Discos

Siempre será necesario contar con un contexto para hornear de buena manera un nuevo disco de los ocho que hoy se enlistan bajo el nombre The Roots. Mucha responsabilidad corre por parte de la producción a cargo de ?uestlove y el trabajo realizado por Def Jam Records para acompañar este lanzamiento. Más allá del sonido R&B que mira siempre a la década de los setenta, se logra cuajar con guitarras rock para jugar casi al borde del jazz experimental en ciertas pasadas instrumentales. A nivel narrativo, Undun se toma una historia que casi parece ficción sobre la vida de Redfor Stephens. Un hombre batallando frente a las drogas, el narcotráfico en la puerta de su casa y las adversidades de una calle así.

El sonido de “banda” es ahora más presente que nunca, suenan baterías con panderos sobre hi-hat y guitarras que podrán hacer un poco más amena la tarea de escuchar líricas interminables del tono característico de NYC. Ahora cruzan a la vereda de enfrente para dejar atrás el trabajo soul con John Legend (Wake Up! 2010), la dureza del “How I Got Over” (2010) para pasar a un plano más abierto y menos explorado, la contextualización narrativa/musical. Te falta leer lo mejor →

Llegó noviembre y también el primer LP de Astro. La banda nacional que ya había encantado a varios con el EP “Le Disc de Astrou” desde el cuál se desprenden los éxitos taquilleros Maestro Distorsión y Raifilter, lanzaron su primera placa oficial invitando a la descarga gratuita del mismo durante los primeros diez días.

El álbum de 12 canciones abre con Ciervos, canción que la banda ya había regalado para que toda su fanaticada descargara y viera el video cuanta vez quisiera. En ese primer corte ya queda evidenciada la calidad técnica que tiene el disco, tarea que había quedado pendiente en el EP debut. Luego tenemos Coco, que se instala como esta clase de nueva música bailable con destacables teclados y secuencias ochentenas. Es un retrato de lo que muestra Astro en este disco.

En el tercer track ya se tira toda la carne a la parrila. Colombo es el mejor tema tejido de las manos de Andrés, Lego, Octa y Zeta. Te falta leer lo mejor →

Un sólido trabajo nos entregan los muchachos de Piedra con “Una piedra resiste en mi lugar”, segunda placa de los santiaguinos, en el que resaltan cuidadas composiciones con la crudeza de un power trío, que parece apropiarse del factor numérico para ganar en simpleza y efectividad. Guitarras potentes y una sólida base bajo – batería entrecruzan el larga duración, que se encumbra como una notable evolución a su anterior trabajo, “Señales”, editado en 2009 también por Incendiario Discos.

La banda conformada por Felipe Alegría en voz y guitarra, Rodrigo Carvajal en bajo y coros y Sebastián Fuentes en batería, va un paso más allá en sus posibilidades, presentándonos un trabajo bien elaborado, con líricas que funden la crítica social con un aparente estado de desesperanza y un sonido sorprendente y genuino, obra de la dupla Daniel y Ángelo Pieratinni, que estuvieron encargados del registro, mezcla y masterización del elepé. Te falta leer lo mejor →

Luego de liderar los diez años de carrera que tuvieron los desaparecidos Yupisatam, y de ser un colaborador en estudio y sobre el escenario de –los también extintos- Jirafa Ardiendo, Carlos Vargas se lanza con su primer registro en solitario.

Bajo el seudónimo de Corderolobo, Vargas nos introduce en un viaje que tiene mucho de la contradicción que almacena su nombre. Ocho son las canciones que surcan la cerca de media hora, y todas cargan una sensación ineluctablemente dolorosa, que adoptan diversas maneras de expresar ese estado.

Desde ‘Lo Que Veían Venir’ hasta el desenlace, con ‘Más’, Corderolobo hace gala de una característica dispersa que muchos envidiarían, ya que logra demostrar dominio de varios instrumentos sin exacerbar su uso, y se desmarca de cualquier prejuicio al querer llevar la música a la dirección que su intuición le dicte. Ahí está el sampleo a Beck –alguien con quien Vargas podría ser comparado sin ningún problema- en la futurista ‘Comino’, pero también llenar el ambiente de sombras en ‘El Ruido’, o usar el aparataje electrónico al servicio de la guitarra acústica parte de ‘Congleados’. Te falta leer lo mejor →

Enfrentarse a esta nueva placa de Libra, sin conocer el bagaje que representan sus dos anteriores trabajos y sus casi nueve años de trayectoria, podría hacer que uno erróneamente pase por alto la madurez que demuestran estas 13 canciones y 3 interludios que la componen. Si bien el comienzo del disco con “Somos Dos”, que se asemeja muchísimo a “Quieres Más” de “Vol. II: El Efecto” (basta con escuchar ambos coros), da la idea de que habrá una continuidad en el sonido de ambas placas; ya al pasar al track 2 podemos desechar esa idea, puesto que no hay repeticiones de patrones creativos ni canciones con fórmulas, sino una exposición amplia y extendida de toda la gama de géneros que Libra puede abarcar. Y es que si en un comienzo pareció que se integrarían a la escena nü rock – nü metal, ellos rápidamente decidieron desmarcarse de esa etiqueta y expandir su registro, al punto que en este disco confluyen estilos disímiles (rock, baladas, rock alternativo, pop, electrónica, experimental, post punk), dedicando canciones completas a explorar sus posibilidades creativas. Te falta leer lo mejor →

Para N.O.T.C.A.M.P. (sigla que significa No Ocultes Tu Cara Al Más Poderoso) fueron necesarios siete años para lanzar su segundo LP titulado “UNO”, sucesor de “Sagrada Raíz” (2004), al menos formalmente, porque muchas cosas han cambiado en tanto tiempo. Tres nuevos integrantes (vocalista, guitarrista y baterista) han supuesto un distanciamiento del sonido crudo de antaño, pero la transición hacia el nuevo sonido de la banda mantiene lazos fuertes con el pasado, y se mantiene su compromiso con el crossover rock/rap. Te falta leer lo mejor →

Cuando uno decide juzgar un elemento, lo hace analizando su condición actual. No lo hacemos mirando el retrovisor, ni tampoco acordándonos de lo que solía ser, no nos interesa que había antes, lo que sí nos interesa es su estado actual. Poco importa si la oxidada bicicleta que tenemos ahora, fue la más bonita que salió de la fábrica hace 20 años, porque se juzga el ahora, no el ayer. El ejercicio sirve en especial para comentar un nuevo disco. No interesa el pasado del grupo, ni tampoco lo que será de su futuro, lo que te interesa analizar es el presente, lo que tienes al frente tuyo, en este caso en tus oídos.

Luego de cinco años sin lanzar discos, Incubus nos entrega su sexto álbum de estudio –a pesar de las quejas de los fanáticos más viejos, el grupo siempre ha comenzado a contar sus discos desde el S.C.I.E.N.C.E hacia adelante– titulado “If Not Now, When?” y que es en palabras de su vocalista Brandon Boyd “Es nuestra carta de amor sónica al mundo”. Después de esa declaración de principios acerca de esta placa, el camino que transitamos en este disco confirma las palabras del frontman, este álbum no es remotamente parecido a ninguno que haya hecho la banda antes.

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la-patogallina-saunmachin-chileDespués de cerca de una década ocupando un rol soporte dentro de los espectáculos de la compañía de Teatro La Patogallina, la banda encargada de musicalizar cada montaje opta por la independencia y mostrar su primer elepé en total independencia del ámbito que lo vió nacer.

Titulado “Chile”, el sexteto comandado por Martín Erazo sigue estirando los diversos estilos que logró amasar en sus diez años de itinerario sobre las tablas. Mostrando una envidiable capacidad de insertarse en el inconsciente del ciudadao a pie, que debe lidiar día tras día con la rutina de trabajo y vida de familia, el comienzo es más que decidor. La furia contenida de ‘Remedio’, el diagnóstico decidor en ‘Todo Mal’ y escupiendo verdades al borde de la demencia en ‘Es3’. Te falta leer lo mejor →

Arctic-Monkeys-Suck-It-And-SeeTexto por Sebastián Pineda. Han pasado cinco años desde que el cuarteto de Sheffield, Arctic Monkeys se impusiera en el escenario musical independiente con su energético debut “Whatever people say that I am, that´s what I´m not”, que se caracterizaba por sus letras irónicas sobre la vida nocturna inglesa. Desde ese momento en que el grupo fue aclamado exageradamente por la crítica que han tratado de entender la razón por la cual llegaron a ser famosos en su LP “Favourite Worst Nightmares” (2007) ,y experimentar con un sonido más oscuro y melancólico en Humbug (2009), disco producido por Josh Homme (Queens of The Stone Age)  que no tuvo el éxito esperado tanto en crítica como en ventas.

Luego de alejarse del estilo de sus primeros dos discos, Arctic Monkeys regresa con su cuarto disco “Suck It and See” , que prometía un regreso al sonido original de la banda. Sin embargo el nuevo material presenta una mezcla entre la energía de su primer LP y la melancolía de Humbug. Cabe destacar que para este LP volvieron a contar con el productor de los dos primeros discos, James Ford. Te falta leer lo mejor →

ukulele-songsEste año Pearl Jam ha preparado una agenda cargadísima, enrieladas a una serie de celebraciones en torno al vigésimo aniversario en que su debut, el seminal “Ten”, vió la luz. Dentro de todo este aluvión de actividades, su líder encontró un recoveco dentro de toda esta vorágine para nuevamente hacer armas en versión solista.

El resultado ya está a disposición de todo el mundo desde hace un par de semanas. Se llama “Ukulele Songs”, y es un nuevo refugio de Eddie Vedder para apaciguar la atención constante a la que se ve sometido cuando su nombre sale a la palestra, pues la asociación con su banda madre es indisoluble. Y pareciese que el cantante está dispuesto a entablar esa diferenciación, ya que esta placa anida su particularidad en que las canciones son compuestas e interpretadas sólo con ukelele, instrumento cuya familiaridad con Vedder empezó a germinar en ‘Soon Forget’, canción incluída en “Binaural” (Epic, 2000). Y quizás por esa misma razón que la encargada de inaugurar esta saga sea ‘Can’t Keep’, que está en el séptimo opus de Pearl Jam – “Riot Act” (Epic, 2002) -, como rindiendo tributo a sus orígenes. Te falta leer lo mejor →

El espíritu intacto, la esperanza de piéEl ultimo y esperado trabajo de Entrefuego, la banda ícono de la escena hardcore de chile y de Sudamérica lleva por nombre: El espíritu intacto, la esperanza de pié. Es un EP (vinilo 7″) que contiene 3 canciones, 2 de las cuales son nuevas “Caminaré”, “Verdades negociables” y “Heridas que aprenden a sanar”.

Este álbum es la mixtura perfecta entre lo social y lo emocional, algo característico en Entrefuego.  Queda claro que decir y mostrar el descontento social nos crea una sensación de pena, de agobio y de de ahogo.  Todas esas sensaciones que nos hacen sentir que no somos inmutables por un lado.  Por otra parte, un sonido cargado a la esperanza lleno de convicción, suma de lucha social y los gritos canalizando la pasión que viene de lo mas profundo de las vísceras, transformando prácticamente en himnos en cada uno de los coros, donde las baterías galopan junto con los tiempos avasallantes en los que estamos viviendo. Te falta leer lo mejor →

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Este “Codes And Keys” toma un camino totalmente diferente a la última producción de la banda (Narrow Stairs), el núcleo del sonido ya no son las guitarras tan características de cada disco de DCFC, sino que la posta la tomó el piano, los teclados, los violines y diversos elementos electrónicos, que le dan a los temas una amplia gama de texturas.

En la pista que le da el nombre al disco, se aprecia claramente este nuevo aire, exquisitas notas del piano de Chris Walla abren el tema, secundadas por la sección de cuerdas y una simple percusión, mientras Ben Gibbard refleja todo su optimismo actual, exclamando “Estamos vivos!”, algo impensado para el viejo Gibbard. Los platillos de la batería abren el álbum en “Home Is a Fire”, mientras un insistente beat trata de seguirle el ritmo a la percusión, aparecen las delicadas notas de la guitarra de Walla y el tono de Gibbard vuela suave y sutil en este experimental comienzo.

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Teoría de Gaia.ReevolucionesEs común que en todo debut discográfico se tire toda la carne a la parrilla. Es como si, en tu primer paso, fuese imperativo ofrecer al oyente cada una de tus influencias, de todos los molinos de viento que vistaste en tu aprendizaje. Un hecho que, sin lugar a dudas, busca la pericia necesaria para entablar finalmente una identidad personal. Intenciones que, empero, coquetean peligrosamente con lo opuesto. O sea, terminar siendo una copia, aprisionando tus propias ambiciones en pos de alcanzar la aceptación parafraseando o recurriendo a tópicos ya tocados, efectivos pero desprovistos de riesgo.

Por otra parte, hay otros que no disfrazan su pertenencia, pero que no abusan de esa procedencia. Reclaman su origen, pero no saturan los oídos con toda la información de aquél lugar. La información viene segmentada, poco consistentes en cantidad,  cierto, pero eso puede ser suficiente para alimentar la curiosidad por lo que pueda venir. Eso es precisamente lo que guarda este EP. Te falta leer lo mejor →

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Este disco tiene dientes, es lo primero que se me viene a la mente cuando pienso en este séptimo álbum de los Foo Fighters, y los muestra afilados a más no poder. Cuando la escena actual es dominada por experimentos pop (Perry, Lady Gaga, Rihanna) la banda liderada por Dave Grohl lanza uno de los discos de rock más potentes del último tiempo, un álbum que no tiene ningún atisbo de sutileza, acá todo es marcha directa y a la médula.

Producido por el legendario Butch Vig (encargado de la obra maestra de Nirvana, “Nevermind”) y grabado a la antigua –en cintas electromagnéticas y de manera análoga– en el garage de Grohl, en la ciudad de Los Angeles. Desde el comienzo se nota la mano pesada del trío de guitarras de Grohl, Pat Smear y Chris Shiflett, abriendo los fuegos con “Bridge Burning” y su muralla de riffs, para dar paso a uno de los mejores temas del disco –y primer single del LP– la envolvente “Rope”, que entrega ése clásico coro para estadio de las mejores composiciones de los Foo.

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No_Devolución Volver a las raíces, mirar hacia el interior para poder descubrir que es lo que somos y de donde venimos, conocer las necesidades y plantearse el redescubrir de material en el cual fuimos creado siempre podrá ser recuperado, sin impotar cuanto maquillaje lo cubra.

No devolución crea esa imagen en mi mente al escucharlo. Es el sexto disco de los americanos Thursday. Es tal la cantidad de influencias que podemos sentir al poner atención a las estructuras de las canciones que es inevitable hacer el símil con Envy, y la increíble cooperación que lanzaron hace unos años. Este es un disco atmosférico, oscuro en donde melodías galopantes de baterías en ritmo de screamo de la cepa mas europea-style que podamos oír, hace el peso a esa oscuridad que paradójicamente transmite el disco. Quizás sea porque grabaron algunas voces y sonidos al aire libre en un bosque y lograron plasmar la inmensidad de la nada en los sonidos y los silencios.
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