Dicen los registros que desde 1999, Jack White siempre estuvo haciendo música, ya sea en un estudio o sobre un escenario; ya sea como único vocalista, segunda guitarra o detrás de bombos y platillos. También dicen que en 11 años editó 10 álbumes con tres bandas distintas. Y, además, su nombre aparece como productor de trabajos que van desde los hip-hoperos Insane Clown Posse hasta Loretta Lynn, figura del country en los ’70.

Con esos antecedentes, más el anuncio oficial del fin de The White Stripes en 2011 y el “receso indefinido” de The Raconteurs y The Dead Weather, el inicio de la aventura en solitario era cosa de tiempo, el paso lógico en una carrera inquieta y sin pausas como la de White. Sin embargo, fue la casualidad lo que llevó al estadounidense a editar “Blunderbuss”, su ópera prima cuya génesis comenzó en su propio estudio luego de que el rapero TMZ lo dejará ‘plantado’ y White decidiera invertir el tiempo en acordes nuevos. Te falta leer lo mejor →

Mucha gente se queja de la aparente falta de innovación que presentan hoy en día las bandas que hacen sus primeras armas en la música. Amparados en la desidia o en la carencia de ideas, exprimen todo el jugo de sus influencias hasta que lo poco que tienen que decir se esfuma en un abrir y cerrar de ojos en melodías originadas muchos años atrás.

Por supuesto, esa es una visión de las cosas. En un mundo donde la dualidad no es apreciado en su plenitud, todo tiene su símil y opuesto –“como es arriba, es abajo”-, y en la anterior descripción musical es acertado conjeturar que, si bien unos fracasan estrepitosamente en hablar desde el pasado, otros sortean el desafío con el temple de avezados veteranos. Te falta leer lo mejor →

Tras un regreso luego de un silencio de cinco años, coronado con la edición de un largaduración de canciones inéditas –“There Are Rules” (2011)-, la carrera de los Get Up Kids se encuentra, una vez más, en el congelador. Empero, Matt Pryor, su vocalista, ocupa ese espacio para hurgar nuevamente en su trabajo solista y sacar una nueva muestra.

Cuatro años después de su debut en dicho formato, a cargo de “Confidence Man”, el oriundo de Kansas City se atreve otra vez con “May Day”, una colección de doce tracks grabado en la intimidad de su hogar durante un mes. Y el aroma acogedor se respira desde ‘Don’t Let the Bastards Get You Down’ hasta ‘What My Tired Eyes Would View’, es decir, se siente un aire intimista que impregna al oyente de una calma que sorprende –pero de algún modo se intuía- si sólo conoces el trabajo de Pryor como miembro de los mentados TGUK o The New Amsterdams. Te falta leer lo mejor →

Enslaved El octavo disco del proyecto multinacional de Max Cavalera es presentado como el disco mas pesado desde la época de Sepultura. Por hoy es catalogado “como el Arise pero en crack” por el Baterista David Kinkade, recordando lo buenos tiempos del Beneath the remains (1991).

Un motivo por el cual siempre se criticó a Max fue el nunca poder lograr el sonido que caracterizó su antigua banda y encerrarse en el ejercicio de experimentar con el metal de moda. De todas formas, a medida que pasaba el tiempo se fue endureciendo el sonido. Esto queda en evidencia al escuchar los discos anteriores: Dark Age (2005), Conquer (2008), Omen (2010). Otra punta de esta arista puede ser la influencia de juntarse con su Hermano Igor en Calavera’s Conspiracy. Ténganse en cuenta. Te falta leer lo mejor →

Con veinte años haciendo música, y una carrera que explotó en el mainstream pero que de a poco se fue diluyendo en las manos de la masividad –aunque sin perder nunca su vigencia-, Nada Surf está una vez más frente a nuestros oídos con su flamante placa “The Stars Are Indifferent to Astronomy”.

Dos años después del espaldarazo que significó “If I Had a Hi-Fi” (Mardev), este es el primer disco que aloja canciones originales desde que en el 2008 fuera editado “Lucky”, y es un sincero testimonio de todas las creencias musicales que ha acumulado y ha postulado el trío neoyorquino. Alejándose de las técnicas de producción de estudio, Nada Surf apuesta por lo mínimo en materia de instrumentos, y bajo esa apuesta es que surgen canciones como ‘Waiting for Something’ y ‘Looking Through’, que traen de vuelta la energía y el rock. Y también hay lugar para el equilibrio, pues ‘Let the Fight do the Fighting’ pone la cuota de desnudez y delicadeza. Te falta leer lo mejor →

Siempre será necesario contar con un contexto para hornear de buena manera un nuevo disco de los ocho que hoy se enlistan bajo el nombre The Roots. Mucha responsabilidad corre por parte de la producción a cargo de ?uestlove y el trabajo realizado por Def Jam Records para acompañar este lanzamiento. Más allá del sonido R&B que mira siempre a la década de los setenta, se logra cuajar con guitarras rock para jugar casi al borde del jazz experimental en ciertas pasadas instrumentales. A nivel narrativo, Undun se toma una historia que casi parece ficción sobre la vida de Redfor Stephens. Un hombre batallando frente a las drogas, el narcotráfico en la puerta de su casa y las adversidades de una calle así.

El sonido de “banda” es ahora más presente que nunca, suenan baterías con panderos sobre hi-hat y guitarras que podrán hacer un poco más amena la tarea de escuchar líricas interminables del tono característico de NYC. Ahora cruzan a la vereda de enfrente para dejar atrás el trabajo soul con John Legend (Wake Up! 2010), la dureza del “How I Got Over” (2010) para pasar a un plano más abierto y menos explorado, la contextualización narrativa/musical. Te falta leer lo mejor →

Llegó noviembre y también el primer LP de Astro. La banda nacional que ya había encantado a varios con el EP “Le Disc de Astrou” desde el cuál se desprenden los éxitos taquilleros Maestro Distorsión y Raifilter, lanzaron su primera placa oficial invitando a la descarga gratuita del mismo durante los primeros diez días.

El álbum de 12 canciones abre con Ciervos, canción que la banda ya había regalado para que toda su fanaticada descargara y viera el video cuanta vez quisiera. En ese primer corte ya queda evidenciada la calidad técnica que tiene el disco, tarea que había quedado pendiente en el EP debut. Luego tenemos Coco, que se instala como esta clase de nueva música bailable con destacables teclados y secuencias ochentenas. Es un retrato de lo que muestra Astro en este disco.

En el tercer track ya se tira toda la carne a la parrila. Colombo es el mejor tema tejido de las manos de Andrés, Lego, Octa y Zeta. Te falta leer lo mejor →

Un sólido trabajo nos entregan los muchachos de Piedra con “Una piedra resiste en mi lugar”, segunda placa de los santiaguinos, en el que resaltan cuidadas composiciones con la crudeza de un power trío, que parece apropiarse del factor numérico para ganar en simpleza y efectividad. Guitarras potentes y una sólida base bajo – batería entrecruzan el larga duración, que se encumbra como una notable evolución a su anterior trabajo, “Señales”, editado en 2009 también por Incendiario Discos.

La banda conformada por Felipe Alegría en voz y guitarra, Rodrigo Carvajal en bajo y coros y Sebastián Fuentes en batería, va un paso más allá en sus posibilidades, presentándonos un trabajo bien elaborado, con líricas que funden la crítica social con un aparente estado de desesperanza y un sonido sorprendente y genuino, obra de la dupla Daniel y Ángelo Pieratinni, que estuvieron encargados del registro, mezcla y masterización del elepé. Te falta leer lo mejor →

Luego de liderar los diez años de carrera que tuvieron los desaparecidos Yupisatam, y de ser un colaborador en estudio y sobre el escenario de –los también extintos- Jirafa Ardiendo, Carlos Vargas se lanza con su primer registro en solitario.

Bajo el seudónimo de Corderolobo, Vargas nos introduce en un viaje que tiene mucho de la contradicción que almacena su nombre. Ocho son las canciones que surcan la cerca de media hora, y todas cargan una sensación ineluctablemente dolorosa, que adoptan diversas maneras de expresar ese estado.

Desde ‘Lo Que Veían Venir’ hasta el desenlace, con ‘Más’, Corderolobo hace gala de una característica dispersa que muchos envidiarían, ya que logra demostrar dominio de varios instrumentos sin exacerbar su uso, y se desmarca de cualquier prejuicio al querer llevar la música a la dirección que su intuición le dicte. Ahí está el sampleo a Beck –alguien con quien Vargas podría ser comparado sin ningún problema- en la futurista ‘Comino’, pero también llenar el ambiente de sombras en ‘El Ruido’, o usar el aparataje electrónico al servicio de la guitarra acústica parte de ‘Congleados’. Te falta leer lo mejor →

Enfrentarse a esta nueva placa de Libra, sin conocer el bagaje que representan sus dos anteriores trabajos y sus casi nueve años de trayectoria, podría hacer que uno erróneamente pase por alto la madurez que demuestran estas 13 canciones y 3 interludios que la componen. Si bien el comienzo del disco con “Somos Dos”, que se asemeja muchísimo a “Quieres Más” de “Vol. II: El Efecto” (basta con escuchar ambos coros), da la idea de que habrá una continuidad en el sonido de ambas placas; ya al pasar al track 2 podemos desechar esa idea, puesto que no hay repeticiones de patrones creativos ni canciones con fórmulas, sino una exposición amplia y extendida de toda la gama de géneros que Libra puede abarcar. Y es que si en un comienzo pareció que se integrarían a la escena nü rock – nü metal, ellos rápidamente decidieron desmarcarse de esa etiqueta y expandir su registro, al punto que en este disco confluyen estilos disímiles (rock, baladas, rock alternativo, pop, electrónica, experimental, post punk), dedicando canciones completas a explorar sus posibilidades creativas. Te falta leer lo mejor →

Para N.O.T.C.A.M.P. (sigla que significa No Ocultes Tu Cara Al Más Poderoso) fueron necesarios siete años para lanzar su segundo LP titulado “UNO”, sucesor de “Sagrada Raíz” (2004), al menos formalmente, porque muchas cosas han cambiado en tanto tiempo. Tres nuevos integrantes (vocalista, guitarrista y baterista) han supuesto un distanciamiento del sonido crudo de antaño, pero la transición hacia el nuevo sonido de la banda mantiene lazos fuertes con el pasado, y se mantiene su compromiso con el crossover rock/rap. Te falta leer lo mejor →

Cuando uno decide juzgar un elemento, lo hace analizando su condición actual. No lo hacemos mirando el retrovisor, ni tampoco acordándonos de lo que solía ser, no nos interesa que había antes, lo que sí nos interesa es su estado actual. Poco importa si la oxidada bicicleta que tenemos ahora, fue la más bonita que salió de la fábrica hace 20 años, porque se juzga el ahora, no el ayer. El ejercicio sirve en especial para comentar un nuevo disco. No interesa el pasado del grupo, ni tampoco lo que será de su futuro, lo que te interesa analizar es el presente, lo que tienes al frente tuyo, en este caso en tus oídos.

Luego de cinco años sin lanzar discos, Incubus nos entrega su sexto álbum de estudio –a pesar de las quejas de los fanáticos más viejos, el grupo siempre ha comenzado a contar sus discos desde el S.C.I.E.N.C.E hacia adelante– titulado “If Not Now, When?” y que es en palabras de su vocalista Brandon Boyd “Es nuestra carta de amor sónica al mundo”. Después de esa declaración de principios acerca de esta placa, el camino que transitamos en este disco confirma las palabras del frontman, este álbum no es remotamente parecido a ninguno que haya hecho la banda antes.

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Después de cerca de una década ocupando un rol soporte dentro de los espectáculos de la compañía de Teatro La Patogallina, la banda encargada de musicalizar cada montaje opta por la independencia y mostrar su primer elepé en total independencia del ámbito que lo vió nacer.

Titulado “Chile”, el sexteto comandado por Martín Erazo sigue estirando los diversos estilos que logró amasar en sus diez años de itinerario sobre las tablas. Mostrando una envidiable capacidad de insertarse en el inconsciente del ciudadao a pie, que debe lidiar día tras día con la rutina de trabajo y vida de familia, el comienzo es más que decidor. La furia contenida de ‘Remedio’, el diagnóstico decidor en ‘Todo Mal’ y escupiendo verdades al borde de la demencia en ‘Es3’. Te falta leer lo mejor →

Texto por Sebastián Pineda. Han pasado cinco años desde que el cuarteto de Sheffield, Arctic Monkeys se impusiera en el escenario musical independiente con su energético debut “Whatever people say that I am, that´s what I´m not”, que se caracterizaba por sus letras irónicas sobre la vida nocturna inglesa. Desde ese momento en que el grupo fue aclamado exageradamente por la crítica que han tratado de entender la razón por la cual llegaron a ser famosos en su LP “Favourite Worst Nightmares” (2007) ,y experimentar con un sonido más oscuro y melancólico en Humbug (2009), disco producido por Josh Homme (Queens of The Stone Age)  que no tuvo el éxito esperado tanto en crítica como en ventas.

Luego de alejarse del estilo de sus primeros dos discos, Arctic Monkeys regresa con su cuarto disco “Suck It and See” , que prometía un regreso al sonido original de la banda. Sin embargo el nuevo material presenta una mezcla entre la energía de su primer LP y la melancolía de Humbug. Cabe destacar que para este LP volvieron a contar con el productor de los dos primeros discos, James Ford. Te falta leer lo mejor →

Este año Pearl Jam ha preparado una agenda cargadísima, enrieladas a una serie de celebraciones en torno al vigésimo aniversario en que su debut, el seminal “Ten”, vió la luz. Dentro de todo este aluvión de actividades, su líder encontró un recoveco dentro de toda esta vorágine para nuevamente hacer armas en versión solista.

El resultado ya está a disposición de todo el mundo desde hace un par de semanas. Se llama “Ukulele Songs”, y es un nuevo refugio de Eddie Vedder para apaciguar la atención constante a la que se ve sometido cuando su nombre sale a la palestra, pues la asociación con su banda madre es indisoluble. Y pareciese que el cantante está dispuesto a entablar esa diferenciación, ya que esta placa anida su particularidad en que las canciones son compuestas e interpretadas sólo con ukelele, instrumento cuya familiaridad con Vedder empezó a germinar en ‘Soon Forget’, canción incluída en “Binaural” (Epic, 2000). Y quizás por esa misma razón que la encargada de inaugurar esta saga sea ‘Can’t Keep’, que está en el séptimo opus de Pearl Jam – “Riot Act” (Epic, 2002) -, como rindiendo tributo a sus orígenes. Te falta leer lo mejor →