La banda conformada por Felipe Alegría en voz y guitarra, Rodrigo Carvajal en bajo y coros y Sebastián Fuentes en batería, va un paso más allá en sus posibilidades, presentándonos un trabajo bien elaborado, con líricas que funden la crítica social con un aparente estado de desesperanza y un sonido sorprendente y genuino, obra de la dupla Daniel y Ángelo Pieratinni, que estuvieron encargados del registro, mezcla y masterización del elepé.

El álbum arranca con ‘Ciudad’, una canción oreja, bien estructurada y que puede ser un potencial single. Le sigue ‘Revólver’, que con una inquietante letra acerca de lo que parece ser un criminal y un desenlace poderoso, funciona como excelente track, que da paso a ‘Últimas cosas’, canción con tres partes distintas bien hilvanada  y potente. Pocos minutos y llegamos al primer single promocional, que tal como el disco, lleva por título ‘Una piedra resiste en mi lugar’. Una intensa canción, que habla fuerte y claro acerca del histórico conflicto mapuche, con un intermedio que se suma bien a la totalidad sonora de la composición.

El quinto track es de lo más destacado del disco. ‘Caes’ es una lenta canción que con su propuesta sonora nos evoca a lo más etéreo de Pink Floyd, pero con una simpleza que pasa a ser una característica dentro de Piedra. Le sigue ‘Déjame atrás’, que con su riff de estadio se gana su espacio desde un  principio. Mención aparte para el solo final de guitarra, poco ortodoxo pero efectivo y orgánico.

‘Palabras’ es la canción más acelerada del disco, una interesante fusión entre música alegre y letra depresiva. Le sigue ‘Nada que hablar’, track que parece estar grabado en 1967, con una humareda en el estudio. Hard rock con un toque de sicodelia, con un “tufillo” a Hendrix en toda su extensión. Tras ella, ‘Lo peor’ viene a ser de lo más pesado del álbum, con una lírica que a primera vista parece ser sincera y personal.

Y llegando al cierre de este LP, llegamos a ‘Niebla’, una canción atípica, con partes periféricas que parecen corales y un intermedio potente, rockero e intenso. Empieza con el sonido de una tabla india, interpretada de buena manera manera por Sebastián Fuentes, al más puro estilo de ‘Within you, without you’ de The Beatles, con una guitarra sencilla y precisa. Aparecen los versos, cantados por una multitud y la aparente calma se rompe con un intermedio rockero y potente, con un solo de teclado al más puro estilo Jaivas y con unos versos poéticos clamados hacia el final por Rodrigo Carvajal. Hacia el final vuelve la calma, emerge el elemento oriental nuevamente y la canción se aleja paulatinamente, dando por terminado el disco.

“Una piedra resiste en mi lugar” viene a marcar el inicio de una aparente madurez de Piedra, un crecimiento incuestionable en sonido, letras y composiciones, encumbrándose como un interesante lanzamiento dentro de este 2011. Nos obliga a quedar atentos a los pasos que dará la banda para seguir con su alza.

Por Ignacio Rey Keim.

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REM, una de las bandas estadounidenses más emblemáticas del escenario alternativo musical ha anunciado su separación tras 31 años de historia dejando a su paso varios discos considerados tanto por la crítica como por sus seguidores como obras maestras de nuestra época. Esta reseña pretende realizar un análisis de los hitos en la carrera de este excelente grupo oriundo de Athens, Georgia.

La banda liderada por el carismático Michael Stipe comenzó haciendo ruido en la naciente escena musical universitaria en el año 1980, con la canción ‘Radio Free Europe’ y el posterior LP “Murmur” (1983). Sonaban sólo en radios universitarias de poca cobertura y se caracterizaban por un sonido poco común, letras enigmáticas y con un estilo vocal parecido a los murmullos.

Con “Murmur” REM se encargo de potenciar las radios universitarias que recién estaban empezando, lo que dió inicio a lo que hoy conocemos como rock alternativo. Ese estilo siguió en posteriores discos, como “Fables of the Reconstruction” y “Lifes Rich Pageant” hasta el año 1987 cuando sacaron “Document”, que los llevo a un público un poco más masivo gracias a canciones más tradicionales y con letras más claras, pero que seguían en el fondo siendo alternativas, como ‘Orange Crush’ y ‘The One I Love’, además del gran éxito de ‘It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)’.

Fama masiva

Luego del éxito de “Document”, REM siguió en esa senda, y aprovechándose del gran momento del rock alternativo en las radios el año 1991, sacaron el “Out of Time”, que los llevo a la fama ante el publico masivo. Este disco contaba con un sonido cargado al Folk y con letras optimistas, aunque a veces misteriosas. Con canciones como ‘Losing My Religion’, cuyo instrumento principal era una mandolina y “Shiny Happy People”, REM llego al tope de los rankings.

“Out Of Time” fue seguido el año 1992 por “Automatic For The People”, que es considerado el mejor disco de la banda tanto por la crítica especializada como por muchos fanáticos. Este LP se caracterizó por un sonido oscuro y la presencia de baladas, algunas con mensajes antisuicidas, como ‘Everybody Hurts’. Cabe destacar que este fue el último disco escuchado por el vocalista de Nirvana y gran amigo de Stipe, Kurt Cobain, antes de suicidarse el 5 de abril de 1994, ya que fue encontrado en su pieza con el disco puesto en un equipo.

Luego del suicidio de dos grandes amigos de Michael Stipe, Cobain y el actor River Phoenix, REM sacó su más rockero LP, “Monster“, cargada notablemente a las guitarras y con letras mas polémicas. Si bien no fue un fracaso, el disco no tuvo el mismo éxito de los anteriores, quizás por irse a un sonido muy distinto. Lo mismo ocurrio con su siguiente trabajo de estudio, “New Adventures in Hi-Fi”, que no logró altas ventas y que fue el último LP del grupo como cuarteto, ya que posteriormente el baterista Bill Berry se va de la banda, y con eso se acaba la etapa exitosa de la banda.

Cambios de estilo

Corría el año 1998 y el rock alternativo, que fue altamente impulsado por REM, ya no tenía la misma convocatoria. En esos años el éxito lo tenian las bandas que mezclaban su sonido con electrónica, debido a eso REM decidió experimentar con dichos sonidos. Así sacaron “Up”, que contaba con canciones altamente melodicas y con bases electrónicas, como ‘Daysleeper’. Sin embargo, no tuvo el éxito esperado y las ventas fueron bajas.

Tras el fracaso de “Up”, REM trato de irse por un estilo también melódico, pero sin las bases electrónicas, sino que un sonido pop. Así salió “Reveal” al año 2001, con canciones como ‘Imitation Of Life’. Este disco tampoco cumplió con las altas expectativas que se le imponen a una banda como REM.

El año 2004 arremetieron de nuevo con el pausado, reflexivo y, en algunos casos, políticamente cargado “Around The Sun”, que fue el LP menos vendido de REM después de “Up”. Su primer sencillo ‘Leaving New York’ no logró el impacto esperado y las ventas fueron bajas.

Tras los fracasos sucesivos, la banda decidio cambiar radicalmente su sonido por uno más parecido al REM de los viejos tiempos, y así fue cómo llegaron al “Accelerate” del año 2008, que si bien no llegó al mismo éxito de la época dorada del grupo, tuvo mejores ventas y crítica que los tres LP anteriores.

Y llegamos al último trabajo de estudio de esta emblemática banda, “Collapse Into Now”, lanzado este año, el mismo año en que se separaron y que sigue la línea del “Accelerate”. Sorprende que quieran separarse el mismo año que sacaron un LP que tuvo buenas críticas y aceptación de la gente, pero luego de 31 años de carrera, quizás necesitaban un descanso.

Por Sebastián Pineda.

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El baterista y líder del grupo de hip-hop de culto, The Roots, conocida por su éxito “The Seed” y su último disco “How I got Over” (2010), no encontró una mejor manera de conmemorar su gran cantidad de seguidores en Twitter @questlove que subir a la red social un cover de la canción “Accordion” (Acordeón) de Madvillain junto a sus compañeros de banda y uno de los más conocidos acordeonistas de la cultura pop actual, el músico-comediante “Weird Al Yankovic”.

La canción se puede escuchar aquíy consiste en un instrumental con el acordeón de Yankovic sumado a los aplausos de la banda. Lo especial de esta grabación es que fue estructurado en un estilo cómico y anecdótico, debido a que entre los aplausos se puede escuchar a los demás integrantes exclamar que no pueden creer lo que está sucediendo.

Esta es una buena manera realizada por esta banda aclamada por la crítica de llegar a sus seguidores. Cabe destacar que The Roots es desde el año 2009 la banda establecida del Late Show de Jimmy Fallon, programa de corte humorístico donde han realizado actos humorísticos como realizar un cover de la vilipendiada “Friday” de Rebecca Black.

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Abstracción, liberación y recompensa. Esos parecen ser los conceptos dentro de todo el proceso creativo de “Las Torres de Sal” (La Clave, 2011), el último disco de Fernando Nano Stern que fue presentado al mundo el sábado pasado, en el Teatro Nescafé de las Artes. El músico había anticipado que la noche en que el disco pasara a ser de todos, lo celebraría como si fuera una fiesta y cumplió.

La introducción estuvo a cargo de la cantautora Ana Pardo. Acompañada de su guitarrista, la uruguaya llenó los espacios de poesía, a veces doliente y otras, coqueta, además de mostrar gran habilidad para comunicarse con el público. La alianza entre ambos músicos llevará a Stern a tierras charrúas para devolverle la mano y telonearla el 2 de junio en el Teatro Solis de Montevideo.

En dos horas y cuarto de concierto, Nano se lució solo y acompañado. Luego de una pequeña intro que tuvo como protagonista a la peculiar flauta de un australiano que conoció en Turquía –país donde se gestaron la mayoría de las ideas que contiene el álbum- comenzó con “Cuatro vientos”. En sus palabras, este tema refleja su espíritu viajero y el de muchos otros que encontraron en la vida itinerante un estilo de vida. Tal como él lo hiciera al dejar sus estudios de composición en la Universidad Católica y se instalara en Europa a aprender, componer y conectarse, desde muy lejos, con la Nueva Canción Chilena.

Se sucedieron temas como “La flor del cactus”, la cual indicó haber escrito el día más triste de su vida. También “Violeta”, donde una vez más demuestra su devoción por el talento de una de sus mentoras, Violeta Parra, dedicándole esta canción en décimas “como le gustaba a ella”.

En “Necesito una canción” desplegó sus dotes de multinstrumentista al interpretarla sólo con un violín. Antes de presentar el primer single del disco, “La puta esperanza”, explicó sus motivaciones a través de Nietzsche y su frase: “Ustedes no entendieron nada”. En la esperanza no está la respuesta.

La noche se desenvolvió en una combinación de canciones de Las Torres de Sal y de los tres discos de estudio que posee el cantautor. Nano Stern es una de las voces más inspiradas dentro de la generación de recambio de la música chilena. Posee un talento orgánico, como lo definiera Joe Vasconcellos esa noche, cuando interpretaron en conjunto el tema inspirado en el pueblo Mapuche, “Lágrimas de oro y plata”.

Siempre se habla de la entrega de los músicos arriba del escenario. No es extraño, ya que eso define el carácter del espectáculo y de la crítica posterior. En este caso, basta con ver con qué facilidad Stern se escapó del micrófono un par de veces y se paró frente al público sin nada más que su guitarra y su voz para describir la disposición del músico a entregar su talento, envolvente y sin distracciones.

Si el Nano Stern solista logra sonar único y potente cada vez que canta, con la banda que lo acompañó logró sobrepasar las barreras de la guitarra, la melodía, la letra y en conjunto mostraron un trabajo desarrollado con calma, de calidad y sin pretensiones más que hacer lo que le gusta, que es cantar. Aunque suene cliché, a Stern le creo, porque lo vive y lo demuestra con discos tan íntegros y solventes como el recién estrenado. Aparte, la gente no tuvo problemas en corear cada una de las canciones que lo hicieron conocido. No creo que para él, exista mejor recompensa.

Por Janine Aravena.

Fotografía.

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Texto de Sergio Cona Lagos.

Si todos pensaban que la ópera solo existía y se representaba en el Teatro Municipal, están equivocados, ya que gracias al cantante lírico Sebastian Muirhead y el Director y Actor Ariel Lagos eso ya es historia en nuestro país, los que nos dan la exquisita posibilidad de disfrutar y recorrer por las arias más reconocidas por todos.

Cuando pensamos en la ópera, muchos nos imaginamos que tenemos que ir vestidos de una manera formal y nos vamos aburrir, ya que en Chile desde fines del siglo XVIII, se representaban tonadillas escénicas y sainetes de compositores españoles, donde poco a poco la aristocracia chilena comenzó a frecuentar estos actos y la actividad operística se expandió por la ciudad.

Se dice (Eugenio Pereira Salas) que la primera compañía de ópera que actuó en Chile fue la de Pezzoni-Bettali, que llegó a Valparaíso y en ese lugar estrenó “El engaño feliz”, ópera semibufa de Rossini; la misma compañía luego actuó en Santiago, presentándose en el Teatro Arteaga, así como también llega al país la compañía de Pantanelli-Rossi en la cual, según narra José Zapiola, “por primera vez pudo verse a un director usando una batuta para guiar a sus músicos”, y con esto se obligó a la construcción de un teatro acorde con las necesidades de la burguesía chilena, lo que motivó el levantamiento del Teatro Municipal de Santiago y el gusto musical por medio de la exposición sistemática de óperas italianas, una de las cuales, Hernani de Giuseppe Verdi, inauguró el teatro.

Lo curioso es que en el avance de los años la ópera se transformo en un espectáculo masivo y un elemento civilizador en Chile (Según Calonge) pero en el siglo XX se puso elitista, pero gracias a Sebastian Mihuerd y Ariel Lagos es accesible, con quienes conversamos para saber como fue el proceso de creación de este proyecto, en el cual conforman una compañía interdisciplinaria que presenta por segunda vez un innovador espectáculo.

¿Cual fue la motivación que los llevo a crear “Ópera en la Ciudad”?

El proyecto se creo por una instancia personal y de acercar la ópera a todo público, dejando el estigma de que la ópera es solo para algunos y que no solamente se da en el Teatro Municipal, sino que también en otros teatros. Y el desafío principal era hacerlo en un escenario diferente y una perspectiva diferente, donde el cantante no es un Divo y volver a los orígenes donde todo el mundo podía disfrutar de la ópera.

Sebastian además nos comenta que “Opera en la ciudad, lleva a los mismos cantantes líricos que están en los grandes teatros y de la misma calidad representativa a un formato ecléctico y urbano, donde se plasma en las acciones cotidianas del día a día, ya que en cada aria y escena tiene un elemento, ya sea en Madame Butterfly o en el Carmen de Bizet”

¿Como fue el proceso de selección de las arias?

El agudo es el clímax del cantante de ópera y lo que espera la gente, es un orgamos vocal, por eso trabajé con compositores de un buen nivel de agudos, como Verdi, Puccini, etc., donde se busca llenar el espacio, sin de dejar de mencionar que tenían que ser arias reconocidas por todos.

¿Sientes que la ópera ha cambiado en nuestro país?

Seguimos todavía en la época del siglo XVIII, sin cambios en las puestas en escena, recuerdo que una vez se hizo la Traviata donde existían hombres vestidos de mujeres y fue muy criticada, es por esto que nosotros planteamos puestas en escenas con rupturas, ya que son más llamativas, pero acá en este país parece que vende mas una pechuga, ya que para muchos eso es una ruptura….

En cuanto a la construcción dramática, ¿Fue una necesidad marcarla con una tendencia Brechtiana, ya que tu función de narrador es el hilo conductor en Ópera en la Ciudad.?

(Ariel Lagos) Si…en el fondo tiene que ver con lo que dice Sebastian, con preocuparse por el público y sacar la ópera de sus parámetros, donde comunicar al espectador lo que van ha disfrutar y jugar con el engranaje dentro de esta construcción, no hay grandes decorados, no es un gran escenario, sino un montaje minimalista en el cual se hace sublime tras estas fantásticas voces.

Hay tres representantes importantes en la ópera; Italia, Francia y Alemania, ¿Cual es nuestro gusto como país?

Generalmente en el contexto del repertorio en que se enfoca “Opera…”hay bastantes compositores Italianos, ya que el vinculo esta en la sangre, donde el gran exponente es la Canzoneta Italiana, la cual se acerca al mundo popular gracias a Luciano Pavarotti, el fue el que llevo la ópera a todos los rincones inimaginables y se acerco a la música pop. Pero también como país tenemos una cultura melodramática y la ópera es drama.

¿Como lograron el manejo de las actuaciones y como definirías este montaje?

La elección del elenco paso por el profesionalismo y la actuación, ellos se entregaron un 100% y cumplieron con sus personajes donde vemos una claridad interpretativa, lo cual nos lleva a un montaje que habla por si solo, donde se logra una distancia minima y con esto logramos una gestualidad amable.

El Actor y Director Ariel Lagos define el montaje “como una mezcla, eso esta claro, no es ópera más teatro, es solamente otro formato. Hay una necesidad de acercar la ópera a la gente y nuestra herramienta es este formato, es una ópera en la ciudad, un espectáculo urbano, ya que hay acciones cotidianas, es por eso de la escenografia y además se introduce al público como parte del montaje.

¿Que esperan de “Ópera en La Ciudad”?

(Ariel Lagos)Yo como espectador espero que sea vista por la mayor cantidad de personas y generar un interés y gusto por la ópera, plantar un precedente y que surga un espacio alternativo, (Sebastian Mihuerd) Que se escuche en todo Chile, en todos los rincones…, tengo la experiencia con las personas más alejadas de nuestro país, las cuales son las más agradecidas, sin dejar de mencionar que contamos con un repertorio reconocido y que también pasa por una necesidad cultural.

Un proyecto elegante y representable en cualquier lugar de nuestro país a un excelente precio, con un elenco profesional y un panorama entretenido y alcanzable para todos los bolsillos, con un elenco de excelencia formado por destacados cantantes líricos, instrumentistas y un narrador.

“Ópera en la Ciudad” recorre un variado repertorio que contempla a grandes compositores como Verdi, Puccini, Mozart, y otras expresiones de la lírica como la zarzuela, las canzonetas napolitanas y los musicales de Broadway. Con este variado repertorio el director Sebastián Muirhead quiere demostrar que la ópera está mucho más cerca de lo pensado, ya que la importancia de este proyecto es que se enfoca en el público, en el llevar la ópera a lugares alejados de las grandes ciudades, donde la gente salga con la mejor de las impresiones y reconocimiento de las arias y jugar con la transversalidad del teatro en su representación habitual, la cual esta a cargo del narrador Ariel Lagos.

“Ópera en la Ciudad”
Del 6 al 29 de mayo
Dirección: Sebastián Muirhead /Puesta en escena y narración: Ariel Lagos
Cantantes: Pilar Aguilera, soprano, Daniela Ezquerra, soprano, Ana Navarro mezzo soprano, Joaquín Aguilar tenor. / Músicos: Yudalys Perdomo pianista, Beatriz Lemus cello.

Correo reservas: operaenlaciudad@gmail.com /
Teléfono reservas: 09 743 3158
Facebook: Ópera En la Ciudad

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Por Chris Leskovsek

Para mí, siempre ha sido importante este pequeño “cool” blog el cual sigo hace años ya. Sobre todo por la cabida que le dan a la música en general y no a un estilo en particular.

Esta pequeña nota la haré 100% desde un punto de vista personal y no siendo “políticamente correcto”, así que perdónenme si no detallo en cifras o estadísticas, es solo la visión de un melómano más, hablando de la importancia que tiene, y que creo podría tener para todos uds, el celebrar el “día de la disquera independiente”. Acá no hay polémica de que es mejor, si un mp3 es mejor que un CD o que un vinilo. Así es que si buscas leer de eso puedes googlear en otra parte. Esto es solo una opinión personal.

Creo que nadie a estas alturas puede hacer oídos sordos, o hacerse el ciego, con respecto a lo que está pasando con la industria del entretenimiento actual. Desde el 2007 (quizás un poco antes) que las descargas ilegales, mp3′s, torrents, etc han ido de a poco destruyendo particularmente la industria musical (la cinematográfica por alguna extraña razón, aun sobrevive).

Muchos hablan de un cambio del formato (y lo comparan con el paso de la cinta al vinilo, y de este último al cassette, y de este al cd, etc), otros hablan de que es un mera conspiración política de las grandes disqueras por no estar facturando dinero, y otros que no saben como legislar sobre “internet”, etc.

Lo único que todos sabemos, es que  por cambio o conspiración, algo esta pasando y no sabemos reaccionar. Pero sabemos que músicos, bandas y tiendas independientes están en peligro severo de extinción. Pero no todo es tan negro, creo yo. Ya que esta ola de revivir lo vintage ha traído consigo, no sólo la vuelta de la fotografía análoga, sino que de los vinilos y de las ediciones sólo para coleccionistas, a modo de seguir manteniendo la música en un formato físico. ¿Será esto un simple salvavidas de plomo? Quizás es así, pero disfrutémoslo mientras dure.

Es por esto, y por el espíritu de los que aún creemos, apoyamos, compramos y disfrutamos visitando disquerías para comprar nuestros discos, para luego ir a tomarnos una buena cerveza escuchando, viendo y leyendo estos bellos trabajos con nuestros seres queridos; es que el año 2007, un simple empleado de una disqueria independiente, llamado Chris Brown, creó el Record Store Day.

¿Cual es el fin de este día? ¿Es un día comercial como los demás? Sí, lo es. Pero tan bueno como el de la madre, el del padre o el del niño. Se celebra el tercer sábado de abril de cada año, con la simple razón de recordar lo que es ir a una disquería con tus amigos, y buscar cuán ratón de biblioteca, entre pilas de compactos y vinilos, ésa gran joyita musical. ¿Cuál es el fin? Simple, apoyar la música y por sobre todo, rescatar las disquerías musicales que están a un paso de la extinción, ¿exagero?, No, no exagero.

Yo no soy quién para decirles que hacer o que no, pero cuando me preguntan: ¿por qué sigo comprando música? Simplemente y entre muchas otras razones, porque de verdad me gustaría poder heredarle a mis hijos, una época, sensaciones, y emociones que nunca heredé de mis padres. Me incomoda mucho el hecho de perder la visualidad de la música, porque ni siquiera entraré en el terreno de opinar sobre calidad musical de un mp3, versus la del CD o del vinilo. Simplemente porque para mí, no existe comparación alguna.

Debe ser por mi profesión de diseñador y fotógrafo, que me molesta el hecho de escuchar un disco y no verlo, o sentirlo. ¿Soy de la vieja escuela? Quizás, pero solo tengo 28 años. No soy un viejo, pero también entiendo que no tengo 15 años. ¿Qué va a pasar cuando en los próximos 50 años, no hayan discos físicos y ya vayan en el mp800? ¿Qué harán con todas las toneladas de terabytes de “fanatismo” musical que tendrán?.

Quizás les puedan heredar a sus hijos un pendrive. Pero tal vez, en 50 años más quizás ya ni hayan puertos de USB, y cuando sus hijos quieran ser vintage por escuchar a Lady Gaga o My Chemical Romance, cómo le mostrarán visualmente lo que era esa onda? ¿Cómo podrán mostrarles la evolución de una banda?. Esto lo hablo desde el punto de vista de un “fanático 3.0″ de la música, dejando de lado los que “escuchan música para acompañarse” y confunden a Metallica con My Chemical Romance (los hay..).

Un disco para mí, de verdad, que es harto más que las diez o doce canciones incluidas, es la experiencia que me da un disco. Cada disco para mí es un momento, capítulo de mi vida. !En serio! No concibo por ninguna parte escuchar un disco de Tool, sin verlo por ejemplo. Así podría mostrarles y nombrarles, cientos de bandas que se esfuerzan cada vez más, por seguir sacando discos físicos y en ediciones especiales, para los “tres tipos” que quedamos aún comprando, y apoyando la música que ellos hacen.

¿Cuántos de ustedes han ido a una discuerda independiente? Y no hablo de la Feria del Disco. Hablo de las disquerías en Paseo Las Palmas, Portal Lyon, Eurocentro, muchas muertas, otras a medio morir saltando. Les recomiendo que vayan un día para que sientan lo que es comprar música. Vayan y aprendan lo que es una disquería. Puedo decir con fe, que es gracias a las disquerías es que tengo grandes amigos que acarreo hasta el día de hoy, incluso algunos de ellos ahora son periodistas, y especializados en temas musicales. Se que ellos mismos no podrían nombrar mejores escuelas, que aquellas tardes de fin de semana, revisando y escuchando, una y otra vez, disco tras disco de cada banda, en esas tiendas.

Ahora no vivo en Chile, y donde estoy, si se celebra el Record Store Day y no saben lo ansioso y feliz que estoy de que, por primera vez en mi vida podré ir a uno y “vivirlo” como corresponde. ¿Y qué significa esto? Comprar ediciones especiales de discos exclusivos para ese día, no disponibles en ninguna otra parte, interactuar con otras personas, fiestas, concursos, bandas tocando dentro de la disquería, etc. Simplemente celebrar la música como corresponde. Y como corresponde, no es con un iPod solo en tu casa, frente a una pantalla chateando. Insisto, es un humilde consejo de una persona como cualquiera de ustedes, que simplemente, como fanático de la música le gustaría que hubiesen más como él, simplemente por celebrar y disfrutar la música.

En Chile no se celebra, pero si entre los que quedamos que aun compran y/o regalan música, hiciéramos una lista de nuestras disqueras independientes favoritas, con dirección y/o pagina web,  podríamos armar algo interesante o simplemente ir cada uno a una tienda, hablar con los dueños y  convencerlos que se inscriban en la pagina del Record Store Day, y así incluir a Chile en este tremenda celebración.

No quiero que lean esto como un comentario cliché, sólo quise compartir con ustedes, lo que de verdad es para mí –y que sé que para varios de los que trabajan en este genial blog – el hecho de “vivir un disco”. Y eso es algo que vale más que ocho o diez lucas. A mí por ejemplo, me dio una carrera. Siempre estaré en deuda con eso. Y por lo mismo, diseñé un póster para celebrarlo, con un extracto de una cita del gran Nick Hornby (High Fidelity, About a Boy) “Las disqueras no te van a salvar tu vida…pero si pueden darte una mejor”.

http://www.recordstoreday.com/SpecialReleases (Lanzamientos exclusivos para ése día)

http://en.wikipedia.org/wiki/Record_Store_Day

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El último trabajo de Looptroop Rockers nace del conflicto social sueco. A finales del año pasado un nuevo gobierno llegó a tomar las riendas del país, al cual el cuarteto ha tomado una postura de oposición, pues la ultra-derecha a tomado mucha fuerza, cuestión que será analizada más adelante.

El disco empieza con una introducción bastante adecuada: “Don’t Wanna Wake Up”, canción que nos invita a no dejar de lado el mundo onírico y quedarnos para tomar un viaje hacia la siguiente pista que lleva el nombre de una nueva hoja, la cual nos cuenta cómo es ser un soñador en este mundo y, aunque sean basureados por
ser considerados idealistas, siempre serán soñadores profesionales y no señores. No querrán despertar de su sueño.

Nos vamos paseando por las 13 pistas que nos ofrece este nuevo disco. Entre buenas rimas y bases que, aunque suene irónico, despiertan hasta la mente más aletargada. Encontramos un abanico de canciones, unas para bailar lentito y cantársela a la polola (“Sweep Me Away, Magic”), y otras para ponerse eufórico y hacer lo que se debe hacer en el momento indicado (“Do”). Finalmente, tal como ellos lo describen, los sentimientos de frustración e ira deben ser canalizados de alguna manera, de esta catarsis nació la excelente “On Repeat” en la cual hacen una fuerte crítica a los vientos de extrema derecha que soplan en el parlamento sueco, como antes se había mencionado, que promete instaurar un Estado moderno e iluminado a precio de aplastar los sueños de muchos ciudadanos.

Maneras de manifestar sentimientos, deseos, emociones y sueños hay infinitas en el horizonte que nos entrega el arte. “Looptroop Rockers” lo supo plasmar de manera eficiente en este disco, sin dejar de lado sus sueños en el sonido del rap para canalizar y plasmar su postura de soñadores profesionales.

Por Nicolás Vergara

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Y esto queda plasmado en “Mondo Cane” (Ipecac), uno de sus últimos proyectos, y que próximamente se presentara en nuestro país, en un evento que es esperado por muchos como una gala maravillosa donde el genio musical de Mike Patton se funde con clásicos italianos de los 50 y 60, mientras es apoyado firmemente con una orquesta del más alto nivel. Pero no todo queda a casualidad, y una de las razones por la cual empezó este proyecto fue por su matrimonio con la artista italiana Titi Zuccatosta, que duró aproximadamente 7 años, tiempo en el cual se sumergió y dejó seducir por toda la cultura que puede ofrecer el país mediterráneo, lo cual finalmente nos dejó como legado este hermoso disco de covers.

Si bien podemos escuchar clásicos mundialmente conocidos como son ‘ll cielo in una stanza’ u ‘Ore d’amore’, Patton nos ofrece algo más como es ‘Urlo Negro’ una canción que va un poco más por la onda rockera, y que se entiende claramente el por qué de integrarla en esta obra.

“Mondo cane” es un disco para gente entendida en el asunto, abierta a distintos gustos musicales, y como no, para que el intelecto y talento musical de Mike quede sin lugar a dudas en evidencia.

Por Nicolás Vergara.

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Por invitado Esteban Sepúlveda

Con una montonera de nominaciones y un millón de flores por las actuaciones de Ryan Gosling y Michelle Williams, Blue Valentine se perfila como uno de esos peliculones que pasan desapercibido pero que siempre trascienden en el tiempo. Seleccionada en el festival de Cannes Sundance, con un presupuesto de solo 1 millón de dólares, el director Derek Cianfrance nos logra contar de manera perfecta la historia de amor entre Dean y Cindy.

¿Pero qué tiene de original este relato? No es el anti-amor que nos mostraba 500 Days of Summer ni el “Y vivieron felices para siempre” de The Notebook, sino que Blue Valentine se separa del resto al presentar la realidad de las parejas actualmente.

Desde el primer minuto en que la vió, Dean, un trabajador en una empresa de mudanzas, se enamoró perdidamente de Cindy, una joven que solo tenía como objetivo salir de la secundaria e ir a estudiar medicina en la universidad. Desafortunadamente para los dos, el ex de Cindy la deja embarazada y ella decide criar a su hija con Dean. Luego de varios años de matrimonio, la pareja junto a la pequeña Frankie intentará superar la más grande de sus crisis en una sola noche.

¿Les parece conocida? Retiren al ex y tienen el típico formato de las parejas juveniles actualmente. Eso es Blue Valentine. A través del flashbacks se hacen los contrastes entre la felicidad del comienzo y los problemas que los llevarán a la catástrofe matrimonial.

Aparte de un interesante trabajo de edición, la cinta se destaca por las increíbles actuaciones de Ryan Gosling y Michelle Williams, quien recibió una nominación para el Oscar de Mejor Actriz. Un film polémico, que causó revuelo en Estados Unidos por la calificación NC-17 (No apta para menores de 17 años) la cual solo es recibida por las películas con lenguaje en extremo intenso y/o contenido pornográfico.

Sin fecha de estreno en Chile, la agridulce Blue Valentine no se recomienda para las parejas enamoradas por la simple excusa del viejo dicho que profesa: “La verdad duele” y aunque cueste aceptarlo, el cuento de Dean y Cindy es uno que se repite cada vez más en la sociedad chilena. Una cinta que es, a la vez, un drama actual y una típica historia de amor. Si les tincó, acudan al amigo torrent o algún otro medio.

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Y es dentro de este importante contexto en el cual nace Cordura, en el Gran Bilbao, una banda difícil de encasillar, sin embargo, podemos encontrar elementos de crítica social cruda y sentimientos de represión, odio y revolución contra todo lo establecido por la sociedad, todo esto mientras paseamos por un trío básico de guitarra, batería, bajo con mucho punk rock melódico, de vez en cuando llegando hasta el post-hardcore a través de cantos guturales.

“La Ridícula Mecánica de la Vida Moderna”, su elepé debut, nos habla de cómo la gente vive su monotonía, que se preocupa simplemente de lo que a ellos les incumbe, el egoísmo, que nos encierra en nosotros mismos cada vez más. Nos cuenta también historias de cómo a través de la catarsis de cualquier tipo podemos encontrarnos a nosotros mismos y así romper de alguna forma con nuestra cotidiana realidad. Este mensaje esta inserto en un cuadro musical el cual sorprende, ya que por lo general, este tipo de banda caen en el cliché punk de los 3 riffs y los ritmos de pogo, cosa que Cordura ha sabido llevar más allá, jugando a través de distintas melodías y pasajes acústicos jugando con diferentes sonidos y ritmos, añadiendo sintetizadores de por medio en algunas canciones.

Este es un disco totalmente recomendable para esos días en que nos sentimos solos contra el mundo o que simplemente nos está aburriendo el día a día, creando una especie de revolución contra nuestro propio sistema que hemos creado para así poder construir nuevos escapes para romper con la rutina.

Por Nicolás Vergara.

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La efervescencia que Jorge González provocó en el Festival Binacional “El abrazo” daba paso para que el Sanmiguelino diera un show donde pudiera presentar de manera más completa la que por muchos es su obra maestra (puristas divididos: “Jorge Gonzalez La mente maestra” v/s “Sin Tapia ni Narea no hubiesen sido Los Prisioneros”, pero para qué entrar en dilemas), “La Voz de los 80″, y además revivir otros hitazos, y asi ocurrió, el artista nacional confirmó conciertos por algunas ciudades del sur, y una fecha en Santiago.

A mucha gente le pareció un poco excesivo el precio de las entradas, por lo cual decidió no ir, lo cual me hizo pensar que el Caupolicán no iba a estar repleto. Cierto, no se llenó, pero sí estaba la cantidad de gente necesaria para un concierto que ofrecía más que música, si no también un discurso y mucha actitud, donde además se presentaria la banda en auge de la escena local actual, Fother Muckers, vayamos al grano.

Con un Show que empezo a eso de las 20:00 hrs, Fother Muckers dejaron en claro porque son una de las agrupaciones del momento, donde están todos complementados, todos trabajan unidos por un mismo fin, y la cara más visible es Cristóbal Briceño, haciendo reír a gran parte del público y obviamente mostrando su gran voz. Su intervención fue corta pero precisa, dando una repasada a sus 3 últimos discos e incluso a un hit de los años 90’, invitando a Javiera Mena a interpretar juntos “Electricidad” de Lucero. Aunque experimentaron problemas de sonido, aún asi lograron encender a la gente.

Salen los Fother Muckers del escenario, y entran los roadies a arreglar el escenario para recibir a Jorge González, quien aparece acompañado por Pedropiedra en Bateria, Jorge Del Campo en el Bajo, y a quien trato incluso como un hermano, Gonzalo Yañez en Guitarra y en un dos por tres todos se vuelven locos.

Siguiendo el orden del disco, Jorge Gonzalez abre con “La voz de los 80”. Luego, sigue la que podria ser el himno de la bohemia ochentera, “Brigada de Negro”. En “Latinoamerica es un pueblo al sur de E.E.U.U”, Gonzalez aseveró que  Chile aún sigue dependiendo de las faldas gringas. Después, fue el turno de una canción que estuvo ausente para el Festival “El Abrazo”, “Eve – Evelyn”. Después vino la canción más exitosa de ese disco, “Sexo”, con un Teatro Caupolicán coreando de principio a fin, de la mano de una de las mejores subidas de tono de este país, literalmente.

Todos estaban expectantes de saber si Jorge Gonzalez interpretaría “Quién Mato a Marilyn?”, y sin hacer grandes especulaciones, da la presentación a la canción que pertenece a Miguel Tapia, después vino el turno de la honesta “Paramar” seguida de una de las más polemicas dentro del concierto, me refiero a “No necesitamos banderas”, pues muchos recordaran lo que el vocalista dijo en la parte entremedio de la canción para el “Festival El Abrazo”, esta vez lo repitió, pero incluyendo antes que podría recibir amenazas de alguna fuerza oscura por sus dichos, siendo –Según el- incluso aconsejado por su circulo más cercano a no repetir aquel estribillo.

Arribó el turno de “Mentalidad Televisiva”, otra canción ausente para “El Abrazo”, y que personalmente deseaba escuchar. Y para finalizar esa primera parte, la que cierra el disco, “Nunca quedas mal con nadie”.

Después de una breve pausa, el sanmiguelino regresa al escenario, esta vez solamente acompañado de una guitarra eléctrica, con la que interpreta “Tren al sur”, el cover de Albert Hammond “Necesito poder respirar”, “El baile de los que sobran” y “Corazones Rojos”. Todas estas abarcadas de manera muy sentida. Luego regresa la banda para interpretar “We are sudamerican rockers” y “Porque no se van?”, canciones con la cual finaliza el show.

En definitiva Jorge González tenia para hacer un show más extenso, pero eso no quiere decir que haya sido un concierto poco consistente. Lo más bonito del publico fue la brecha generacional. Se podían notar a los ex-compañeros de curso saltando y coreando las canciones, a los adolescentes que crecieron escuchando esa música gracias a sus padres, y así… pero eso es lo bonito de la música, o no?

Por Matías López.

Foto, cortesía de Rocknvivo.

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Texto por nuestro corresponsal en Alemania, Oscar Mardones

Muchos años tuve que esperar para ver una de las bandas que marcó mi juventud, una banda de gran peso y con una historia considerable, que a muchos nos hizo sentir la música de otra forma y optar por rumbos más pesados para nuestros oídos. Estoy hablando de Stuck Mojo, una de las bandas que comenzó con el género “rapcore” o “rapmetal”. Si bien es cierto, es un estilo que “ya pasó de moda”, y lo escribo entre comillas, porque no sé si realmente alguna vez lo estuvo, a diferencia de otras tendencias más marcadas y con más número seguidores. Digo esto porque esta banda fue formada el año 1989 en Atlanta, Georgia (USA), y teniendo 6 discos de estudio a su haber más otros 3 compilados bajo un sello, es decir con una connotada trascendencia en la música, realizó esta gira por Europa pero en ciudades no tan renombradas y por ende en lugares que también no eran de gran capacidad y con shows un tanto más “personalizados” que años anteriores. Quizás tras la separación el año 2000 y el regreso con un estilo un tanto diferente el año 2005, o el notorio cambio de integrantes de la banda le jugaron en contra a la música de culto que realmente hicieron y siguen haciendo aún, a mi forma de oír.

En la gira por Europa, Rich Ward “The Duke” (Guitarra-coros, miembro de Fozzy), líder y fundador de la banda, estaba acompañado por el actual encargado de tomar el rol frontman en la banda, un tipo con trayectoria y que se ganó merecidamente el puesto hace un par de años, el rapero Lord Nelson sucesor del antiguo vocal Stolz, por otro lado estaba Sean Delson (Bajo) y Frank Fontsere (Batería) ambos miembros de Fozzy, la banda del luchador Chris Jericho.

El show comenzó a las 20:00 hrs. con una banda de Irlanda, llamada Black Swan (www.myspace.com/blackswanmusix), realmente no me sorprendieron mucho, pero estaba incluida en el precio y además esta banda se subió a la gira en último momento, luego de la bajada de los estadounidenses Halcyon Way. Estuvieron en el escenario cerca de 30 minutos, para dar paso a Lies (www.myspace.com/liesofficiel) una banda Francesa que hacía un poco más de presencia y quizás su trayectoria, con un show que duró alrededor de 40 minutos.

La espera de la banda principal no se hizo larga, porque todo esto tuvo lugar en un bar para no más de 150 personas en el que vendían “bebestibles”, y en que el número de asistentes no era superior a 70, y tomando en cuenta que eran alemanes disminuía aún más la presencia de público, es decir era una tocata más pero con una banda de aquellas.

Stuck Mojo subió al escenario con un bajo perfil, afinando ellos mismos sus instrumentos, luego de que su único roadie haga un par de conexiones. El setlist fue variado en cuanto a sus discos y el show fue muy activo, de mucha interacción con el público y entre ellos mismos. Rich manteniendo la energía que lo caracteriza y sin notarse los años, saltaba a cada rato en el escenario. Por otro lado Lord Nelson, intentaba motivar al público entregándole el micrófono en los coros. El show de parte de ellos fue buenísimo, tratando de familia a su público e incluso “The Duke” entregó la guitarra a un fan en “2 Minutes of Death” para que tocara y el salió a cantar nosotros, es cierto que notoriamente estaba arreglado, pero salió excelente. Luego de eso invitó a otro personaje que también era un alemán fan de la banda, a cantar la última canción de su gira, “Not Promised Tomorrow” terminando después de casi dos horas en el escenario, con todos los integrantes de las otras bandas que los acompañaron en su gira sobre el escenario.

Por último les dejo el setlist de esa noche y un video con una primicia para 192 con palabras de The Duke.

SET LIST

1) Enemy Territory (Rising)

2) Trick (Rising)

3) F.O.D. (Snappin’ Necks)

4) That’s When I Burn (Southern Born Killers)

5) Metal Is Dead (Southern Born Killers)

6) Tears (Rising)

7) (here comes) The Monster (Pikwalk)

8 Twisted (Pikwalk)

9) Throw The Switch (Rising)

10) Open Season (Southern Born Killers)

11) Rising (Rising)

12) Southern Pride (Rising)

13) 2 Minutes Of Death (Snappin’ Necks)

14) Not Promised Tomorrow (Snappin’ Necks)

[Haz click aquí para ver el vídeo directamente en 192]

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