“Quería saber yo si Spinetta tenía algún sueño recurrente. La respuesta: ‘Si, que estoy tocando con John Lennon’. En medio de una larga entrevista que nunca llegó a manos de los lectores, retomé la pregunta hace tres años. Spinetta volvió a contestar lo mismo”.

Aquellas palabras fueron talladas por el reconocido escritor argentino Eduardo Berti, escindidas dentro de un especial dedicado a John Lennon en la revista Rolling Stone, en la edición de noviembre del año 2000. Y más allá de confirmar la identificación total de Luis Alberto Spinetta con el difunto Beatle –“Me interesa mucho más Lennon que Dylan, en cierto sentido. Su música, sus actitudes, son un poder… una especie de justicialismo de la belleza”, dijo tiempo después a la misma publicación-, lo anterior devela limpiamente la humildad de una músico que más que formar parte del olimpo de la música latinoamericana, probablemente lo haya construído.

Casualidades de la vida. La primera vez que oí del flaco fue en ‘Aún Sigo Cantando’, aquella vieja canción de Enanitos Verdes. Y, para ser sincero, de él conozco muy poco. Igual que todo el mundo. Luis Alberto fue un personaje raro dentro de la fauna rockera de este lado del mundo. Su fama de tipo circunspecto logró algo por lo que muchos famosos matarían: que el público sólo enfocara el interés y expectativas en su trabajo, no en la imaginería habitual con que los mitos son revestidos. Su vida personal no era de nuestra incumbencia ni relevancia, él lo dejó claro con cada entrega discográfica. Y la verdad sea dicha, con eso bastaba.

¿Vale la pena mencionar todos sus pergaminos?. Precursor, genio, guitarrista superdotado, inquieto, son algunos de los apelativos con que acompañamos su apellido. Eso sólo en la música, pues también incursionó en la pintura, poesía y filosofía. Y aunque no tuviera nada de aquello, su impronta más valiosa fue la de arriesgarse a hacer rock en nuestro idioma en un momento en que todos acudían al inglés para emular a sus ídolos. Poner al Pescado Rabioso al mismo nivel que su adorado Lennon o el de otros históricos nombres de la música popular no sería falsear ni exacerbar el cuento. Todo lo contrario.

Los que hoy sentimos su deceso, lo hacemos con un container de canciones eternas e insuperables. ‘Todas las Hojas Son del Viento’, ‘Cheques’, ‘Durazno Sangrando’ y ‘Bajan’ son sólo una mención de relieve para un catálogo de más de cuatro fructíferas décadas y que abarcó estilos que iban desde el folk, el jazz, guiños electrónicos, y también la ironía. Curioso es el trasfondo de ‘El Anillo del Capitán Beto’ (“El Jardín de los Presentes”, 1976), una de sus creaciones más aclamadas. Su conmovedor relato colinda con la leyenda de que en realidad es un sentido homenaje al Club River Plate –del cual era un fanático confeso-, que de la mano de Beto Alonso salió campeón en 1975, tras cerca de dos décadas de sequías.

Spinetta ha muerto, pero no se ha ido. ¿Cómo pretender semejante barbaridad con más de 40 años de música inexpugnable al óxido y al olvido dando vueltas por nuestro oídos y conciencias?. Su canción ‘Cine de Atrás’, del disco “Silver Sorgo” (2001), dice “Mira el cielo, que sólo hace bien”. Ahora que su autor inició su viaje eterno a la bóveda celeste, sólo queda dirigir los ojos hacia arriba y pensar en él, para comprobar la veracidad de esa frase. No sería raro que luego sea un sueño recurrente el estar tocando con Luis Alberto Spinetta. Hasta siempre, flaco.

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Como ya es costumbre, las últimas semanas del año son para los recuentos, y el 2011 tuvimos muchos discos para escuchar, ensalzar y también -por qué no decirlo- para tirarlos al tacho de la basura. No queremos ahondar en ello, pues hace algunos días ya les mostramos nuestros favoritos. Lo que les ofrecemos acá es una especie de lista de lo que se viene en materia de lanzamientos durante los próximos doce meses.

Partiremos por cinco nombres que han hecho historia en el rock. Paul McCartney tiene fecha para el 7 de febrero con “Kisses on the Bottom”, que romperá una sequía de casi un lustro. Por otra parte, la formación original de Black Sabbath anunció en noviembre una gira que partirá en junio próximo y también una nueva obra de estudio, que hasta ahora carece tanto de fecha como de título. Van Halen también regresa con material inédito, con salida en febrero, el primero con el histórico David Lee Roth desde “1984″.

Sin embargo, el regreso que ha dado más que hablar en estas semanas y que concentrará todas las miradas es el del prócer Brian Wilson, que volverá a las filas de The Beach Boys para el tour de celebración de sus 50 años como grupo y también la edición de un elepé que se encuentra en pleno registro, mientras que el canadiense Leonard Cohen dirá presente con “Old Ideas”, que verá la luz a fines de este mes.

Otros veteranos -no tanto como los arriba mencionados- que también están en carpeta este año son Paul Weller -”Sonik Kicks”, para el 27 de marzo-, Mark Lanegan -”Blues Funeral”, 7 de febrero-, Spiritualized -el 19 de marzo con “Sweet Heart Sweet Light”-, Soundgarden, con el primer fruto de estudio luego de su reunión acontecida el 2010 y Alice In Chains, que pretende sacar su segundo largaduración con el vocalista William Duvall.

Trent Reznor planea un 2012 cargado con el lanzamiento del primer disco de su proyecto How to Destroy Angels, y con el anuncio de que Nine Inch Nails comenzará a componer el sucesor de “The Slip” (2008). Por el lado del rock duro, el quinteto sueco Meshuggah tiene agendado el 27 de marzo como día en que su octava placa saldrá a la venta, y se espera que Metallica, Tool y Slipknot -aunque su líder Corey Taylor confirma que su proyecto Stone Sour si entrará al estudio- tengan algo en las estanterías antes de fin de año.

El siempre polémico Marilyn Manson llegará el próximo mes con “Born Villain”, y ojalá también se cumplan las promesas de grupos reformados como Garbage y No Doubt para sus esperadas obras. Bandas contemporáneas de la talla de Muse, The Mars Volta, The Killers, Franz Ferdinand y Bloc Party -luego de la polémica suscitada entre Kele Okereke y el resto de sus integrantes- también engrosarán la lista de ventas este 2012.

Por el lado nacional, se espera fecha para el cuarto disco de Gepe, del cual adelantó hace unos días la canción ‘Campos Magnéticos’.

Eso es, un año que se nota bien nutrido. Por supuesto hay muchos artistas que alistan lanzamientos para la temporada. Desde clásicos incombustibles como Kiss, Pearl Jam y U2, hasta exponentes como The Last Shadows Puppets, Nada Surf, Lana del Rey, Of Montreal, Queens of the Stone Age, Sigur Rós, The Shins, Rush, Tindersticks, Fiona Apple, Air y Miike Snow dirán presente. La vitrina está bien variada. Tan sólo queda esperar.

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Las festividades de año nuevo pasaron bien regadas seguramente, pero eso no nos impidió evaluar un 2011 harto generoso en materia musical, ya sea con discos, canciones y conciertos.

Acá en 192 pasamos noches de insomnio tratando de ordenar nuestros favoritos, que al fin podemos ofrecerles. Para las almas susceptibles, hay que dejar claro que es sólo una muestra de nuestras preferencias, en ningún caso estamos tratando de decir que una cosa es mejor que la otra. Son los colores que elegimos. Ustedes también pueden hacer lo mismo, y sería una estupenda retroalimentación.

Hernán Briones
Discos Internacionales:
Bright Eyes – The Peoples’s Key
H20 – California
Holy Ghost! – Holy Ghost!
Lydia – Paint it Golden
Metronomy – The English Riviera
New Found Glory – Radiosurgery
Nofx – Hardcore
Owen – Ghost town
Saves The Day – Daybreak
Silverstein – Support Your Local Record Store
Thursday – No Devolucion

Discos Nacionales:
Adrianigual – Éxito Mundial
Alex Anwandter – Rebeldes
Entrefuego – El Espiritú Intacto, La Esperanza de Pie

Conciertos:
Goran Bregovic – Playa cavancha, Iquique, 18 de enero.
LCD Soundsystem – Teatro Caupolicán, 27 de febrero
311 – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 3 de abril.
Kanye West – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 3 de abril.
Cut Copy -Industria Cultural, 14 de junio.
Adanowsky – Centro Cultural Amanda, 17 de junio.
Limp Bizkit – Movistar Arena, 21 de julio.
Metronomy – Industria Cultural, 3 de septiembre.
Bad Religion – Teatro Caupolican, 9 de octubre.
Toro & Moi – Centro de Eventos Cerro Bellavista, 3 de noviembre.
!!! – Primavera Fauna, 5 de noviembre.
Silverstein – Club Rock & Guitarras, 14 de diciembre.

Canciones:
‘Heart in Your Heartbreak’, The Pains of Being Pure at Heart.
‘Lluvia’, Matanza.
‘Me Gusta la Noche’, Adrianigual.
‘Misfits’, Travis Barker ft. Steve Aoki.
‘Tatuaje’, Alex Anwandter.
‘The Bay’, Metronomy.
‘Wait & See’, Holy Ghost!

Equistene
Discos Internacionales :
Atmosphere – Family Sign
Cyan – Historias Para No Romperse
Foo Fighters – Wasting Light
Glassjaw – Coloring Book
Grieves – Together/Apart
Mutemath – Odd Soul
The Black Keys – El Camino
Thrice – Major/minor

Discos Nacionales:
Entrefuego – El Espíritu Intacti, La Esperanza de Pie
Humana – In Case of Ear Discomfort

Conciertos:
Mayer Hawthorne & The County – Teatro la Cúpula, 6 de enero.
Paramore – Espacio Riesco, 26 de febrero.
Deftones – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 2 de abril.
311 – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 3 de abril.
Paul McCartney – Estadio Nacional, 11 de mayo.
Limp Bizkit – Movistar Arena, 21 de julio.
Violadores Del Verso – Teatro La Cúpula, 15 de noviembre.

Hernán Carrasco
Discos Internacionales:
Adele – 21
Bon Iver – Bon Iver
Fleet Foxes – Helplessness Blues
Foo Fighters – Wasting Light
Ryan Adams – Ashes & Fire
The Black Keys – El Camino
The Civil Wars – Barton Hollow
The War on Drugs – Slave Ambient
Wilco – The Whole Love
Yuck – Yuck

Discos Nacionales:
Astro – Astro
Fernando Milagros – San Sebastián
Humana – In Case of Ear Discomfort
María Colores – Llamadas Perdidas
Yael Meyer – Everthing Will Be Alright

Conciertos:
LCD Soundsystem – Teatro Caupolicán, 27 de febrero.
The National – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 2 de abril.
Deftones – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 2 de abril.
The Flaming Lips – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 3 de abril.
John Fogerty – Movistar Arena, 15 de mayo.
System of a Down – Estadio Bicentenario de La Florida, 7 de octubre.
Black Rebel Motorcycle Club – Teatro La Cúpula, 11 de noviembre.
Sonic Youth – Maquinaria Festival, Club Hípico de Santiago, 13 de noviembre.
Pearl Jam – Estadio Monumental, 16 de noviembre.
Kings Of Convenience – Teatro La Cúpula, 3 de diciembre.

Canciones:
‘Art of Almost’, Wilco.
‘Come Home’, Ryan Adams.
‘Heaven’s Gonna Happen Now’, The Pains of Being Pure at Heart.
‘Helplessness Blues’, Fleet Foxes.
‘Holing Out’, Yuck.
‘Holocene’, Bon Iver.
‘Gold on the Ceiling’, The Black Keys.
‘Mona Lisa’, Atlas Sound.
‘Rope’, Foo Fighters.
‘Whirring’, The Joy Formidable.

Jean Parraguez
Discos Internacionales:
Alex Turner – Submarine
Babybird – The Pleasures of Self Destruction
Christina Rosenvinge – La Joven Dolores
Cyan – Historias Para No Romperse
Elbow – Build a Rocket Boys!
Kasabian – Velociraptor!
Noel Gallagher’s High Flying Birds – Noel Gallagher’s High Flying Birds
Team.Radio – Summertime
Wilco – The Whole Love
Zoé – Música de Fondo, MTV Unplugged

Discos nacionales:
Bahía Inútil – Stand Scared
Casino – Million Days
Colombina Parra – Flores Como Gatos
Fármacos – Abril
Fernando Milagros – San Sebastián
Nueva Costa – Costa Brava EP
The Ganjas – Resistance

Conciertos:
Kashmir – Centro Cultural Amanda, 8 de marzo.
Deftones – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 2 de abril.
311 – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 3 de abril.
The Flaming Lips – Lollapalooza Chile, Parque O’Higgins, 3 de abril.
Limp Bizkit – Movistar Arena, 21 de julio.
Los Bunkers – Teatro Caupolicán, 1 de septiembre.
System of a Down – Estadio Bicentenario La Florida, 7 de octubre.
Fiskales Ad Hok – Teatro Caupolicán, 10 de octubre.
Primus – Maquinaria Festival, Club Hípico de Santiago, 13 de noviembre.
Pearl Jam – Estadio Monumental, 16 de noviembre.

Canciones:
‘Art of Almost’, Wilco.
‘En Mi Nave’, Cyan.
‘Free’s', Bill Callahan.
‘Happiness Loves Company’, Red Hot Chili Peppers.
‘Le Fee Verte’, Kasabian.
‘Lippy Kids’, Elbow.
‘The Death of You and Me’, Noel Gallagher’s High Flying Birds.
‘Tigers’, Stephen Malkmus & The Jicks.
‘White Limo’, Foo Fighters.
‘World Outside My Room’, Beady Eye.

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Lo que se vivió la semana pasada fue algo sumamente interesante para los sonidos más electro/indie de la música en Chile. Es que la gente de Club Fauna ya nos tiene casi mal acostumbrados con los shows que organiza como, por ejemplo,  al último confirmado MSTRKFT, pero eso es otro tema.

La siguiente es una nota de como fue para mí pasar tres jornadas entre dos shows y un festival. El minireporte, a continuación.

Toro y Moi

Toro y Moi  (3/11/11) en la Ex –OZ, un buen lugar para ver bandas en vivo. Pero estos oriundos de Columbia compartiendo el cartel con los muy buenos músicos nacionales llamados Nueva Costa que encantaron a los que no los conocían.  Llevándose muy buenas criticas entre el publico y haciendo el Warm-up para el necesario show de los jóvenes músicos de Toro Y Moi , es que la banda de Chaz Budnick se dedico a Repasar sus Hits pero bien cargado a sus más conocidas producciones  ‘Causers of This’ (2010) y ‘Underneath the Pine’ (2011) a pesar de que algunos se quejaron por el set , este show nos dejo  con la sensación de la tarea cumplida en una presentación más efectiva que efectista, ya que cero contacto con el público y con una actitud distante fue suficiente. Es de esperar la próxima visita y con un set algo mas caritativo con los fans mas antiguos de esta banda.

The Raveonettes

The Raveonettes (4/11/11) Amanda fue el espacio elegido para este show lugar también muy agradable que en el papel no era una previa para Primavera Fauna pero si que lo fue en lo práctico ya que estos se presentaban en el festival antes nombrado. Debo ser sincero mucho no conocía de esta banda mas allá de unas canciones como: ‘Attack Of The Ghost Riders’ y ‘Dead Sound’  pero me sorprendieron, es que el dúo formado por Sune y Sharin es perfecto y equilibrado se nota que llevan muchos años juntos el fiato es enorme. Para los que no los conozcan aún es una banda de rock que tiene clara influencia de ‘The Velvet Underground ‘y no es algo que escondan si hasta ellos mismos lo reconocen en entrevistas.  La presentación del Viernes pasado Fue interesante desde el punto que conto con 2 Bateristas de Pie dándole el tinte de rock a este dispar dúo de daneses, que dejaron contento a los mas Fans y a los que no los conocíamos tanto, dentro del set interpretaron : ‘Recharge & Revolt, Attack Of  The Ghost Riders, My Tornado, Evil Seeds, Forget That You’re Young, Love in a Trashcan, Ignite, etc.

Primavera Fauna

Primavera Fauna (5/11/11) la Expectación de este festival realmente era enorme tanto por el entorno elegido (espacioo Brdway)para la presentación y por el cartel de bandas que figuraban: !!! (chk,chk,chk),Vhs or Beta, Uffie, etc. Asi que contare como viví el festival ya que contar al completo como se realizo seria algo ilógico ya que había muchas cosas interesantes al mismo tiempo.

Llegue cercano a la 13:00 cuando se presentaba Fakuta pero sinceramente el calor era tan abrazador que la escuche de lejos cobijado en una sombra.  Ya que la había visto varias veces en shows locales. Terminando Fakuta salte junto con otras personas a la piscina es que el entorno te invitaba a Sumergirse en esa exquisita agua cerca de 40 minutos para volver cuando tocaba Fernando milagros un bueno show solido de un buen exponente nacional . Luego Salí en busca de los lockers para la mochila cuando me encontré con amigos y de lejos vimos el bizarro show de Jeneva Jacuzzi lo que recuerdo fue el cover de ‘Blue Monday’ mas allá nada un show  intracendente/incomprendido.

El sueño de la casa Propia: uno de los puntos altos del Festival, y de verdad para mi ahí partía la serie de bandas que me interesaba ver recuerdo haberlo visto con el show de Caribou pero ahora se presento con un bajista, de verdad sedujo a quienes no lo conocían con un postrock con maquinas aunque suene ilógico pero no sabría como definirlo de otra manera esa atmosfera esos ritmos altiplánicos, un buen show.
DNTEL: otro show que me interesaba ver porque sabemos que es parte de The Postal Service una de las bandas favoritas de 192, buen show cargado a la densidad algo que suele sonar siempre en sus sets, yo creo que no fui el único que nos quedamos con ganas de escuchar al menos el ritmo de algún hit de TPS, quizás el Calor sofocante actuó en desmedro del buen set que se mando.

Protistas/Denver:  los pongo con / porque así se presentaron dividieron el tiempo para presentar las 2 bandas bien por el espacio para las bandas nacionales pero  en comparación con otras bandas chilenas que tocaron mas tarde Protistas y Denver  tienen una calidad y peso infinitamente mayor.

UFFIE: un fraude el show de la francesa súper malo, claro lo que salvo la plata fueron sus acompañantes baterista y Dj de verdad defraudo a muchos la mediocre calidad del show.
momento precio para la picsina denuevo

Flight Facilities: un mixtape lanzado a mitad de año hacia presagiar que el set de estos australianos seria increíble, harta parafernalia, farandula y gente desaforada, incluso me hizo pensar que los que bailaban en el costado de la  Piscina nunca se enteraron del festival del otro lado del lugar, bien prendida la fiesta.

VHS or Beta: Otros que quería ver estos héroes del Dance punk armaron la fiesta con un solido show que encendió el escenario internacional, siempre sólidos es de esperar que vengan de una manera mas intima ya que un festival se limita la cantidad de tiempo de presentación.
Ya que la noche anterior había visto a The Raveonettes me fui a ver a Bailar al pool side
La gente  estaba en otra, era como otro mundo bien pegado,  que te hacia prender y entrar en el trance en seguida todos bailando con la música primero de Diegors y luego de los ya Consagrados Matenlo en la versión DJ-Set

!!! (chk, chk, chk): analizando el show no me imagino que otra cosa le falto por hacer  a Nic Offer es que estos iconos del indie-post-punk-locura como quieran llámenlos  estos Californianos de verdad  fueron lo mejor de la noche, eran los con mas prestigio y no defraudaron a nadie en ese sentido.

LO FI FNK: debido al retraso de algunas bandas los más perjudicados fueron estos daneses que tan solo alcanzaron a tocar 5 canciones y  mucho del público ya se había retirado, Pero para los que estuvimos ahí fue increíble la buena onda y cercanía de la banda, quería escuchar una canción y la tocaron así que me fui pagado de este show.
RAC-DJS y ROUND TABLE KNIGHTS: estos dúos de dj tuvieron un set tan increíble que bailamos  pasado las 4 de la madrugada y habíamos muy pocos.  ERAC se había presentado post Toro y Moi  tal como esa vez  incendio la pista.

Como conclusión se puede sacar que la piscina era necesaria, que se consigan un sponsor de algún Protector solar, que se acuerden que No toda la gente come carne, que se mejore el sistema de lockers, gracias por la toalla y que esperamos con muchas ganas primavera Fauna 2012 o una versión veraniega.

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REM, una de las bandas estadounidenses más emblemáticas del escenario alternativo musical ha anunciado su separación tras 31 años de historia dejando a su paso varios discos considerados tanto por la crítica como por sus seguidores como obras maestras de nuestra época. Esta reseña pretende realizar un análisis de los hitos en la carrera de este excelente grupo oriundo de Athens, Georgia.

La banda liderada por el carismático Michael Stipe comenzó haciendo ruido en la naciente escena musical universitaria en el año 1980, con la canción ‘Radio Free Europe’ y el posterior LP “Murmur” (1983). Sonaban sólo en radios universitarias de poca cobertura y se caracterizaban por un sonido poco común, letras enigmáticas y con un estilo vocal parecido a los murmullos.

Con “Murmur” REM se encargo de potenciar las radios universitarias que recién estaban empezando, lo que dió inicio a lo que hoy conocemos como rock alternativo. Ese estilo siguió en posteriores discos, como “Fables of the Reconstruction” y “Lifes Rich Pageant” hasta el año 1987 cuando sacaron “Document”, que los llevo a un público un poco más masivo gracias a canciones más tradicionales y con letras más claras, pero que seguían en el fondo siendo alternativas, como ‘Orange Crush’ y ‘The One I Love’, además del gran éxito de ‘It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)’.

Fama masiva

Luego del éxito de “Document”, REM siguió en esa senda, y aprovechándose del gran momento del rock alternativo en las radios el año 1991, sacaron el “Out of Time”, que los llevo a la fama ante el publico masivo. Este disco contaba con un sonido cargado al Folk y con letras optimistas, aunque a veces misteriosas. Con canciones como ‘Losing My Religion’, cuyo instrumento principal era una mandolina y “Shiny Happy People”, REM llego al tope de los rankings.

“Out Of Time” fue seguido el año 1992 por “Automatic For The People”, que es considerado el mejor disco de la banda tanto por la crítica especializada como por muchos fanáticos. Este LP se caracterizó por un sonido oscuro y la presencia de baladas, algunas con mensajes antisuicidas, como ‘Everybody Hurts’. Cabe destacar que este fue el último disco escuchado por el vocalista de Nirvana y gran amigo de Stipe, Kurt Cobain, antes de suicidarse el 5 de abril de 1994, ya que fue encontrado en su pieza con el disco puesto en un equipo.

Luego del suicidio de dos grandes amigos de Michael Stipe, Cobain y el actor River Phoenix, REM sacó su más rockero LP, “Monster“, cargada notablemente a las guitarras y con letras mas polémicas. Si bien no fue un fracaso, el disco no tuvo el mismo éxito de los anteriores, quizás por irse a un sonido muy distinto. Lo mismo ocurrio con su siguiente trabajo de estudio, “New Adventures in Hi-Fi”, que no logró altas ventas y que fue el último LP del grupo como cuarteto, ya que posteriormente el baterista Bill Berry se va de la banda, y con eso se acaba la etapa exitosa de la banda.

Cambios de estilo

Corría el año 1998 y el rock alternativo, que fue altamente impulsado por REM, ya no tenía la misma convocatoria. En esos años el éxito lo tenian las bandas que mezclaban su sonido con electrónica, debido a eso REM decidió experimentar con dichos sonidos. Así sacaron “Up”, que contaba con canciones altamente melodicas y con bases electrónicas, como ‘Daysleeper’. Sin embargo, no tuvo el éxito esperado y las ventas fueron bajas.

Tras el fracaso de “Up”, REM trato de irse por un estilo también melódico, pero sin las bases electrónicas, sino que un sonido pop. Así salió “Reveal” al año 2001, con canciones como ‘Imitation Of Life’. Este disco tampoco cumplió con las altas expectativas que se le imponen a una banda como REM.

El año 2004 arremetieron de nuevo con el pausado, reflexivo y, en algunos casos, políticamente cargado “Around The Sun”, que fue el LP menos vendido de REM después de “Up”. Su primer sencillo ‘Leaving New York’ no logró el impacto esperado y las ventas fueron bajas.

Tras los fracasos sucesivos, la banda decidio cambiar radicalmente su sonido por uno más parecido al REM de los viejos tiempos, y así fue cómo llegaron al “Accelerate” del año 2008, que si bien no llegó al mismo éxito de la época dorada del grupo, tuvo mejores ventas y crítica que los tres LP anteriores.

Y llegamos al último trabajo de estudio de esta emblemática banda, “Collapse Into Now”, lanzado este año, el mismo año en que se separaron y que sigue la línea del “Accelerate”. Sorprende que quieran separarse el mismo año que sacaron un LP que tuvo buenas críticas y aceptación de la gente, pero luego de 31 años de carrera, quizás necesitaban un descanso.

Por Sebastián Pineda.

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Amy Jade Winehouse nació en la pequeña localidad de Southgate, ubicada al norte de Londres en 1983. Hija de una farmacéutica y de un taxista, encontró su pasión por la música desde temprana edad. A los 10 años formó un grupo de rap junto a una amiga y lo bautizó como “Sweet ’n’ Sour”, siendo ella obviamente, la parte agria del dúo.

Esta pasión por la música fue permeando en ella debido a la afición de su padre por Frank Sinatra. Sin embargo, no sólo era Sinatra lo que movía a Winehouse, hip hop, jazz y pop también estaban en su radar. Debido a este interés por la música, fue matriculada a temprana edad en la Sylvia Young Theater School, academia especializada en teatro, danza y canto.

La estadía en aquel establecimiento no duró por mucho tiempo. Fue expulsada a los 14 años por “no esforzarse mucho” y por un piercing en la nariz, algo que en la recatada academia era inaceptable. Rápidamente ingresó a la BRIT School of Performing Arts and Technology, escuela de artes, lugar de nacimiento de varias artistas contemporáneas como Lilly Allen y Adele.

Años más tarde sería descubierta por el ojo del caza talentos Darcus Beese, quien impactado por el talento vocal y actitud de Winehouse, la presentó en el sello Island Records. La plana mayor decidió contratarla de inmediato y comenzó el proceso de grabación de su primer disco a la edad de 19. Bajo la atenta mirada de Salaam Remi en la producción, la cantante lanzó “Frank” su álbum debut en Octubre del 2003, altamente influenciado por el jazz, el soul y el R&B.

Gracias a ése trabajo, fue nominada en dos categorías en los BRIT Awards, en una categoría en los Mercury Prize Awards y obtuvo un galardón en los destacados premios ingleses, Ivor Novello Awards. Sin embargo, la verdadera explosión llegó el 2006, cuándo lanzó su segundo disco titulado “Back To Black”.

Aquel trabajo fue grabado y producido por el ya mencionado Remi, pero también contaba con el trabajo del destacado productor y músico Mark Ronson. Además en esta ocasión, la cantante se acompañó en el estudio por la banda de soul británica, Dap-Kings. Ese álbum era un compendio de canciones de tintes sombríos y de un estilo que se nutría del R&B de los años 60, mezclados con instrumentos de viento y ritmos que eran casi hip hop.

La narrativa de ése trabajo estaba enfocada en líricas personales, que contaban de sus fallidas relaciones de pareja, las adicciones y el sexo. Según confesiones de la propia Winehouse “No quería seguir la rutina de despertar, beber, llorar, escuchar a The Shangri-Las y dormir. Ya no podía aguantarlo, así que preferí transformar ése dolor en canciones y es así como pude superar mis problemas”.

Este segundo disco le valió a Winehouse múltiples nominaciones en los premios Grammy del 2008. Mejor disco del año, canción del año y cantante pop del año fueron algunas de las categorías en las cuales competía la artista. Obtuvo cinco galardones en aquella ceremonia, empatando el record que tenían artistas como Beyonce, Alicia Keys y Norah Jones en premios obtenidos en una sola ceremonia.

Desde ése segundo disco, Winehouse no había lanzado ningún otro disco. Sus conflictos matrimoniales, que la llevaron al divorcio en el 2009, sus adicciones y su oscuro modo de ver las cosas, fueron obstáculos insalvables para tratar de enfocarse en la composición de un nuevo registro.

Aunque intentó volver a lo que la hacía más feliz, sus esfuerzos quedaron cortos. El mes pasado, en el primer show de su gira europea en Belgrado, la artista salió al escenario en pésimas condiciones, caminaba errantemente por el escenario y sus letras parecían encontrar un obstáculo entre su boca y el exterior, por lo cual, fue abucheada intensamente y su gira cancelada por sus representantes.

Esa fue la última llamada de atención antes de que la encontraran muerta en su departamento de Camden, en Londres en la tarde del sábado. Si bien la causa exacta de su muerte aún no es informada oficialmente, todo indica que se debería a una sobredosis de drogas y alcohol. Al final una de sus letras más emblemáticas se hizo realidad: “Ellos trataron de que fuera a rehabilitación y yo dije no, no, no”. Dicho y hecho.

El contraste entre su vida y la música, le valió ser una de las figuras pop más llamativas del último tiempo. Sus constantes arrestos por drogas, colapsos en público y conciertos arruinados ensombrecieron su talento como artista y su carrera nunca pudo volver a su cauce. Las drogas y el alcohol tomaron su talento y alma, mucho antes de que tomaran su vida.

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Dicen que los genios están condenados a una vida corta, pero intensa. Eso queda totalmente reafirmado, con la vida que tuvo el mayor exponente del reggae en la historia, el jamaicano Robert Nesta Marley, más conocido como Bob Marley. Nacido el 6 de Febrero del año 1945, en la pequeña aldea de Nine Mile en Jamaica, en el núcleo de una numerosa familia. Lo de Marley siempre fue la música, tanto así que dejo la escuela a la edad de 14 años, para perseguir su sueño musical.

Ya a la edad de 17 años grabó sus primeros temas bajo el seudónimo de Bobby Martell; si bien esas primeras canciones no llamaron mucho la atención, serían los cimientos para su destacada carrera musical. En el año 1963, Marley reunió definitivamente a los integrantes que quería para su grupo, y que luego de un par de cambios de nombre, pasarían a llamarse “The Wailers”. El primer disco de The Wailers llegaría tres años más tarde, bajo el título de “The Wailing Wailers”, disco que contaba con canciones como “One Love” y “Love And Affection”, y que fue lanzado solamente en su natal Jamaica.

En el año 1970 lanzarían “Soul Rebels” disco que lograría cruzar las fronteras y ser lanzado fuera de Jamaica, bajo el sello de Trojan Records. Tres años más tarde llegaría el debut absoluto en un sello gigante con el álbum “Catch A Fire“, producido bajo el alero de Island Records, sería el disco que los catapultaría a la fama mundial; catalogado entre los 500 mejores discos de la historia por la revista norteamericana “Rolling Stone” y reconocido como uno de los mejores discos en la historia del reggae.

Pasarían luego “Burnin’”, “Natty Dread”, “Rastaman Vibration” y “Exodus”; siendo en el disco del 1974 –titulado en honor al movimiento Rastafari– ”Natty Dread”, cuando el grupo se cambia de nombre a Bob Marley & The Wailers, luego de que dos de sus integrantes dejaran el grupo para lanzar carreras individuales. Vendrían tres discos más bajo ése nombre –“Kaya”, “Survival” y “Uprising”– antes de que Marley falleciera el 11 de Mayo de 1981 a causa de un melanoma cancerígeno, a la edad de 36 años en la ciudad de Miami, Estados Unidos.

Bob Marley es sin duda un icono musical imperecedero, un hombre que dejó una huella imborrable en los amantes de la música, trascendiendo razas, edades y religiones a través de su mensaje de reivindicación social y paz. Fue alguien que luchó siempre por los derechos de los más necesitados, luchó con fuerza por la libertad de los esclavos del continente africano y a través de sus canciones buscaba transmitir un sentimiento optimista y conciliador, un mensaje de paz y amor en el mundo; como olvidarse de canciones como “Three Little Birds”, “Get Up Stand Up” y la mágica “Redemption Song”, una de las últimas canciones que escribió antes de su muerte.

Es por eso que este 11 de Mayo varios artistas –entre los que contamos a Bob Dylan, Chris Cornell, Lenny Kravitz y su hijo Ziggy Marley– se reunirán en el show de Jimmy Fallon para darle tributo a uno de los más grandes de la historia musical, como bien dijo su viuda “Bob no está muerto, él vivirá por siempre en el recuerdo de todos aquellos que escucharon su mensaje, la música nunca morirá”.

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Desde la muerte de Paul Gray, acaecida en mayo del 2010, el futuro de Slipknot se ha llenado de incertidumbre. Muchas declaraciones han caído, todas disímiles entre si: que seguirán, que grabarán un disco nuevo; pero todas esas intenciones venidas de gran parte del conjunto se evaporan al instante cuando toma el micrófono Corey Taylor, su vocalista. Lo último que se despachó, a la radio WGRD, fue lo siguiente:

“Si nuestra próxima gira no sale bien, Slipknot se terminará. Digo las cosas como son. No voy a ser su bufón ni les voy a mentir, porque se darían cuenta al instante”.

Eso fue a propósito del tour que harán este año en el verano europeo y que incluye una escala en el Rick In Rio de Brasil (que tiene a muche gente en vilo, pues no hay pronunciación de que abarque más países del cono sur). Y no sólo eso, pues su opinión respecto del futuro de la banda es muy poco optimista: ni siquiera contempla grabar un nuevo trabajo de estudio, que venga a suceder a “All Hope Is Gone” (2008), estado de ánimo que toma ribetes totalmente opuestos cuando habla de Stone Sour o de su fallida incursión en Velvet Revolver, donde Slash ya bajó la cortina a cualquier chance de que Taylor reemplace a Scott Weiland.

Por otra parte, los demás integrantes de Slipknot ven el futuro con mejores augurios, al punto de considerar seguir el proyecto sin su vocalista. El miembro más antiguo, el baterista Joey Jordison, fue muy explícito:

“Slipknot siempre existirá, con Corey o sin él.”

Además, añadió que está muy entusiasmado trabajando en nuevas canciones para el grupo, panorama que a Taylor le parece aterrador.

La conclusión que se puede sacar de estas declaraciones es simplemente la enorme importancia que tuvo Gray en el funcionamiento del combo. Cuando dijeron que el bajista era “el alma de la banda”, no eran palabras de buena crianza. Es cosa de ver lo que provocó su repentino deceso, sobre todo en Taylor, lo que habla mucho de la convivencia interna, donde Paul Gray seguramente hizo muchas veces de “bisagra” ante cualquier discrepancia entre el vocalista y los demás. Puede que las situaciones no hayan sido precisamente de esa manera, pero todo lo que ha ocurrido desde hace casi un año da para sopesar dicho escenario.

Por lo pronto, Slipknot hará sus conciertos pactados. Lo que vendrás más adelante, quedará a merced de lo que Taylor o Jordison -o cualquier otro- puedan acordar. Una separación sería una lástima.

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Reconozcamos que los más puristas se mantienen en el período pre A Crow Left Of The Murder. Mucho antes que eso, fueron “Pardon Me”, “Stellar” y “Out from under” los símbolos que aún cautivaban a fanáticos duros que no se despegaban del S.C.I.E.N.C.E. ni el Fongus Amongus. Todo el tiempo en que uno se decía “¡Chucha! Estos cabros son demasiado buenos en sus intrumentos”. Luego llegó la ola mainstream, grabaciones para Cribs de MTV y el vitoreado DVD Morning View Sessions.

Ahora Incubus está por volver y sólo nos muestran una canción. Precipitado sería lanzarse a enterrarlos a punta de argumentos, otros dirán que habrá que esperar para ver el resultado de los 4 años que han pasado desde el Look Alive DVD y la música que crearon para ambientarlo. De todas formas su nuevo disco saldrá el 12 de Julio de 2011 bajo el título “If Not Now, When?”.

Como tuvieron fama a temprana edad, de seguro ya están aburridos. Cualquiera se puede aburrir. Un ejemplo es el de Mike Eizinger, guitarrista chascón de la banda californiana. Se armó como 4 proyectos alternativos que eran casi mil veces mejores, más atrevidos, más experimentales y difíciles que lo que venía trabajando con Incubus. En los últimos trabajos con la banda, todo me sonaba a Drive y cosas del Morning View, casi dormidos con historias melosas cantadas por Brandon Boyd para las niñas fans. Ben Kenney es otro caso aparte, no puede mantenerse quieto.

La canción nueva no es mala, “Adolescents” es simplemente aburrida. Ya pasó el tiempo de las canciones duras, es hora de olvidarse de Make Yourself y saltar a otras bandas. Algunos hicimos este ejercicio hace bastante tiempo atrás. Let them go.

Incubus – If Not Now, When? (2011)

01. If Not Now, When?
02. Promises, Promises
03. Friends And Lovers
04. Thieves
05. Isadore
06. The Original
07. Defiance
08. In The Company Of Wolves
09. Switchblade
10. Adolescents
11. Tomorrow’s Food

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Por Chris Leskovsek

Para mí, siempre ha sido importante este pequeño “cool” blog el cual sigo hace años ya. Sobre todo por la cabida que le dan a la música en general y no a un estilo en particular.

Esta pequeña nota la haré 100% desde un punto de vista personal y no siendo “políticamente correcto”, así que perdónenme si no detallo en cifras o estadísticas, es solo la visión de un melómano más, hablando de la importancia que tiene, y que creo podría tener para todos uds, el celebrar el “día de la disquera independiente”. Acá no hay polémica de que es mejor, si un mp3 es mejor que un CD o que un vinilo. Así es que si buscas leer de eso puedes googlear en otra parte. Esto es solo una opinión personal.

Creo que nadie a estas alturas puede hacer oídos sordos, o hacerse el ciego, con respecto a lo que está pasando con la industria del entretenimiento actual. Desde el 2007 (quizás un poco antes) que las descargas ilegales, mp3′s, torrents, etc han ido de a poco destruyendo particularmente la industria musical (la cinematográfica por alguna extraña razón, aun sobrevive).

Muchos hablan de un cambio del formato (y lo comparan con el paso de la cinta al vinilo, y de este último al cassette, y de este al cd, etc), otros hablan de que es un mera conspiración política de las grandes disqueras por no estar facturando dinero, y otros que no saben como legislar sobre “internet”, etc.

Lo único que todos sabemos, es que  por cambio o conspiración, algo esta pasando y no sabemos reaccionar. Pero sabemos que músicos, bandas y tiendas independientes están en peligro severo de extinción. Pero no todo es tan negro, creo yo. Ya que esta ola de revivir lo vintage ha traído consigo, no sólo la vuelta de la fotografía análoga, sino que de los vinilos y de las ediciones sólo para coleccionistas, a modo de seguir manteniendo la música en un formato físico. ¿Será esto un simple salvavidas de plomo? Quizás es así, pero disfrutémoslo mientras dure.

Es por esto, y por el espíritu de los que aún creemos, apoyamos, compramos y disfrutamos visitando disquerías para comprar nuestros discos, para luego ir a tomarnos una buena cerveza escuchando, viendo y leyendo estos bellos trabajos con nuestros seres queridos; es que el año 2007, un simple empleado de una disqueria independiente, llamado Chris Brown, creó el Record Store Day.

¿Cual es el fin de este día? ¿Es un día comercial como los demás? Sí, lo es. Pero tan bueno como el de la madre, el del padre o el del niño. Se celebra el tercer sábado de abril de cada año, con la simple razón de recordar lo que es ir a una disquería con tus amigos, y buscar cuán ratón de biblioteca, entre pilas de compactos y vinilos, ésa gran joyita musical. ¿Cuál es el fin? Simple, apoyar la música y por sobre todo, rescatar las disquerías musicales que están a un paso de la extinción, ¿exagero?, No, no exagero.

Yo no soy quién para decirles que hacer o que no, pero cuando me preguntan: ¿por qué sigo comprando música? Simplemente y entre muchas otras razones, porque de verdad me gustaría poder heredarle a mis hijos, una época, sensaciones, y emociones que nunca heredé de mis padres. Me incomoda mucho el hecho de perder la visualidad de la música, porque ni siquiera entraré en el terreno de opinar sobre calidad musical de un mp3, versus la del CD o del vinilo. Simplemente porque para mí, no existe comparación alguna.

Debe ser por mi profesión de diseñador y fotógrafo, que me molesta el hecho de escuchar un disco y no verlo, o sentirlo. ¿Soy de la vieja escuela? Quizás, pero solo tengo 28 años. No soy un viejo, pero también entiendo que no tengo 15 años. ¿Qué va a pasar cuando en los próximos 50 años, no hayan discos físicos y ya vayan en el mp800? ¿Qué harán con todas las toneladas de terabytes de “fanatismo” musical que tendrán?.

Quizás les puedan heredar a sus hijos un pendrive. Pero tal vez, en 50 años más quizás ya ni hayan puertos de USB, y cuando sus hijos quieran ser vintage por escuchar a Lady Gaga o My Chemical Romance, cómo le mostrarán visualmente lo que era esa onda? ¿Cómo podrán mostrarles la evolución de una banda?. Esto lo hablo desde el punto de vista de un “fanático 3.0″ de la música, dejando de lado los que “escuchan música para acompañarse” y confunden a Metallica con My Chemical Romance (los hay..).

Un disco para mí, de verdad, que es harto más que las diez o doce canciones incluidas, es la experiencia que me da un disco. Cada disco para mí es un momento, capítulo de mi vida. !En serio! No concibo por ninguna parte escuchar un disco de Tool, sin verlo por ejemplo. Así podría mostrarles y nombrarles, cientos de bandas que se esfuerzan cada vez más, por seguir sacando discos físicos y en ediciones especiales, para los “tres tipos” que quedamos aún comprando, y apoyando la música que ellos hacen.

¿Cuántos de ustedes han ido a una discuerda independiente? Y no hablo de la Feria del Disco. Hablo de las disquerías en Paseo Las Palmas, Portal Lyon, Eurocentro, muchas muertas, otras a medio morir saltando. Les recomiendo que vayan un día para que sientan lo que es comprar música. Vayan y aprendan lo que es una disquería. Puedo decir con fe, que es gracias a las disquerías es que tengo grandes amigos que acarreo hasta el día de hoy, incluso algunos de ellos ahora son periodistas, y especializados en temas musicales. Se que ellos mismos no podrían nombrar mejores escuelas, que aquellas tardes de fin de semana, revisando y escuchando, una y otra vez, disco tras disco de cada banda, en esas tiendas.

Ahora no vivo en Chile, y donde estoy, si se celebra el Record Store Day y no saben lo ansioso y feliz que estoy de que, por primera vez en mi vida podré ir a uno y “vivirlo” como corresponde. ¿Y qué significa esto? Comprar ediciones especiales de discos exclusivos para ese día, no disponibles en ninguna otra parte, interactuar con otras personas, fiestas, concursos, bandas tocando dentro de la disquería, etc. Simplemente celebrar la música como corresponde. Y como corresponde, no es con un iPod solo en tu casa, frente a una pantalla chateando. Insisto, es un humilde consejo de una persona como cualquiera de ustedes, que simplemente, como fanático de la música le gustaría que hubiesen más como él, simplemente por celebrar y disfrutar la música.

En Chile no se celebra, pero si entre los que quedamos que aun compran y/o regalan música, hiciéramos una lista de nuestras disqueras independientes favoritas, con dirección y/o pagina web,  podríamos armar algo interesante o simplemente ir cada uno a una tienda, hablar con los dueños y  convencerlos que se inscriban en la pagina del Record Store Day, y así incluir a Chile en este tremenda celebración.

No quiero que lean esto como un comentario cliché, sólo quise compartir con ustedes, lo que de verdad es para mí –y que sé que para varios de los que trabajan en este genial blog – el hecho de “vivir un disco”. Y eso es algo que vale más que ocho o diez lucas. A mí por ejemplo, me dio una carrera. Siempre estaré en deuda con eso. Y por lo mismo, diseñé un póster para celebrarlo, con un extracto de una cita del gran Nick Hornby (High Fidelity, About a Boy) “Las disqueras no te van a salvar tu vida…pero si pueden darte una mejor”.

http://www.recordstoreday.com/SpecialReleases (Lanzamientos exclusivos para ése día)

http://en.wikipedia.org/wiki/Record_Store_Day

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Nos aventuramos en este primer festival Lollapalooza Chile como cualquier hijo de vecino, sin privilegios especiales ni nada que nos hiciera diferentes a un asistente ordinario, recorrimos Santiago y participamos en la fiesta del Parque O’Higgins durante el pasado fin de semana, acá nuestra crónica.

Llegamos a Santiago dos días antes del evento, y de partida nos sorprendió  la cantidad de extranjeros que había, mucho más de lo acostumbrado para la ciudad. Alcanzamos a asistir al sideshow de The Killers ese mismo día, en el Teatro La Cúpula, no fue la mejor experiencia, pero ya en el show había un ambiente más festivo, gente de Colombia, Brasil, Australia y Argentina había como asistentes, los cuales nos comentaron que ver a un grupo de categoría mundial en un recinto tan íntimo era un lujo que pocos podían contar en sus vidas.

Esa misma noche nos datearon (vía twitter) sobre el lugar donde estaría el grupo una vez terminado el show, nos apersonamos al lugar indicado y tuvimos que esperar un buen rato en la entrada para que nos dejaran pasar, al parecer la pinta con que la que andábamos no era la más “apta” para aquél lugar, pero pudimos ingresar. Una vez adentro, y luego de pedir unas “bebidas”, nos encontramos de frente con tres de los cuatro integrantes del grupo, siendo Brandon Flowers el único que faltaba, bien sabido es que el vocalista del grupo es mormón, por ende, no bebe ni tampoco fuma, no baila apretado, etc. Conversamos con Ronnie Vanucci, baterista de la banda, que nos preguntó cómo habían sonado en el show, a lo cual respondimos con la honestidad que nos caracteriza: No muy bien. Él asintió y confidenció que realmente estaban “a little bit rusty” osea un poco oxidados, pero que esperaban darlo todo el sábado, en el cierre del primer día…cosa que finalmente tampoco ocurrió.

El viernes, después de una larga noche, recorrimos el centro de Santiago y algunos lugares cercanos al Parque Forestal, para constatar que la cantidad de extranjeros seguía en aumento, estadounidenses, canadienses, ecuatorianos, franceses y alemanes se paseaban encantandos por la ciudad. Sin previo aviso, ibamos pasando por afuera de un bar relacionado con un diario opositor a la administración actual, cuando nos encontramos con un grupo numeroso de gente, dentro de ese grupo estaba, uno de los hombres emblemas del indie, Wayne Coyne -vocalista de The Flaming Lips- se encontraba a metros de nosotros.

Nos acercamos respetuosamente, lo saludamos y entablamos una conversación con el hombre, que resultó realmente placentera y amena. Coyne fue muy receptivo durante la charla, le preguntamos que le parecía Santiago (nos respondió con un Amazing!) y nos preguntó si el barrio por donde íbamos caminando era peligroso (no lo era), le dijimos que no y que no necesitaría guardaespaldas –como sí los necesitó la otra banda que ya habíamos conocido– me miró y me dijo: ¿guardaespaldas? Fuck that! that’s stupid!! Me gusta conversar con la gente, no hay necesidad de encerrarse. Luego de un rato, nos invitó gentilmente a unirnos a su comitiva que iba al barrio Bellavista, invitación que respetuosamente declinamos para no ser tan entrometidos (aunque ahora que lo pienso fue bastante estúpido haber rechazado la invitación) y le deseamos mucha suerte para el domingo, a lo cual nos respondió: “Muchas gracias! Nos vemos el domingo muchachos”. Una tremenda persona y la antítesis de una estrella de rock es Wayne Coyne.

El sábado en la mañana antes de dirigirnos al Parque O’Higgins pasamos por cierto hotel ubicado en providencia. Nuestra página, no tuvo la posibilidad de entrevistar a ningún artista que participaría en el Lollapalooza (aunque al comienzo nos dijeron que sí podríamos), razón por la cual, tratamos de hacer lo posible para sacar alguna nota de los participantes del festival. Llegamos al mencionado hotel al mediodía, fuimos al bar, ordenamos algunas cosas de aperitivo y esperamos por algún artista.

A los pocos minutos nos topamos con Sergio Vega y Stephen Carpenter, integrantes de Deftones, ambos muy amables (como siempre han sido los miembros de Deftones) nos saludaron y comentaron algo de lo que esperaban del show de más tarde; Vega nos dijo “sabemos la cantidad de gente que va al festival por nosotros, no los decepcionaremos”, le preguntamos si había alguna sorpresa colaborativa en el setlist, nos dijo que no podía decir, pero que iba a estar intenso. Con Carpenter no pudimos hablar mucho, porque el hombre venía algo atrasado y “con mucho sueño” debido a la fiesta de la noche anterior con los miembros de Cypress Hill, pero igual nos dijo que le encantaba venir a Chile y que sabía de la campaña que estuvimos haciendo para un show en solitario del grupo.

Mientras esperábamos por alguna nota más, se paseaban miembros de The Drums, Edward Sharpe & The Magnetic Zeros, Cat Power pasó a escasos metros nuestro con cara de “salúdenme” y conversamos con unos de los roadies de Ben Harper, que nos confidenció que el norteamericano andaba cansado, así que pidió irse más tarde al Parque O’Higgins, además de contarnos que Harper se quedaría una semana más en Chile y que tenía un viaje programado para la Patagonia.

El attaché de Zeta Bosio, nos ofreció (de manera informal) una nota con el músico, la cual no nos interesó mucho que digamos, mientras por ahí mismo pasaban integrantes de Sublime With Rome. Nos encontramos con miembros de The National, muy amables la mayoría, les preguntamos como había estado el paseo por Santiago la noche anterior (Lovely, nos dijeron sin dudarlo) y cómo se venía el seltlist para el show de la tarde, a lo cual el vocalista Matt Berninger nos respondió, que el que veía eso era Aaron (el guitarrista), pero que estaban contentos por los minutos extras que les dieron después de la cancelación de los Yeah Yeah Yeahs. Antes de despedirnos, intercambiamos algunas palabras más, nos contaron que esta era su primer vez en Sudamérica y que pretendían volver muy pronto, les deseamos suerte y nos fuimos, segundos después hacía su arribo al hotel el grupo 30 Seconds to Mars.

Una vez en el Parque O’Higgins, nos topamos de frente con el problema que tuvieron los turistas extranjeros con el retiro de su entrada, llevaban esperando más de dos horas (a todo sol) para poder entrar al recinto. Molestos, nos comentaron que estaban muy decepcionados de la organización, que esto en otras partes del mundo no pasaba (me consta, porque hace 3 años atrás estuve en Coachella y retiré mi entrada al igual que ellos, antes del show, y sólo esperé 5 minutos por ella) y que se estaban perdiendo shows que ellos querían ver, tirón de orejas para el sistema que entregaba las entradas (Punto Ticket).

Una vez adentro, unos británicos nos comentaron que estaba todo muy lindo, pero les extrañaba (al igual que nosotros) que no hubieran lockers donde la gente pudiera dejar sus cosas durante el día. En otros festivales se ocupa bastante eso, y es súper útil, dejas tus cosas en el casillero y te olvidas de andar con cosas extras en las manos.

Nos paseamos a nuestras anchas durante los días del festival, corrimos de un lado para otro para alcanzar a ver lo más posible, nos tocó vivir el desastre que fue el Tech Stage, donde incluso tuvimos que extremar recursos, para no ser aplastados por la masa y para cuidar la integridad física de mujeres y gente mayor a nuestro alrededor, la molestia era evidente entre los apretados asistentes y la acción de carabineros no ayudó mucho, de hecho quedó más claro ese dicho de que “La policía y el rock no son una buena combinación”. Está claro que la decisión de usar ése escenario para artistas con alta convocatoria no fue la acertada.

Tal vez para lo próxima se podría hacer un enroque, dejar el Teatro La Cúpula para el Kidpalooza, y el Tech Stage en el lugar donde estaba el escenario para los más pequeños. Extrañamos además un lugar físico de Informaciones, en el cual la gente pudiera aclarar sus dudas como por ejemplo, lo de la carpa de autógrafos, la información oficial de lo que pasaba en el Tech Stage y otras interrogantes más que la gente tuvo, de hecho eso fue los que nos comentaron unos turistas brasileños que necesitaban saber donde tenían que tomar el transporte de vuelta al centro de Santiago.

En fin, tuvimos un excelente fin de semana de música, shows de calidad a granel, actuaciones contundentes de algunos artistas nacionales y mucha buena onda de la gente que asistió al festival, con un comportamiento y cultura cívica impecable, se pasearon desde niños a abuelos, desde chilenos a alemanes, hay cosas que mejorar claramente, pero la primera vez puntuó con nota destacada, todo indica entonces que nos veremos el 2012, para la segunda versión del Lollapalooza Chile, hasta entonces!.

Puedes revisar nuestros reviews de los dos días en nuestra sección On Stage.

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foto por estrisotti flickr

El asunto es el siguiente, después de 2 días del mega-festival vienen las reflexiones y esta es mi humilde reflexión según lo que vi en los 2 días que asistí.

Tickets. De partida el asunto de promociones de entradas debería haberse realizado mucho tiempo antes de la fecha en la que se realizo. Yo fui beneficiado con el 2×1 pero me da lata pensar en el montón de gente que pago el doble de dinero siendo que fueron mas comprometidos y se endeudaron casi con un mes de anticipación, algo al menos para debatir creo.

Agua. Habían pocos dispensadores de agua y con filas eternas. Quizás hasta hubiese apostado por una ducha o un manguereo clásico, de verdad a pesar de ser abril (lluvias mil) fue un verdadero infierno soportar el sol a las 12:00 del día.

Sol. Del sol no podemos librarnos, lo sé. Pero yo hubiese vendido un espacio publicitario a algún laboratorio de protector solar, les dejo ahí la sugerencia: muestras gratis de bloqueador o información sobre rayos UV por ejemplo.

La comida.Un tema controversial fue la comida. Personalmente, me gaste 6 lucas por 5 tickets. Que solo debía ocupar el sábado. Menos mal al otro día lleve pan y me ahorre problemas, Lo otro, eso de no poder ingresar comida fue una mentira.

Meet and greet.Algo que se anuncio con bombos y platillos, pero lamentablemente no ocurrió.

VIP. Acertadísima la posición del vip lejos de los escenarios.

Sin tomar. Es un agrado estar en espacio cerrado sin el olor a cigarro, sin el picazón de los ojos, respeto a los fumadores. La gran gracia del VIP era el copete pero tampoco era en exceso, creo que al menos no vi ni una sola pelea  ¿Habrá sido por ese motivo?

Puntualidad.Salvo algunos casos la puntualidad fue perfecta la sincronía entre escenarios y producción en general. Punto alto a tomar en cuenta fue el Tech Stage.

Limpieza y Reciclaje. Noble tarea de los voluntarios en seguirnos con bolsas para hacernos entender que la basura va en bolsa y no al suelo, un aplauso.

ONG.Buena sorpresa me lleve al ver muchas organizaciones que generalmente no tienen acceso a grandes espacios publicitarios, que son sin fin de lucro, desde productos de abejas, del auto cultivo hasta adoptar arboles muy bien.

Line up.Se sabía que era poco tiempo de preparación y todo lo que ya habíamos escuchado, pero de verdad falto un reemplazante de peso para el día sábado ante la baja de Yeah Yeah Yeahs

Es de esperar que el 2012 el Lollapalooza sea mejor que este, en todos los ámbitos, no basta ser parada obligada de todas las bandas, es hora de que aprendamos a comportarnos como publico del primer mundo y que las productoras aprendan de los errores cometidos.

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