temas una amplia gama de texturas.

En la pista que le da el nombre al disco, se aprecia claramente este nuevo aire, exquisitas notas del piano de Chris Walla abren el tema, secundadas por la sección de cuerdas y una simple percusión, mientras Ben Gibbard refleja todo su optimismo actual, exclamando “Estamos vivos!”, algo impensado para el viejo Gibbard. Los platillos de la batería abren el álbum en “Home Is a Fire”, mientras un insistente beat trata de seguirle el ritmo a la percusión, aparecen las delicadas notas de la guitarra de Walla y el tono de Gibbard vuela suave y sutil en este experimental comienzo.

En “Some Boys” es el difuso y reverberante bajo de Nick Harmer el que mueve todo hacia adelante, mientras que en “Doors Unlocked And Open” encontramos tal vez, al primer tema en donde la guitarra tiene un rol más preponderante, es quizás donde más similar suenan al DCFC del disco “Transatlanticism”, guitarras urgentes mezcladas a la perfección con intrincados elementos electrónicos, incluida la digitalizada voz de Gibbard.

El primer single de esta placa, es de esos temas que cada vez que lo escuchas, crece en ti; “You’re a Tourist” es como suena el grupo actualmente, se mueve en perfecto balance entre un enganchador riff de guitarra y las bases programadas de Walla, es la instrumentalización la que lleva al tema a nuevas alturas, mientras Gibbard mira el vaso medio lleno y le cuenta al mundo que “hay un incendio en su corazón” y que hay que dejarlo crecer.

Tres largos minutos de introducción tiene “Unobstructed Views”, piano sombrío y arreglos ambientales reverberantes, nos hacen mirar de reojo a la época del disco “Plans”; mientras que “Monday Morning” es un cálido ensayo pop, con sintetizadores y delicadas guitarras que acompañan un luminoso beat, “Underneath the Sycamore” se desenvuelve entre delicados teclados y guitarras dispersas, mientras el bajo soporta toda la estructura del tema, el grupo nos entrega unos de los mejores coros de su historia.

Luego del (excelente) sintetizado y ateo himno “St. Peter’s Cathedral”, aparece “Stay Young, Go Dancing”, una frágil canción de amor que en algún momento se vuelve orquestal, mientras Gibbard exclama, “Cuando ella canta, yo escucho una sinfonía”, luego de tantos años de miedos y angustia, era tiempo de que aparecieran sus 500 días de verano.

Nos encontramos con una banda que, disco tras disco, mantiene vivo el deseo por evolucionar musicalmente. Death Cab For Cutie en este nuevo registro, conjugó lo mejor de su repertorio sónico antiguo y a eso le añadió una intrincada elaboración instrumental, dando como resultado canciones que se mueven por diferentes texturas y ritmos, sin perder en ningún momento la esencia de lo que es el grupo. Es el mismo corazón, pero ahora palpita a un ritmo diferente.

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