Con esos antecedentes, más el anuncio oficial del fin de The White Stripes en 2011 y el “receso indefinido” de The Raconteurs y The Dead Weather, el inicio de la aventura en solitario era cosa de tiempo, el paso lógico en una carrera inquieta y sin pausas como la de White. Sin embargo, fue la casualidad lo que llevó al estadounidense a editar “Blunderbuss”, su ópera prima cuya génesis comenzó en su propio estudio luego de que el rapero TMZ lo dejará ‘plantado’ y White decidiera invertir el tiempo en acordes nuevos.

El resultado de esa anécdota, tal como otras a través de la historia de la música, está en este álbum de 13 canciones con el blues rock y el country como pilares de un trabajo que, inevitablemente, rememora el pasado musical del nacido en Detroit y da la sensación de superar la prueba frente a las habituales suspicacias y alarmas de un debut solitario, descartando este trabajo como un posible sucesor de cualquier disco de sus otras bandas.

Dentro de los 40 minutos que dura “Blunderbuss”, White expone su inclinación por la agitación y variedad musical, con el piano en el rol principal dentro de un set en el que el doblete ‘Hypocritical Kiss’ y ‘Weep Themselves to Sleep’ junto con la oscilante ‘Take me With You When You Go’ -que también suma violines- asoman como los puntos más destacados del tracklist.

Aunque en este disco pasa a segundo plano, el Jack White guitarrista tiene momentos relevantes en “Blunderbuss”: la desatada ‘Sixteen Saltines’ -que rememora el riff intermedio de ‘The Hardest Button to Button’ de los Stripes-, el contagioso punteo de ‘Freedom at 21′ y el rock de garage en su plenitud con el cover ‘I’m Shakin” -original de Rudy Toombs- que evoca a los Black Keys, actuales vedettes de un estilo minimalista que el mismo White desplegó a principios de este siglo con su ex esposa-hermana Meg.

“Blunderbuss” tiene los ingredientes necesarios para convertirse en uno de los trabajos más destacados de la temporada, aunque para el estadounidense al parecer esa idea no está en su libreta de apuntes: seguramente el multi-instrumentista prefiere salir a mostrar su nueva creación y presentarse a los demás -usando términos televisivos de moda- como “Yo soy, Jack White”.

Por Javier Núñez.

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Por supuesto, esa es una visión de las cosas. En un mundo donde la dualidad no es apreciado en su plenitud, todo tiene su símil y opuesto –“como es arriba, es abajo”-, y en la anterior descripción musical es acertado conjeturar que, si bien unos fracasan estrepitosamente en hablar desde el pasado, otros sortean el desafío con el temple de avezados veteranos.

The Suicide Bitches parecen calzar justamente en esa última descripción. Luego de años puliendo su experticia a punta de ensayos y tocatas, el quinteto nacional escogió este 2012 para debutar formalmente con un largaduración titulado “The Farm of the Suicide Bitches in Heaven”, un poderoso compendio de once canciones que –aunque suene a lugar común- sudan rock & roll en tonificantes dosis que en ningún momento empalagan.

La desafiante ‘Raskolnikov’ –track que abre el opus-, nos presenta de inmediato a un grupo seguro de si mismo, con tempos al borde de la demencia, como ocurre en ‘Kill the Yumans’ una cruza entre los Nirvana más primales y los Pixies más insanos, y con acercamientos al blues con reminiscencias a Jon Spencer en ‘Rencilla’. Hasta pequeños guiños a glorias como Dinosaur Jr podemos encontrar.

Riffs punzantes surcan en todo el elepé. ‘Cold Woman’ y ‘Chinasky’ parecen haber aprendido con suficiencia las mejores clases de MC5. ‘The Farm’ y ‘Save Me’ confirman a un combo que sabe sacarle carraspera a sus guitarras, sonando sucio y fuerte, pero en ningún caso desprolijo, ya que la producción –realizada por ellos mismos- está impecable. No les quita identidad –ni siquiera el hecho de cantar en inglés-, por eso las canciones se oyen tan naturales, sin ningún dejo de algo forzado. Doble golazo.

Es cierto que con su primer elepé The Suicide Bitches no inauguran un inédito pasadizo ni descubren territorios vírgenes. Pero sus fuertes golpes guitarreros destilan sapiencia y sentencian que a veces no es relevante ni augura posteridad ser el primero en algo. A veces olvidamos que es mucho más entretenido caminar la calle que ponerle el nombre.

Descárgalo de manera gratuita aquí.

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Cuatro años después de su debut en dicho formato, a cargo de “Confidence Man”, el oriundo de Kansas City se atreve otra vez con “May Day”, una colección de doce tracks grabado en la intimidad de su hogar durante un mes. Y el aroma acogedor se respira desde ‘Don’t Let the Bastards Get You Down’ hasta ‘What My Tired Eyes Would View’, es decir, se siente un aire intimista que impregna al oyente de una calma que sorprende –pero de algún modo se intuía- si sólo conoces el trabajo de Pryor como miembro de los mentados TGUK o The New Amsterdams.

Guitarras acúsitcas, piano, harmónica y banjo desfilan en todo el álbum, con un vulnerable cantante que abraza la esperanza en ‘As I Could Fall In Love With You Again’, profundiza en el country con ‘Where Do We Go From Here’, ‘As Lies Goes… This One Is Beautiful’ lo vuelve oscuro y demuestra que a veces dar lecciones si sirve, como ocurre en ‘Unhappy Is the Only Happy You’ll Ever Be’.

Matt Pryor siempre ha sido un artista introspectivo, pero pocas veces había encontrado el vehículo ideal para canalizar todos esos sentimientos. Si bien –y con justa razón- muchos esperan que regrese con su proyecto más famoso, este dulce bocado es una bifurcación en el camino que te llevará a un buen lugar.

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Un motivo por el cual siempre se criticó a Max fue el nunca poder lograr el sonido que caracterizó su antigua banda y encerrarse en el ejercicio de experimentar con el metal de moda. De todas formas, a medida que pasaba el tiempo se fue endureciendo el sonido. Esto queda en evidencia al escuchar los discos anteriores: Dark Age (2005), Conquer (2008), Omen (2010). Otra punta de esta arista puede ser la influencia de juntarse con su Hermano Igor en Calavera’s Conspiracy. Ténganse en cuenta.

Atrás quedaron los fraseos más característicos del sonido mas nu-metal de sus antiguas producciones siendo literalmente borrados con gritos desgarradores y aplastantes. Éste álbum se presenta como un tornado que destruye todo a su paso incluso, hasta el mismo pasado de Soulfly. Se produce el racionamiento lógico Chaos A.D. (1993) – Enslaved (2012), y no es que este sobrevalorando este disco ni la imagen de Max, pero este disco suena a lo que siempre debió sonar. Además suma puntos con la elección de los artistas invitados. Por ejemplo, Travis Ryan —vocalista de Cattle Decapitation— le da la venia de los nuevos ‘Death Metaleros’ que ya no ven a Max como una referencia y le guiñe el ojo a los ‘aggros superados’ invitando Dez Fafara siendo el mismo el ícono de los superados.

Otro factor no menos importante es el factor ‘integrantes’. Para esta versión 2012 de Soulfly de los ya conocidos Max Cavalera y Marc Rizzo (il niño); ésta vez se les suma Tony Campos (Static-x, Asesino, Ministry) y David Kinkade (Borknagar, Arsis). Estos 2 últimos luciéndose tanto Tony como vocalista en Plata o Plomo , y David Como un baterista muy técnico y rápido. Un punto que casi no se ha tomado en cuenta es el productor de este álbum, Zeuss personaje muy recurrido en la escena Hardcore/metal produciendo a bandas como Chimaira, The Red Chord, Shai Hulud, Earth Crisis.
Lo que juega en contra a este solido álbum es la saturación que provoco el mismo Max al sacar alrededor de 5 producciones en 6 años. En definitiva No es una obra maestra , tampoco es la vorágine deathmetal de Morbid Visions (1986) o Schizophrenia (1987) es un disco que te hace recordar que Max fue un Grande y que muchas veces te hacia buscar entre los cassettes viejos del biobio ese  Split pre Roadrunner records que tiene Sepultura.  me dio gusto escuchar ese  sonido con el que crecí y espere volver a escuchar.

El track list es el siguiente.

No. Title Length
1. “Resistance”
2. “World Scum” (feat. Travis Ryan of Cattle Decapitation) (Single)
3. “Intervention”
4. “Gladiator”
5. “Legions”
6. “American Steel”
7. “Redemption of Man by God” (feat. Dez Fafara of Coal Chamber and DevilDriver)
8. “Treachery”
9. “Plata O Plomo”
10. “Chains”

[Haz click aquí para ver el vídeo directamente en 192]

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Dos años después del espaldarazo que significó “If I Had a Hi-Fi” (Mardev), este es el primer disco que aloja canciones originales desde que en el 2008 fuera editado “Lucky”, y es un sincero testimonio de todas las creencias musicales que ha acumulado y ha postulado el trío neoyorquino. Alejándose de las técnicas de producción de estudio, Nada Surf apuesta por lo mínimo en materia de instrumentos, y bajo esa apuesta es que surgen canciones como ‘Waiting for Something’ y ‘Looking Through’, que traen de vuelta la energía y el rock. Y también hay lugar para el equilibrio, pues ‘Let the Fight do the Fighting’ pone la cuota de desnudez y delicadeza.

Registrado en Brooklyn, la obra cuenta con una colaborador de lujo, como es Doug Gillard –Guided By Voices-, que funciona como un excelente socio en la guitarra para Matthew Caws, cuya voz parece no reconocer el paso del tiempo y se mantiene cristalina y limpia, como si aún estuviéramos en 1996, cuando “High/Low” debutó en los charts. Al mismo tiempo, Caws deja claro que ahora ya no es un jovencito y lo hace obsequiando sendas muestras retrospectivas en ‘When I Was Young’ y ‘Teenage Dreams’.

Quien escucha “The Stars Are Indifferent to Astronomy” no evitará declarar que es más de lo mismo. Y no se equivocará, aunque dicha característica nunca fue un defecto en Nada Surf. Su oficio los cubrió de un manto impermeable al aburrimiento y los nutrió de una envidiable capacidad para crear gemas pop que arrasarían en cualquier ranking. Es cierto, ya no sorprenden, pero nunca decepcionan.

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El sonido de “banda” es ahora más presente que nunca, suenan baterías con panderos sobre hi-hat y guitarras que podrán hacer un poco más amena la tarea de escuchar líricas interminables del tono característico de NYC. Ahora cruzan a la vereda de enfrente para dejar atrás el trabajo soul con John Legend (Wake Up! 2010), la dureza del “How I Got Over” (2010) para pasar a un plano más abierto y menos explorado, la contextualización narrativa/musical.

Con dos tracks introductorios se llega al single “Make My” (feat. Big K.R.I.T.). El track es ícono y con él podríamos explicarle a cualquiera que no está familiarizado con Undun, el tono, la calidez de los instrumentos, el uso del MOOG y lo tranquilo del disco que poco a poco está abriéndose. Luego vendrá “One Time” junto a Phonte y Dice Raw, parece que requerían muchas mentes de productores para verse bien horneados, de lo contrario este disco sería un postre ejecutado en licuadora con materias primas básicas ya utilizadas en los trabajos anteriores.

Pobre el personaje de Redfor Stephens, un chico pobre de Philadelphia que pasa a ser víctima del tráfico de drogas, baja sus defensas y se entrega a sus días finales, cada línea de lírica es una pala de tierra sobre su cajón.

“Kool On” (feat. P.O.R.N) es mi segunda favorita después de “Make My”. Es repetitiva, tiene coros de varios cantando, un solo de guitarra persistente y un Tariq Trotter con el flow desbordante. Es un track bueno para andar trayendo en el auto. Aquí el trío de voces que sostienen Undun (Truck North, P.O.R.N., Dice Raw) se ve como patrón exitoso ya utilizado en “Rising Down” y “How I Got Over”.

Casi evangelizadores los track “The Other Side”, con mucha presencia de teclados y un final (spoiler alert) down tempo inesperado. Puede que a esta altura “Stomp” se deje ver como persistente pero el pandero en la batería ya me tiene un poco cansado como recurso. Dos minutos de canción que pudieron haberse ahorrado.

“Lighthouse” me recuerda la vieja escuela, de seguro esa base de batería trabajada para sonar desgastada es lo que me gusta, el bajo apañado y casi todo suprimido para darle lugar a las voces y un coro pintado para single. Luego del viaje al pasado llega “I Remember”, con una producción futurística que incuye voces femeninas y un trabajo de cuerdas en violines de gran impacto para la creación de atmósfera bajo la producción de Khari Mateen.

Luego del décimo track “Tip The Scale” feat. Dice Raw quedaremos a la merced de 4 secciones instrumentales a cargo de Sufjan Steven en las teclas, también inesperadas y que presentarán a The Roots casi como una banda de jazz alternativo con pianos protagonistas de una historia tejida a cuerdas, “Will To Power” casi me hace pensar en TV On The Radio y otros aún más experimentales. Fuera de esto el resumen vendría siendo algo como unas 3 canciones candidatas a singles y dejando el resto ejercicios de experimentación narrativo. La banda parece estar llena de inspiración y que saquen casi dos discos por año será algo que agradeceré sí o sí.

Questlove dice que esto es un reflejo de vida, que casi toda la familia de Tariq ha sido de alguna u otra forma la víctima, como Redfor Stephens, Tariq fue uno de los que pudo afrontar al barrio y conseguir escapar. Sin duda la línea de las letras le llegan duro hasta el corazón, incluso más profundo que a cualquier otro miembro de la banda. Es por eso el ímpetu con que se presenta la voz líder de The Roots en Undun, su décimo tercer disco.

Entre los invitados, podemos señalar a artistas como Aaron Livingston, Big KRIT, Phonce, Dice Raw, PORN, Truck North, Bilal y Sufjan Steven.

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El álbum de 12 canciones abre con Ciervos, canción que la banda ya había regalado para que toda su fanaticada descargara y viera el video cuanta vez quisiera. En ese primer corte ya queda evidenciada la calidad técnica que tiene el disco, tarea que había quedado pendiente en el EP debut. Luego tenemos Coco, que se instala como esta clase de nueva música bailable con destacables teclados y secuencias ochentenas. Es un retrato de lo que muestra Astro en este disco.

En el tercer track ya se tira toda la carne a la parrila. Colombo es el mejor tema tejido de las manos de Andrés, Lego, Octa y Zeta. Un tema con esas letras sicodélicas llenas de animales que solo Astro sabe hacer. Un pequeño interludio baja las revoluciones de la pista de baile como una suerte de pausa en Druida de las Nubes para descansar y después volver con el ataque de los teclados destellantes y unos toques de ukelele en Panda, una de las favoritas del staff de este humilde blog.

Manglares es otra canción que nos recuerdas esos movimientos tiesos de hombres con hombreras de los ochenta con sus jopos y baterías digitales. Mira, Está Nevando en las Pirámides. No, no es para que miren. Es el nombre de una de las canciones. Tal vez la única donde hay un abuso de los teclados y la voz de Nusser se escucha con menos fuerza de la que estamos acostumbrados, porque, todos lo tenemos claro. Esa voz aguda es de las grandes características de Astro.

Es en ese momento donde los puntos altos del disco se terminan. Después sólo nace la pregunta “¡¿qué le hicieron a Pepa?!”. El tema que ya conocíamos en su versión acústica con ukelele y una naturalidad campestre dejó de serlo para volverse una versión digital electro ecléctica. Si me preguntan, ya no me gusta, cosa de gustos.

A pesar de que el disco tiene varios temas a destacar que contienen la esencia de Astro, vemos que mostraron una importante renovación y dedicación del sonido del cuarteto de chilenos, hay otros que sobran. Miu-Miu en sus dos partes se aleja de todos los posibles singles que podría tener el disco y pasan a ser un accesorio poco agradable de la placa. De Nueces de Bangladesh solo puedo decir: too much sonido espacial to be true. Fue el momento en que las extrañas letras dejan de sentirse naturales y se siente que se esforzaron para seguir haciendo locuras líricas.

En general es un buen disco. Con fuerte proyección internacional gracias al trabajo de las presentaciones realizadas durante el 2010 siendo un refresco con muchos hielos distinto y en pro de la innovación sonora. A mi opinión, definitivamente lo tendría en mi iPod. Si les interesa descargarlo, puede pasar por aquí.

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La banda conformada por Felipe Alegría en voz y guitarra, Rodrigo Carvajal en bajo y coros y Sebastián Fuentes en batería, va un paso más allá en sus posibilidades, presentándonos un trabajo bien elaborado, con líricas que funden la crítica social con un aparente estado de desesperanza y un sonido sorprendente y genuino, obra de la dupla Daniel y Ángelo Pieratinni, que estuvieron encargados del registro, mezcla y masterización del elepé.

El álbum arranca con ‘Ciudad’, una canción oreja, bien estructurada y que puede ser un potencial single. Le sigue ‘Revólver’, que con una inquietante letra acerca de lo que parece ser un criminal y un desenlace poderoso, funciona como excelente track, que da paso a ‘Últimas cosas’, canción con tres partes distintas bien hilvanada  y potente. Pocos minutos y llegamos al primer single promocional, que tal como el disco, lleva por título ‘Una piedra resiste en mi lugar’. Una intensa canción, que habla fuerte y claro acerca del histórico conflicto mapuche, con un intermedio que se suma bien a la totalidad sonora de la composición.

El quinto track es de lo más destacado del disco. ‘Caes’ es una lenta canción que con su propuesta sonora nos evoca a lo más etéreo de Pink Floyd, pero con una simpleza que pasa a ser una característica dentro de Piedra. Le sigue ‘Déjame atrás’, que con su riff de estadio se gana su espacio desde un  principio. Mención aparte para el solo final de guitarra, poco ortodoxo pero efectivo y orgánico.

‘Palabras’ es la canción más acelerada del disco, una interesante fusión entre música alegre y letra depresiva. Le sigue ‘Nada que hablar’, track que parece estar grabado en 1967, con una humareda en el estudio. Hard rock con un toque de sicodelia, con un “tufillo” a Hendrix en toda su extensión. Tras ella, ‘Lo peor’ viene a ser de lo más pesado del álbum, con una lírica que a primera vista parece ser sincera y personal.

Y llegando al cierre de este LP, llegamos a ‘Niebla’, una canción atípica, con partes periféricas que parecen corales y un intermedio potente, rockero e intenso. Empieza con el sonido de una tabla india, interpretada de buena manera manera por Sebastián Fuentes, al más puro estilo de ‘Within you, without you’ de The Beatles, con una guitarra sencilla y precisa. Aparecen los versos, cantados por una multitud y la aparente calma se rompe con un intermedio rockero y potente, con un solo de teclado al más puro estilo Jaivas y con unos versos poéticos clamados hacia el final por Rodrigo Carvajal. Hacia el final vuelve la calma, emerge el elemento oriental nuevamente y la canción se aleja paulatinamente, dando por terminado el disco.

“Una piedra resiste en mi lugar” viene a marcar el inicio de una aparente madurez de Piedra, un crecimiento incuestionable en sonido, letras y composiciones, encumbrándose como un interesante lanzamiento dentro de este 2011. Nos obliga a quedar atentos a los pasos que dará la banda para seguir con su alza.

Por Ignacio Rey Keim.

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Bajo el seudónimo de Corderolobo, Vargas nos introduce en un viaje que tiene mucho de la contradicción que almacena su nombre. Ocho son las canciones que surcan la cerca de media hora, y todas cargan una sensación ineluctablemente dolorosa, que adoptan diversas maneras de expresar ese estado.

Desde ‘Lo Que Veían Venir’ hasta el desenlace, con ‘Más’, Corderolobo hace gala de una característica dispersa que muchos envidiarían, ya que logra demostrar dominio de varios instrumentos sin exacerbar su uso, y se desmarca de cualquier prejuicio al querer llevar la música a la dirección que su intuición le dicte. Ahí está el sampleo a Beck –alguien con quien Vargas podría ser comparado sin ningún problema- en la futurista ‘Comino’, pero también llenar el ambiente de sombras en ‘El Ruido’, o usar el aparataje electrónico al servicio de la guitarra acústica parte de ‘Congleados’.

Más allá del hermoso libro que engalana el disco, que le otorga varios puntos en materia de comercialización, y que funciona como un complemento a la imaginería que destila Carlos Vargas en su debut como solista. Un tipo que busca delizadeza por sobre estridencia, que no rellena ni atiborra de sonidos inentendibles su material, sino que encuentra en lo frugal la materia prima de sus creaciones, lo más hermoso es posible encontrarlo en lo menos indicado, en un momento sorpresivo, desprovisto de cualquier adorno, no en lo ostentoso. Corderolobo sintetiza esa sensación en ‘Congelados’, donde sentencia que “La simpleza se hace querer”. Nadie pudo decirlo mejor.

Autoedición.

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La diversidad sonora, a veces marcadamente opuesta entre un track y el siguiente, sobretodo por la inflexión que marcan los interludios , hace que “Entre Ángeles y Demonios” se desarrolle de manera pausada, y quizás esto se debe en gran parte a que el viaje que ha implicado este disco ha sido largo para la dupla creativa que constituye la esencia de esta banda, compuesta por César Ascencio (guitarrista, tecladista) y Jimmy Fernández (voces), acompañados en esta ocasión por uno de los mejores bateristas de Chile, Cristóbal Orozco. En efecto, dos años completos abarcaron la producción de este LP, incluyendo varios cambios en la formación de la banda, y las grabaciones también se desarrollaron en igual período de tiempo, labor facilitada por la circunstancia de que César es propietario de un estudio profesional (Bolchevique Records) que está a su entera disposición. La inexistencia de límites temporales sin duda dio lugar a una dedicación y obsesión por los detalles, que los ha empujado a tomar una decisión audaz: crear una obra que se siente dedicada a ellos mismos y no a un público en particular.

El mayor logro que trasunta este larga duración es la definición de una sonoridad propia, sin importar los recursos técnicos o la clase de instrumentos que se utilicen. Las guitarras, que en el pasado gozaron de un rol principal (y que siempre han sido utilizadas con gran manejo), han mutado hasta convertirse en un elemento más casual, que cobra preponderancia esporádicamente, sobretodo en las canciones más rockeras. Son los instrumentos como el piano, sintetizadores, hammond, cello, contrabajo o violines, los invitados a asumir el protagonismo y aportar variedad y diversificación. Un manejo pulcro de las herramientas técnicas (véanse las amplias experimentaciones que reveló César a través del blog dedicado a la grabación), y una mezcla final que apuesta por un sonido más identificado con las producciones pop, resultan en un larga duración con una impronta propia y auténtica, donde se han dejado la piel para demostrar sus capacidades musicales, pero mucho más importante, que la honestidad y la expresión visceral son motores potentísimos para una banda de rock.

Las más de las veces, un trabajo tan apegado al alma del músico resulta en una experiencia fascinante para el auditor, y “Entre Ángeles y Demonios” no es la excepción.

Recomendadas: la magnífica y energética “El Puñal” (gran arreglo de cuerdas y cambio final); los beats up – tempo de “Bajo Fuego”; y la preciosista pieza pop “Como un Sueño”.

Entrevista

192: ¿Por qué decidieron dividir el disco en una mitad rock y otra “experimental”?
César: Es algo que fue naturalmente haciéndose evidente al momento de ir componiendo. Si la idea principal partía del piano, la canción se quedaba en una canción de piano; si partía de la guitarra, se desarrollaba desde ahí. Siempre partimos la composición de un nuevo disco sabiendo que queremos que sea distinto al anterior, así que optamos por dejar de lado el tipo de canción “híbrido” que habíamos cultivado en los discos anteriores, en pro de hacer canciones directamente de un tipo o de otro. El que volviéramos a trabajar solos en el estudio el Jimmy y yo, también nos dio la libertad de experimentar muchísimo con sonoridades e instrumentos que antes solo considerábamos como adornos. Llegó un momento en que llegamos a tener como 40 canciones, así que tuvimos el material suficiente como para equilibrar bien el disco en general y darle una forma y desarrollo coherente para que fluyera en su totalidad. También hubo mucho de explotar nuestras capacidades al máximo en base a las distintas facetas que disfrutamos de la música. Yo creo que este disco es el que más se conecta a nuestro background musical personal, que no es solamente rock.

192: ¿Cómo afectaron los cambios en la alineación el proceso de composición del disco?
C: Creo que la única forma en que afectó fue en cuestiones de logística al momento de tener que concentrarse en el estudio a trabajar. De cierta forma el proceso compositivo ha sido en esencia el mismo desde los inicios y con el tiempo ha pasado por distintas etapas o estados. El disco pasado fue súper trabajado de ensayos por lo que prácticamente entramos a registrar las canciones, lo que hizo que el proceso fuese bastante rápido. Esta vez el disco fue prácticamente compuesto y registrado simultáneamente, y el hecho de pasar por estos cambios de alineación de cierta forma nos jugó más a favor que en contra. Con el disco pasado tocamos y lo promocionamos bastante, lo que obviamente nos limitó al momento de dedicar el tiempo para componer y terminar las canciones en los ensayos, así que sabíamos que este disco iba a requerir mucho más trabajo y dedicación en el estudio… y con esa presión, no todos los músicos responden de la misma forma. Simultáneamente, Jimmy y yo – que hemos sido siempre los más trabajólicos y nunca paramos crear cosas nuevas – fuimos desarrollando una idea y concepto súper claros en cuanto a lo que queríamos para el nuevo disco, así que encontrarnos en un momento con la batuta prácticamente en un 100% en nuestras manos, fue positivo para lograr exactamente lo que teníamos en mente al crear.

192: ¿Cuáles son sus expectativas concretas con este nuevo disco?
C: Tocar harto, ojalá viajar lo más posible a mostrar el disco en sus distintas facetas en lugares que no hemos ido antes, y estrujarlo lo más posible para que llegue a la mayor cantidad de oídos posible. Tengo una visión súper regional en cuanto al trabajo de las propuestas artísticas y ojalá logremos concretar ediciones del disco en otros países. Ya sabemos que tenemos un buen nicho en Colombia y México… y espero que la próxima vez que viajemos a estos lugares lleguemos con el disco editado en ellos.

192: ¿Qué opinan de la escena musical actual en Chile? ¿Por qué va tan poco público a los conciertos de bandas nacionales independientes?
C: Chucha… (sic) es un tema pelúo (sic) y creo que son tantos los factores involucrados en el estado actual de la escena musical local, que me puedo poner latero a full…. Pero a ver… musicalmente siempre he considerado que estamos en un muy buen nivel y ponerme a reclamar por la falta de espacios de difusión que se le da al rock chileno en las radios o en la prensa en general está demás… Creo que hay una muy prolífica producción discográfica local (salen muchos discos) y hace rato que las bandas entendieron que lo mejor es la autogestión, cosa que es muy buena, pero por otro lado como que grabar un disco se ha convertido en algo tan fácil que te enfrentas a propuestas que en vivo no funcionan ni con los oídos tapados y te das cuenta que sus discos son más falsos que culebra con orejas. Yo soy de los que siguen pensando en que sí importa tocar bien para hacer un disco y veo que eso no siempre se da. Es una visión bien personal, pero me encantaría que las bandas fueran capaces de defender sus discos tal cual arriba del escenario. También considero que la mal llamada “prensa especializada” se ha dedicado a ensalzar propuestas que no son autosustentable y se apoyan en factores extras mas que sostenerse por si mismas.

Sobre la convocatoria a conciertos… mmm… hartas cosas… sobredosis de conciertos extranjeros; se ha mal acostumbrado al público que va a tocatas a meter 10 bandas por concierto lo que ha bajado la calidad de los shows locales. Lo que personalmente me parece una aberración es cómo las bandas tributo han acaparado un espacio que moralmente debería pertenecer a la música original, en esto tienen culpa tanto las bandas como los locales, productores y el mismo público que apoya esta forma fácil y rasca de conseguir éxito en los eventos.

Por último, nos guste o no… el chileno promedio es flojo y frente al mínimo obstáculo al momento de ir a un show, se queda en la casa… “total ya irán a tocar de nuevo…”

En todo caso, yo soy de los porfiados que sigue creyendo en que hay que hacer eventos de calidad y las bandas deben preocuparse de hacer el mejor show que puedan, aunque les toquen a 10 personas y salgan para atrás como maikol (sic).

192: Luego de casi una década de trayectoria, ¿Cuáles son los hitos de la banda y qué objetivos se plantean a futuro?

C: Que gracias a tu música puedas viajar a otros países y encontrarte con gente que no sólo escucha, sino que la siente como nosotros. Yo creo que ha sido algo súper importante e influyente en nuestra carrera. Creo que con el tiempo conseguimos desmarcarnos de un estilo determinado, y hemos logrado mantenernos haciendo lo que queremos y de la forma que queremos. Cada logro, grande o pequeño, ha tenido detrás mucho trabajo y esfuerzo, y creo que nuestro principal motor es mantener la misma pasión por nuestra música que teníamos cuando partimos.

192: Muchas gracias por tomarse el tiempo para atendernos y suerte en todos sus proyectos futuros.

+ info: http://www.librasite.com

Jorge Vega Cancino.

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La decisión por el cambio en una banda a veces es consciente, pero en otras ocasiones es algo que se produce naturalmente. Cuesta decidir cuál de los dos procesos ocurrió en el caso de este sexteto santiaguino, pero hay una tendencia a mutar ropajes, y el principal factor a considerar es el largo tiempo que abarca la composición de esta placa, donde las influencias musicales son múltiples y se distingue más de una mano autora detrás de las canciones. En ese contexto, la unificación del concepto musical es compleja, permitiendo encontrar pinceladas de varios estilos, todos aunados en torno al nü rock (o cualquiera denominación similar que quieran utilizar). Ciertamente se vislumbra una transición y una búsqueda, con momentos muy logrados, pero también hay bastante experimentación, reforzado esto último por las numerosas colaboraciones de músicos invitados.

La base bajo – batería es intensa y de líneas sencillas. La mayor parte del tiempo nos encontramos con patrones simples, directamente conectados con el trabajo de las guitarras, sin salirse de su papel de apoyo, pero cumpliendo con oficio.

Las guitarras son el elemento old school en este disco, compuestas principalmente por gruesos riffs base con afinación en drop. Constituyen el mayor resabio del antiguo N.O.T.C.A.M.P. y un nexo con la historia de la banda. De lo anterior debemos exceptuar “Las Tres Barricadas” y “Gente Ausente”, que presentan arreglos más emparentados con el post hardcore y el rock alternativo, y están entre lo más novedoso que encontramos en el disco, junto con la excelente balada rock “La Llegada de Camilo.”

Los scratches son un elemento que hoy no se escucha con frecuencia en las bandas de rock, y es que muchos reniegan del sonido noventero que se hizo demasiado homogéneo en algún momento. Sin embargo, cuando son utilizados con sapiencia, como en este caso, aportan al groove de ciertos riffs e introducen un componente de variedad. Las secuencias, si bien esporádicas, también aportan frescura y quizás podrían haber sido más numerosas.

Para hablar de las voces deberíamos hacer un análisis por canción (por el número de invitados), pero nos extenderíamos demasiado. Por ello, nos enfocaremos en los integrantes estables: Andrés lo hace bien en la voz melódica, se nota el cuidado en la creación y la prolijidad en la ejecución. Por su parte, y por ser uno de los sellos de la banda, sumado a la actitud y talento que tiene, se extraña la presencia de Juan Luis en las partes rapeadas, que aportan bastante dinámica a las canciones, como en “Ícaro” o “Despierta”, puntos altos destacables.

Las letras obedecen a un concepto unitario esbozado principalmente en el intro y outro que las acompaña (escapar a la rutina, atreverse), pero es cuestionable la idea de “disco conceptual”, ya que esa clase de disco sigue casi siempre una línea argumental más clara, frecuentemente asociada a la creación de personajes o al análisis de un mismo tópico desde diversos puntos de vista. No obstante, hay una buena pluma, con un potencial que aparece sobretodo en versos como los de “Lo que te Mata”, “Ícaro” y “Gente Ausente”.

El formato tarjeta USB del disco supone una novedad en la escena independiente, y es bienvenido sobretodo por los extras (vídeos, letras, fotos, maqueta para imprimir una copia física). Es de esperar que más adelante veamos el disco también en formato físico, para poder disfrutar del cuidado arte del booklet.

“UNO” supone un paso adelante para N.O.T.C.A.M.P., pero también un desafío en pos de definir su marca y los elementos que la componen.

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Cuando uno decide juzgar un elemento, lo hace analizando su condición actual. No lo hacemos mirando el retrovisor, ni tampoco acordándonos de lo que solía ser, no nos interesa que había antes, lo que sí nos interesa es su estado actual. Poco importa si la oxidada bicicleta que tenemos ahora, fue la más bonita que salió de la fábrica hace 20 años, porque se juzga el ahora, no el ayer. El ejercicio sirve en especial para comentar un nuevo disco. No interesa el pasado del grupo, ni tampoco lo que será de su futuro, lo que te interesa analizar es el presente, lo que tienes al frente tuyo, en este caso en tus oídos.

Luego de cinco años sin lanzar discos, Incubus nos entrega su sexto álbum de estudio –a pesar de las quejas de los fanáticos más viejos, el grupo siempre ha comenzado a contar sus discos desde el S.C.I.E.N.C.E hacia adelante– titulado “If Not Now, When?” y que es en palabras de su vocalista Brandon Boyd “Es nuestra carta de amor sónica al mundo”. Después de esa declaración de principios acerca de esta placa, el camino que transitamos en este disco confirma las palabras del frontman, este álbum no es remotamente parecido a ninguno que haya hecho la banda antes.

El lento y sinfónico comienzo del track que le da el título al disco, abre los fuegos de este nuevo capítulo. Las líneas del bajo y el constante ritmo en la percusión, construyen la base de esta hermosa melodía que explota en un glorioso technicolor casi al final, mientras Boyd nos invita a una búsqueda de nuestra propia alma con la frase “No escondas tu mirada, es la hora”. Mientras “Promises, Promises” tiene como base el piano de Mike Einziger y el bajo de Ben Kenney, complementados por el excelente registro de Boyd, que cada álbum que pasa parece cantar mejor. Es una canción simple, emotiva y elegante, con excelentes líricas que calzan perfecto con los pasajes sonoros reposados que tiene este track.

En “Friends And Lovers” el trabajo en la percusión de Jose Pasillas nos hace recordar a viejos bateristas vestidos de etiqueta, mientras  la interesante progresión de notas en la guitarra de Einzinger encausan las letras de Boyd, que desafía las concepciones más tradicionales del amor moderno con la frase “Lo que está mal en ti, es bueno para lo que está mal en mi”.

Con “Thieves” el grupo muestra su faceta política y lo hacen de inmediato en el coro: “Nos están vendiendo agua al lado del rio, ellos no hablan en nombre de todos!”. De nuevo es el bajo de Kenney y los punzantes riffs de guitarra de Einziger son los que llevan la batuta en este tema que exuda descontento. Mientras que en “The Original”, el comienzo consta de sintetizadores y una delicada guitarra, que construye con calma el ritmo de la canción prolongándose hasta ese hermoso pináculo en el coro, que parece flotar, liviano y psicodélico, para luego dar paso a un reverberante y contundente final.

En “In The Company Of Wolves” nos encontramos a una banda que busca nuevos horizontes sonoros y que nos desafía a este nuevo viaje sónico con tintes psicodélicos que han emprendido. Teclados y una delicada guitarra abren el pasaje melódico en que se cocina lentamente la primera parte de la canción. Es en la segunda parte de este tema donde a mí me hizo clic este disco: unas misteriosas y oscuras líneas de bajo preceden al manto etéreo que sale de los tornamesas de Chris Kilmore, mientras la lejana y reverberante voz de Boyd nos dice una y otra vez que “Fue la noche más larga de su vida”. Todo se une en el crescendo final, de probablemente, la mejor canción que ha compuesto el grupo en su carrera.

La oveja negra de este disco se llama “Switchblade”, porque parece no pertenecer al contexto sonoro del disco, sin embargo es un tema que coquetea entre el funk de los comienzos del grupo y su sonido más actual, que en ningún momento decepciona. El primer single de esta placa fue “Adolescents” un tema que sirve como puente entre el sonido más característico del grupo y su sonoridad actual, por lo cual, fue una buena jugada por parte de la banda, su elección como primer sencillo. “Tomorrow’s Food” despide este elaborado y hermoso disco, con guitarras y suaves sintetizadores, mientras las letras nos hablan de nuestra pequeña posición en el universo, algo así como que somos sólo tornillos dentro de una gran máquina.

Este nuevo disco de Incubus es de seguro un desafío para sus fanáticos. Tanto para los más antiguos (que seguramente lo odiarán porque ya no suenan como en el Fungus Amongus o en el SCIENCE) como para los más nuevos. Sonoramente este disco es bastante superior al último disco de la banda, “Light Granades” y en ése sentido es claramente una evolución. En este nuevo trabajo el grupo alcanzó altas cotas de experimentación musical, sonando por momentos psicodélicos, eclécticos y elegantes. En un mundo constantemente acechado por los revivals de todo tipo, el grupo entró a una nueva dimensión, un lugar donde habitan aquellos abiertos de mente y que constantemente buscan su lugar en el mundo, un lugar donde no existen los límites musicales.

Bien sabemos que la gente obsesionada con el pasado, es incapaz de ver el presente como corresponde; es por eso que esta evolución o mejor dicho esta revolución interna que nos trae el grupo se siente bien. Si quieren escuchar los primeros discos de la banda, los tienen a la mano, así que sáquense las ganas escuchándolos mil veces.

N. de la R: Me disculpo desde ya por la extensión de la reseña, pero era necesaria para contextualizar de lo que estábamos hablando.

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